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El dueto musical de Lena y Lola (Lola = Dolores Jiménez, madre de la cantante y actriz Lolita Cortés) tuvo cierto éxito en la primera mitad de la década de los sesenta interpretando diversos temas desde bolero a baladas y como muchos cantantes, incorporan algún tema de moda a su repertorio, llegando tambien a participar en películas de corte juvenil como "Mi alma por un amor" con Angélica María, Enrique Guzmán y Manolo Muñoz.
Gran grupo que tenía un sonido fuerte pero que mereció mas fortuna en la historia del rock mexicano de los años 60.
Fundado por Rodolfo Sandoval Galindo alias "el pilucas", que fue el requintista del grupo y creador de temas como El existencialista, La tarántula, La gallina ronca y El angelito. Músico nacido en Tampico, Tamps., y que de pequeño emigra con su familia a Salamanca, Gto., y en dicha ciudad, se dedicó a la musica, llegando a tocar en los sesenta en diversos grupos como Los Teen Tops, Los Hermanos Carrión y con Johnny Laboriel.
Aún así, pese a que le pidieron tocara con otros grupos, decide crear el suyo propio, naciendo asó el grupo de "Los pájaros azules" dedicado principalmente a la música surf.
Graban con la compañía RCA-Victor su único disco LP con el que hacen diversas giras nacionales y una breve estancia en México, D.F. y pese a su rock y buena ejecución de sus instrumentos, no reciben la promoción necesaria, desapareciendo pronto del medio. Rodolfo sigue con la música y decide dar clases en Salamanca y asienta cabeza formando una familia y alejado del medio.
(Agradezco la información a Flavio Landin Tierrablanca y a mi buen amigo Chava Moreno por algunos temas del grupo).
Este cuarteto se inicia como buen conjunto de "trios" tocando boleritos durante los años 50 y, al igual que muchos cantantes y músicos de la época, incursionan un poco al rocanrol.
Se inician como Los Pao, y fueron cambiando de nombre con el paso del tiempo como Los Tajuarines o Los Chicanos.
Como Los Pao, grabaron diversos discos en México, D.F. y uno de sus principales éxitos, fue "La Boa", con el que hicieron que el grupo llegara a la listas de popularidad e hicieran grandes giras por México.
Sus miembros fueron: Carlos Reyes, Pepe Cervantes, Beto Calderillo y Armando Figueroa. En 1962 graban un raro EP con cuatro temas rocanroleros, que los hace una joya entre los coleccionistas.
Se presentan con éxito en diversos programas de TV en México (Con Pedro Vargas o con Viruta y Capulina) y en diversos centros nocturnos como "El Quid", antes de que Armando Figueroa migrara a los Estados Unidos, ya con su nuevo grupo, el "Trio Los Tajuarines" donde grabaron 5 LP's en Crown Records in Hollywood: "A Night In Mexico" "Saludos Amigos" "Variedad Tempos Musicales" "A Touch Of Mexico" y "Old Mexico", siendo los miembros Luis Rodriguez, Armando Figueroa y Rafael Rosales Algunos años después, Armando funda "Los Chicanos" y se dedica, durante años, a tocar boleros y otro tipo de ritmos como Merengue, Cha Cha Cha, Folk, Música Ranchera, entre otros ritmos, quedandose a vivir en los Estados Unidos, hasta hoy día.
Andrés Rábago Pérez, mejor conocido como Andy Russell, fue un gran crooner estadounidense que cantó en español en os años 50-60 que hizo gran carrera en México y con mucho éxito, mismo que se trasladó a Latinoamérica y España, y versátil que grabó tanto en inglés como en español y con un gran estilo y capacidad, tanto como Frank Sinatra o Tony Bennett (tanto que sustituyó a Frank Sinatra en el programa de radio 'Your hit parade' a fines de los 40).
Nacido en Los Angeles en 1911 (y fallecido en 1992) hijo de padres mexicanos que creó una gran escuela llegando a triunfar en Hollywood y fue un maestro para varios solistas mexicanos (y españoles) de aquellos años.
Hacia principio de los años 60 destacaban sus temas en la radio, éxitos muy recordados como Bésame mucho, Oye (que también fue éxito para Enrique Guzmán), Soy un extraño, La borrachita, El amor es algo maravilloso, 3 monedas en la fuente, Sólamente una vez, Amor amor amor, entre otros.
El amor es una cosa esplendorosa
Fue igualmente el primer cantante latino que triunfó en los Estados Unidos y también hizo algunas películas en México en los 50 con grandes artistas mexicanas como Evangelina Elizondo o Maria Antonieta Pons, entre otros, y uno de sus temas, llegó también a ser éxito entre los niños de los 50 con el tema "El mago de los sueños" y en los 60, cantar al lado de artistas como Emily Cranz y en México, se rodeó de las mejores orquestas, como la de Jesús Zarzoza o la de Pablo Beltrán Ruíz, entre otras.Después de varios años, migra a Argentina donde tambien hace gran carrera y regresa hacia 1967 a las listas de popularidad en México. No fue un rocanrolero como tal, pero dejó su huella en la historia de la música mexicana.
Como se ha mencionado en diversas entradas, hubo grupos que eran de jazz o de otros géneros musicales, que incursionan en el rocanrol, por ser el sonido de moda.
Esto fue lo que pasó en el caso de este grupo de jazz comandado por Roberto Ratti, que aprovechando que todo era apropiado para crearse un rocanrol y melodías en general, este grupo decide hacer lo mismo y crea unos buenos discos en los que destacan el lucimiento de sus integrantes al ejecutar sus instrumentos musicales.
Grupo vocal formado por Nacho Méndez en 1966. Nacho se inicia cantando en un trío a fines de los años 50 y tras mucho estudio de ritmos y de trabajos de diseño, llega a Brasil enamorado del nuevo ritmo, el "Bossa Nova" que le hace ir y empaparse de dicho ritmo, llegando a conocer a Carlos Jobim, Joâo Gilberto, Vinicius de Morâes y otros mas....y regresa a México, componiendo jingles para comerciales de radio y TV.
En eso estaba cuando se anima y en 1965, con Juan José Gurrola y Pixie Hopkin estrena, en La Casa de la Paz, el espectáculo “Dos + Ocho en pop”, en el que Nacho y Pixie cantan acompañados de un grupo tropical combinado con un cuarteto clásico de cuerdas, con arreglos y dirección musical del propio Nacho.
Graba un único disco EP (que es toda una rareza) en el que se siente esa influencia del bossa nova, y le abre las puertas a diversos proyectos teatrales y vocales en México, durante el resto de la década (y muy vigente hasta hoy día).
Este no fue un grupo de "jóvenes rocanroleros", eran jóvenes, si, pero fue un ensayo para mezclar rock y otros ritmos con un grupo vocal. Idea que surge del gran músico mexicano Nacho Méndez.
Nacho presenta en 1966 “Dimensión 66” con Matilde y Los Profetas y empieza a crear bocetos para un nuevo proyecto. Luego, en 1967, logra que el proyecto que tenía en mente se materialice, llegando así el grupo “H3O”, bajo la dirección escénica de Alejandro Jodorowsky y la actuación de la bella y talentosa Nadia Milton, en la Casa de la Paz y el Teatro Antonio Caso.
Completaban el reparto Pepe Ávila en el contrabajo, Héctor Jaramillo (Héctor Morelli) en la flauta y brevemente Mickey Salas en la batería, quién fue sustituido poco después por Rafael Acosta. En ese espectáculo hizo su debut como bailarina la gran Ofelia Medina.
Nacho Méndez experimentó por primera vez en México una idea novedosa: la de combinar pistas con músicos y voces en vivo. Escribió los arreglos orquestales que ejecutó la Orquesta Sinfónica del Estado de México y esas grabaciones servían de pistas durante el espectáculo. El sonido era de Víctor Rapoport y David Baksht. Por su parte, Jodorowsky diseñó el vestuario, dirigió escena y produjo un par de cortos en 16 milímetros que formaban parte del show.
Eso fue todo lo que hizo este grupo, pero dejó su huella en la historia del Rock en México.
Grupo formado por Eduardo Vértiz tras salirse del grupo Los Desenfrenados. Tuvieron diversas presentaciones en la TV en el programa Operación Jaja con el Loco Valdéz y en cafés cantantes de la época, como en El Hoollaballoo alternando con grupos como Los Jets (de Nogales).
Comenta Eduardo Vértiz: "En la foto están, arriba a la izquierda: Angel Paoli (armonía), abajo está Armando (requinto), en el centro "El pato" (cantante), derecha arriba Carlos Ortiz y abajo, Eduardo Vértiz (bajo). Los 2 músicos que quedan, no recuerdo el nombre. Esta foto fue en el programa Operación Ja ja con Manuel 'Loco' Valdéz".
Pese a tener un buen conjunto, solo logran grabar un único sencillo en la disquera Imperial, tan desconocida, que le dió poca o casi nula difusión....llevando que se desintegraran rápidamente.
Dicho disco sencillo es toda una rareza y se componía de dos covers a temas Beatles: Me puedes comprar mi amor (Can't buy me love) y Hasta que llegaste ('Till there was you).
Agradezco a Arturo Lara las fotos del disco sencillo y los temas, así como a Eduardo Vértiz, la breve sinopsis y las fotos del grupo.
Me puedes comprar mi amor, cover
En la penúltima foto están Mario Carter (ex integrante de Los Mulatos) y Eduardo Vértiz, en el Guitar Center de Miami, Florida el año pasado. Mario es el de la derecha. Gracias tambien a Lalo Vértiz por ésta foto.
Este tambien fue el caso de Lupita Carrera (o Cabrera, como se publicó en sus LP's).
Hija de una famosa cantante de música ranchera mexicana, tuvo un éxito por el cual se le recuerda en la historia del rock mexicano: 'Mi Martín'.
Publica sólo dos LP's en el lapso de un año (entre 1966 y 1967) y, además de ser bonita, se le recuerda por su voz.
Estos LP's son ahora considerados de colección por la rareza de los mismos y destacan los temas 'Estas botas están hechas para andar', la citada 'Mi Martín', 'El regreso de Martín', Olvidemos el mañana o 'El ángel de la guarda'.
Tras la publicación de los mismos, y la falta de promoción, decide retirarse a la vida privada.
Estas botas son hechas para caminar
No fue una gran cantante, sino que era una vedette mas o menos famosa en México, que también hizo algunos discos y películas.
Nacida como María de la Luz Reyes Medel en Coahuila, desde pequeña se inicia junto a su hermana haciendo bailes, incluido en el flamenco.
Poco a poco empieza a destacar y da el brinco a precine en noviembre de 1963 como novel artista, modelando en programas de televisión con tan sólo 17 años lo que le abre tambien las puertas para que grabara algunos discos en Musart, teniendo enorme éxito con "Copetón" que era la respuesta femenina al tema de Los Hooligans "Despeinada".
La reconciliacion de la despeinada
Años después se inicia en el Teatro Iris como vedette (con cierta fama), además de haberse casado con un famoso boxeador mexicano de la época.
Tras algunos años mas haciendo películas, se retira del medio aunque también estuvo muy activa dentro de la ANDA (Asociación Nacional de Actores) en años recientes.
Agradezco a mi buen amigo Salvador Moreno por la portada del EP de Malú Reyes.
Este conjunto canadiense tuvo mucha fama en México a fines de los 50 y principio de los 60, grabando diversos temas y participaron con la música en la película de Adán y Eva de Benito Alazraki de 1956 (y en la escena donde Eva aparece bailando un rocanrol).
Grupo originario de Montreal formado en 1955, tienen suerte y en 1957 logran posicionarse entre los conjuntos de moda en dicho país, gracias a sus versiones en francés de Long tall Sally de Little Richard.
Su otro gran éxito, fue el tema "Rock 'n' Roll cha-cha-cha" y su primer LP llega a editarse en México, llamando la atención entre la juventud mexicana....y se aprovecha para que sus temas estuvieran en la película arriba mencionada.
Estando en México hacen que el tema "La Hiedra", fuese su tema mas conocido y por el que se les recuerda mas. Para ver su discografía, pueden hacerlo en la página web siguiente: [www.amourdurocknroll.fr]
Otro de esos grupos que dejaron grabados algún tema en la historia del rocanrol mexicano que, pese a tocar muy bien, no tuvieron la fortuna de ser reconocidos a nivel nacional.
Se inician en el norte del país como Los Fenders gracias al apoyo de Manuel Gazcón (si, el de Los Yaki) y pese a tener buen ritmo y muchas presentaciones locales, se deshacen.
Este grupo de los Fender se formó por Kay Robinso (Bajo), Lisandro Rodriguez (Armonía); Manuel Gazcon (Batería), José Luis Gazcón (director y requinto) y Jesus Martinez "El Ruso" (Cantante).
Tras deshacerse en grupo en 1962, José Luis Gazcón llega a Los Freneticos (de Monterrey N.L.) para tocar el Bajo en un night Club de la ciudad de Reynosa Tamaulipas donde duró tocando algunos meses con ellos separandose del grupo para incorporarse junto a su hermano Manuel Gazcón, al recién formado "Los Angeles Azules" (de Matamoros Tamaulipas). Lisandro Rodriguez toma el lugar de José Luis con Los Frenéticos y es cuando despega el grupo localmente acompañando a los extraordinarios cómicos German Valdez "Tin Tan" y Marcelo Chavez en Reynosa Tamaulipas.
De Izquierda a derecha en la foto, están David Garza (Armonia y quien despues participaria en el Festival de Avandaro con La Division del Norte de Wayo Roux), Lisandro Rodriguez (Bajo); Tin Tan, Marcelo, Ramiro Lara (Batería y quien también dejaría el grupo para regresarse a Monterrey a estudiar medicina entrando en su lugar José Humberto 'Pepe' Gutierrez) y Sergio Rodriguez Maldonado (talentoso cantante, ejecutante de guitarra electrica y Hawaiana y director del grupo).
Al ya no tener mas contratos para eventos o giras, y ante la falta de oportunidades, se deshace el grupo y los músicos de integran a otros de la zona fronteriza.
Nota: Gracias a mi amigo Lalo Martínez por la información y fotos de estos Frenéticos con TinTan y de Los Fender. Igualmente, los temas de "Los Frenéticos" que comparto en el blog no se si sean de este grupo en concreto porque, repito, hubo varios y ante la falta de mas información, queda el beneficio de la duda.
En 1964, toca ya profesionalmente con “Los Picapiedras” aprendiendo mucho del bajista Jorge Vega “El Pepsi”. Este grupo tocó en fiestas privadas y en”El Túnel”, del señor Nemesio Chavarría, pero no tuvo trascendencia y pronto desapareció del medio artístico.
Tiempo después, organizó con algunos amigos el grupo de “Los Jetson” que estuvo formado por:
Hablando de músicos adultos que aprovechan el ritmo del rocanrol para integrarlo a su repertorio (como Mario Patrón, Gloria Ríos, Chilo Morán, etc., etc.), este músico tampoco fue la excepción.
Les dejo la transcripción de su LP "Rocks con Guillermo Alvarez y su Cómoda Rebelde".- GZ
"Ahora sí, ni Guillermo Alvarez con su Cómoda de Alambres pudo escapar de la influencia del rock and roll.
Ju Ju Julia, Hasta la vista cocodrilo
Y vemos como este personaje de la música del charleston convierte a su Cómoda de Alambres en un terrible 'Rebelde' del rock.
Interpretando con toda la alegría de que es característica, todos los números mas sobresalientes de este exitante (sic) ritmo que la juventud ha puesto en boga."
Excelente cantante, se dice que fue el introductor del bossa-nova a México a finales de la década de los años cincuenta.
También fusionó la música afroantillana con el soul y, junto con los músicos mexicanos Carlos Santana y Javier Batiz, crearon el ritmo conocido como soul latino, música que los tres guitarristas internacionalizaron.
Grabó un sencillo hacia 1968 que es toda una rareza y cuya contraportada transcribo:
"En este disco resurge la calidad artística y el genio creador de Tito Bauche al interpretar 0'Ven', creación de él mismo y What I say del genial Ray charles, dos temas conjugados que se adaptan al singular estilo del intérprete, y que estamos seguros marcarán una nueva etapa en el mundo musical para deleite de todos ustedes.
En esta grabación tomaron parte Tomas çrodríguez (sax tenor y flaute), Román López (sax barítono), Adolfo Sahagún (primera trompeta), 'Frijolito' (segunda trompeta), Jesús Aguirre (Trombón), Genaro Alejandri (órgano), Victórico Bolet (Batería), Carlos Galindo (bajo) y Julio Vega (ritmos)".
Cabe señalar que después se dedicó a productor de programas en televisión, creando una amistad duradera con Héctor Suárez. Lamentablemente, por problemas de salud, fallece de manera trágica en 2007.
Por último, cabe señalar que no es lo único que dejó grabado, pero este sencillo, es el más clásico de sus grabaciones. Igualmente, te recomiendo un homenaje hecho a Tito Bauche por parte de Arturo Lara y la Enciclopedia del Rock Mexicano.
Este es uno de esos grupos que quedó marcado por la represión tras el '68 y por el "miedo" (??) de las autoridades. No hay mucha información sobre el grupo, pero agradezco a Federico Rubli por esta reseña del grupo y a Alberto Cruz por los temas que aquí comparto. Saludos: GZ
"Pop Music Team – Fue un grupo formado en 1967/68 por cuatro amigos del Sur de la ciudad: Jorge Berry, Alejandro Mehl, Francisco Boleu y Joaquin Carrillo. (Exceptuando a Jorge Berry, yo no sé que fue de estos cuates). Comenzaron como un grupo de rock ácido-sicodélico, y en 1969 la Orfeón les da la oportunidad de grabar un LP con material propio. Grabaron una rola (en inglés) llamada "Tlatelolco", con instrumentación en guitarra y órgano muy sicodélica y la voz de Berry.
El tema era obviamente en alusión al 2 de octubre, pero con una letra realmente inocua, pero no para la paranoia oficialista de la época. Antes de lanzar el LP "Tlatelolco" alcanzó a difunidirse brevemente en la radio pero la censura no tardó en llegar. El titulo del LP también iba ser censurado, pues lo llamaron "Society is a shit" (La sociedad es una mi$%&*). Con esto Orfeón se asustó y enlató el LP y nunca fue comercializado. Fue apenas en 2006 que Orfeón "encontró" los demos de este LP y lo sacó al mercado.
Con esto evidentemente este CD con la música inédita es una joya para la historia del rock mexicano, y aunque no se comercializó, da cuenta del valor creativo de los antecedentes de la llamada Onda Chicana.
¿Qué fue del PMT después de la censura de su LP? Se reorganizaron allá por 1970 y adicionaron metales para convertirse en banda pero desafortunadamente dejaron de crear composiciones originales (han de haber quedado bien escamados) y se dedicaron a puros covers y a tocar en las famosas fiestas de paga de esa época en frontones y grandes casas de San Angel, del Pedregal, la Romero de Terreros, la del Valle, etc. En la Lindavista no, porque ese era terreno de otra banda llamada Heavy Sound.
En esa época yo la rolé mucho con ellos de fiesta en fiesta. PMT interpetaba muy bien 'Them changes' de Buddy Miles, y todos los covers incluidos Bloos Sweat & Tears, Chicago, etc. lo hacían muy bien, Berry seguía cantando. Ese PMT ha de haber desaparecido por 1972, y ya la historia posterior de Berry la conocemos: se convirtió en conductor de Televisa, luego en cronista deportivo, se casó y divorció de Lolita Ayala y se fue a vivir a Miami, donde parece que reside actualmente. Saludos: FR".
Grupo del que casi no se cuenta con mucha información. Este grupo psicodélico surge en la Ciudad de México lidereado por el guitarrista Jorge Aguilera....y es considerado tambien uno de los grandes grupos 'underground' mexicanos con un sonido plenamente consolidado.
Graban únicamente un disco EP en 1971 con los temas "El amor está en el aire", "Buscando alrededor", "Tú debes saber" y "When".
Se dice que fueron invitados al festival de Avándaro pero por problemas con el auto que los iba a llevar, no llegaron....grabando entonces el disco EP arriba señalado.
Al poco tiempo regresan a los estudios y graban cuatro nuevos temas, mismos que quedaron enlatados hasta que discos Orfeón los lanzó en el año 2006 en un disco que vale la pena conseguir. Tras un breve tiempo, y tras la nula promoción, deciden separarse.
Anexo esta nota aclaratoria que me hicieron llegar: "Los Free Minds por Jorge Aguilera
Los Free Minds se formaron en León, Guanajuato en 1970 por Jorge Aguilera (Guitarra, voz), Toño Truebo (Bajo, poco tiempo después substituido por Jesús Perez "el Jali") y Ernesto Ontiveros (Batería), el grupo grabó 8 canciones con Orfeón en 1971, de las cuales 4 salieron en ese mismo año en un EP titulado "en Avándaro"
1-El Amor está en el Aire (Love is in the Air)
2-Buscando Alrededor (Seeking Around)
3-Tú debes Saber (You oughtta Know)
4-Arriba de una Nube (Up in a Cloud)
Grabaron otras 4 canciones "Campanas en el Camino", "Neurosis", "Dejame" y "Cambiate de Cabeza", las cuales junto a las del EP, iban a ser parte de un LP, pero debido al veto que se les dio a todas las bandas de la Onda Chicana después de los acontecimientos de 1968 y 1971, junto a lo de Avándaro obviamente, el grupo fue echado de Orfeón y se separó, actualmente Jorge Aguilera se dedica a su carrera independiente solista y puedes encontrar sus canciones en su página [www.jorgeaguileraroctor.com] , y los otros integrantes viven en Estados Unidos.
Notas: "El amor está en el Aire" fue exito regional en Guanajuato en 1971, y Jorge Aguilera está llevando a cabo una demanda hacia orfeón, para que le paguen sus canciones".
Agradezco esta información y fotos del grupo a Rubber Soul Magazine (o sea, al Guajolote Gonzales, AKA Humberto Modaca). Atte: GZ
Grupo del norte del país, de Nuevo Laredo, Tamps., que fueron uno de los primeros grupos de rock pesado de fines de los años 60, y que tuvieron un estilo muy psicodélico lleno de riffs de guitarras à lo Cream, Jimy Hendrix o los Blue Cheer.
El nombre viene por un homenaje, por así decirlo, a la ciudad de origen del mismo grupo ya que dicha ciudad, está situada en una zona muy árida y por estar rodeada del desierto en tiempos de aires, levantaba mucho 'idem'.
Este gran grupo solo grabó un disco sencillo en 1971 con los temas "Have you ever been there" y "Can't get enough".
Al poco tiempo emigran al sur de los Estados Unidos y en 1975 graban un nuevo disco con los temas "Till I had you"/"If you don't believe".
El grupo se formó por los hermanos Eric (guitarra), Ricardo (bajo) y Marco Polo Mancilla (Voz), así como con Roberto 'Beto' Martínez (batería).
Fuente: Julio César Vidal Bezares, CD Psychedelic Rock Mexican, Orfeón, 2006
Gran cantante nacido en Cuba que supo adaptarse a la moda del rocanrol y poner un estilo de crooner que le llenó de éxitos, tanto que se escuchó su voz en México, Latinoamérica, Estados Unidos y hasta España llegó a ser conocido.
Fue de los primeros en revolucionar la música en Cuba y al llegar la revolución cubana, fue de los exiliados llegados a Estados Unidos donde acabó de forjar una gran carrera que le llevó, como se dijo, a otros países.
No se cuantos discos llegó a grabar, solo conozco dos, pero la música que dejó dentro de la historia del rocanrol, es interesante de oir y de gran disfrute.
Por desgracia, al pasar los años, se aleja del medio y llega a perder dinero, por lo que acaba en la indigencia y fallece tras una larga enfermedad. Agradezco a Eddie Rebeldón por la foto que aparece al principio de esta entrada. Por último, agradezco a Obed González la foto de Luis Bravo cuando actuaba en Miami durante los años 70.
Agradezco a mi buen amigo Sergio León, por esta reseña de Leonorilda Ochoa. Saludos: GZ
Nace un 30 de octubre de 1939. Atraída desde pequeña por el mundo de la farándula, influenciada seguramente por su padre, quien se dedicaba a la música y formaba parte de la Orquesta de la Ciudad de México, Leonorilda abandonó los estudios al término del segundo año de contabilidad para iniciar su carrera profesional participando en los Programas de TV “Variedades de mediodía” y “Cómicos y Canciones”, aunque realmente las primeras imágenes de sus actuaciones que en un servidor quedaron grabadas, fueron las del programa “chucherías”, mismo que se trasmitía los domingos por la noche y era presentado por el siempre agradable conductor: Jorge Labardini.
La comedia ha sido el género al que dedicó la mayor parte de sus interpretaciones y a pesar de que sólo formó parte de los actores de reparto dentro de las diversas cintas de juventud, con el tiempo nos dimos cuenta que nos ha acompañado durante el transcurso de nuestra vida, así es como hoy podemos recordarla al lado de César Costa en “Romance sobre ruedas”, con Julissa en “El dengue del amor”, también con Los Hooligans en “Amor a ritmo de Go Go” y “Los años verdes”, con Alberto Vázquez en “La alegría de vivir” y “Caballos de acero”, en esta última compartiendo roles con Emily Cranz con la que actuó en dos ocasiones más: “Con licencia para matar” y “Muñecas peligrosas”, además de “Cazadores de espías” colaborando con Manolo Muñoz y Ricardo Carrión.
Finalmente, después de largos años de esfuerzo, en 1969 obtuvo su primer papel protagónico ante la pantalla chica, como la tierna, “Abnegada” y simpática “Pecas” al lado de “El Borras” Guillermo Rivas, su “media naranja” en la comedia “Los Beverly de Peralvillo”.
Pd: Si quieres saber mas sobre ella, visita su página web http://www.leororildaochoa.com.
Al igual que muchos músicos de los 50, no fueron rocanroleros por corazón, sencillamente, adaptaron el ritmo a su repertorio y de alguna manera, lo introdujeron en el ánimo y gusto juvenil, con el "visto bueno" de los padres porque lo interpretaban "Orquestas respetables" y no jóvenes rebeldes y estruendosos (jejeje), bueno, les dejo la reseña de este gran "hombre orquesta" mexicano. Saludos: GZ
Nació el 5 de Marzo de 1915 en Los Mochis, Sinaloa. Fueron sus padres Ladislao Rosas y Felipa Rodríguez. Radicó en Los Mochis, Sinaloa; en Nogales, Sonora; en Tijuana, Baja California; en Ensenada, B.C.; en Guadalajara, Jalisco. y en México, D.F. Estudió un año de Leyes y tres años en la Facultad de Química.
Hizo estudios musicales en la Escuela Libre de Música, con el Profesor José Vázquez. Su carrera artística la inició en la ciudad de México en 1953. Su primera obra musical fue "Ya no quiero sufrir", editada por la Editorial de Música Internacional.
La obra con la que tuvo mayores satisfacciones es "¿Quién será?" (en coautoría con Luis Demetrio) porque ha sido un Hit mundial, grabada por artistas internacionales. Esa pieza y el ritmo de su orquesta, le han valido un lugar dentro de la música latina.
Su música sirvió de fondo a varias películas entre las que destacan: México nunca duerme (1958) de Alejandro Galindo, Su Excelencia (1966) de Mario Moreno Cantinflas, Paso a la juventud (1957) con Tin-Tan y, Escuela de vagabundos (1954) con Pedro Infante y Miroslava.
La orquesta de Pablo Beltrán Ruiz grabó el sencillo instrumental Mexican rock and roll, (1956) considerado la primera pieza nacional que incorpora el incipiente ritmo que en pocos años llegaría a conocerse como La nueva música clásica, ya que es a partir de mediados de los cincuenta cuando la clase media mexicana va abandonando los ritmos latinos y se va fascinando con los ritmos sajones.
Su música no falta en los salones de baile y en toda recopilación no puede faltar “quien será la que me quiera a mi, quién será, quién será”.
Las orquestas la tocaban y sirvió de fuente de inspiración a varios creadores. Grupos de mambo, orquestas de danzón y de merengue, de cumbias y más tarde de salsa tomaron como modelo a este músico cuyos éxitos datan de 1953 y siguen sonando en diferentes idiomas y en diferentes películas como en 2006, este tema conocido en inglés como Sway sirvió de tema para la película X-Files, donde Dean Martín canta el conflicto amoroso de Rebecca Scully.
Las big bands de los años 40 influyeron notablemente en los directores mexicanos y en México hay notables ejemplos; en pleno siglo XXI las orquestas locales de los más lujosos hoteles y salones de baile siguen interpretando la música de Pablo Beltrán Ruíz. El Maestro Pablo Beltrán Ruiz falleció el 29 de julio de 2008.
No fue un rocanrolero ni era un jóven adolescente cuando la moda del rocanrol en México pero es uno de los mejores trompetistas de jazz que ha dado México. Les dejo esta reseña, mas que increíble. Saludos: GZ
El relato es de Pepe Morán, su hijo y también jazzista destacado, y del virtuoso Roberto Betuco Arballo, quienes recuerdan emocionados la visita que el músico norteamericano hizo a México en la década de los 80.
Marsalis, quien marcó la década de los ochenta con su espectacular irrupción sobre los escenarios jazzísticos del mundo, fue invitado por el gobierno mexicano a impartir algunos talleres de música, con énfasis en la ejecución de trompeta, su instrumento de dominio. Acudieron estudiantes y músicos en activo a los que el genial trompetista escuchó pacientemente, sin alterarse, impartiendo consejos para mejorar la técnica y explorar nuevos sonidos.
El entonces joven talento, quien incursionó en el jazz desde los 8 años de edad, llegó a México con un estupendo cartel, pues había colaborado con grandes leyendas del jazz como Sarah Vaughan, Dizzy Gillespie, Sweets Edison, Clark Ferry y Sonny Rollins. Al fondo del auditorio estaba el último asistente al taller, embarrado en la butaca, con la trompeta sobre las piernas, desganado, indiferente, que bajó al escenario cuando uno de los asistentes del músico invitado le preguntó si bajaría a mostrar sus habilidades.
Aquel hombre delgado, elegantemente vestido, influenciado por la moda “tintanesca”, bajó con calma desesperante, se posó en el escenario, se puso el instrumento en la boca y se aventó un fragmento de “Pianola”, composición de su inspiración que años más tarde le abrió las puertas de Europa y Oriente. Marsalis, quien después ganó 9 premios Grammy, se quedó clavado al piso, dejó de respirar y enajenado escuchó al legendario “Chilo” Morán. “¡..Se le cayeron los calzones…!
Marsalis, su amigo entrañable desde entonces, dijo: “así se toca el jazz, con fuego, con alma, sin alardes; no se necesita de virtuosismo, sino de corazón, así como lo toca el maestro Chilo..”
Las de nuestro querido Chilo Morán y Marsalis son historias semejantes con finales diferentes. Ambos fueron introducidos a la música desde niños por sus padres, también músicos destacados. Ambos fueron “envenenados” por el jazz y ambos buscaron en los sótanos del género formas de comunicar los sentimientos de la humanidad más allá de las palabras, rompiendo las fronteras limitadas del idioma
El contrastante final de ambos radica en la cultura desigual de nuestros pueblos. Marsalis fue reconocido por la prestigiosa revista “Time Magazine” entre las 25 personas más influyentes de EE.UU y en 1997, dos años antes de la muerte del sinaloense, fue el primer músico de jazz que ganó el Premio Pulitzer en la categoría musical con el disco “Blood on the Fields” (Sangre en los campos), una oratoria épica sobre la esclavitud.
Nuestro “Chilo”, con iguales o mayores méritos, solamente recibió un modesto homenaje en el teatro Ángela Peralta y se le recuerda y olvida, al alimón, como uno de los padres del jazz en México. Nació el 19 de noviembre de 1930 en el pueblo serrano de Concordia, Sinaloa. Hizo sus estudios primarios en Acaponeta, Nayarit, y a los doce años era ya primera trompeta en la orquesta de don Genaro Morán, su padre.
Al cumplir 18, emigró a la ciudad de México e ingresó a la Escuela Libre de Música, donde estudió solfeo con los maestros José Francisco Vázquez, Juan León Mariscal y Humberto Hernández.
Para sobrevivir en la entonces “región más transparente del aire” desempeñó varios oficios que apenas le daban para comer y pagarse los estudios. Después de muchos sufrimientos, integró su primera orquesta en 1951 y 4 años después, junto a Mario Patrón y otros excelentes músicos, grabó el primer disco de rock and roll en México, acompañando a la sensacional Gloria Ríos.
A partir de entonces, formó parte de las orquestas de Arturo Núñez, Ismael Díaz, Luis Alcaraz, Agustín Lara y Pérez Prado, con quien grabó su primera improvisación, la pieza “Pianola”, que le abrió las puertas de Europa y Asia. A su regreso de una gira con “El cara de foca”, inauguró el “Rigus”, donde se presentaban Víctor Ruiz Pazos, Mario Patrón y Tino Contreras, entre otros. Sin embargo, su faceta empresarial fracasó “pues el jazz en México no da para comer, mucho menos para sostener un proyecto de este tipo”, dijo. Luego abrió otro templo del jazz que también cerro “porque la musical y empresarial son actividades incompatibles”, reconoció.
Regresó a lo suyo como primera trompeta en la orquesta de Agustín Lara y solista en la de Chico O’Farrill, Henry Mancini, Paul Muriat, Sergio Méndez, Jerry Lewis y Frank Sinatra.
A fuerza de insistencia, y bajo la idea de que el jazz es un género tan respetable como la ópera o la música de Mozart o Beethoven, logró que el suntuoso y discriminador Palacio de Bellas Artes, abriera sus puertas en 1962 para que por primera vez en su historia se presentara un grupo formal de jazz, dirigido por el sinaloense.
Cinco años más tarde realizó una gira por Estados Unidos, incluyendo Las Vegas, San Francisco, Chicago y Nueva York. Le acompañaron Lenny Andrade, como voz solista; Mario Patrón, en el piano; Víctor Ruiz Pazos, en el bajo; Rodolfo “Popo” Sánchez, en el saxofón alto; Javier Zainos, en la batería; y el “Negro” José de Jesús Muñoz, en las percusiones. El éxito fue completo. En 1980 fue contratado por la orquesta de Paul Mauriat para presentarse en países asiáticos y participó en el festival “Los Internacionales del Jazz”, alternando con otras leyendas mundiales del género.
Un tanto desanimado ante la poca respuesta de la sociedad mexicana hacia el jazz, inició una etapa como arreglista de diversos cantantes de baladas, como José José y Emmanuel. Pero aunque le fue muy bien económicamente, su pasión pudo más y en 1991 regresó al jazz haciendo un dúo magnífico con el pianista Leonardo Corona, con quien grabó el disco “Mexican Favorites”, una serie de arreglos en tiempo de jazz a temas populares mexicanos como “Negra Consentida”, “La Panchita” o “Cuando vuelva a tu lado”.
Gracias a su intervención, la UNAM realizó ciclos sobre el tema y, bajo su patrocinio, se organizaron festivales en Ciudad Universitaria. También participó en la prolífica industria cinematográfica y en la incipiente televisión. Colaboró como músico y actor en cintas de Tin Tan, “El Santo, el enmascarado de plata” y en la película “La Fuga de Carrasco” en 1987, así como en la telenovela “Si Dios me quita la vida”, al lado de Daniela Romo. En 1983 fue nombrado hijo predilecto de Concordia y al año siguiente el Gobierno del Estado de Sinaloa, DIFOCUR y el Ayuntamiento de Mazatlán, le rindieron un merecido homenaje. Un año antes de morir, recibió la medalla “Mario Ruiz Armengol”, máxima presea que otorga el Sindicato Único de Trabajadores de la Música.
En entrevista con el diario La Jornada en 1986, reproducida por Alain Derbez en su libro “El Jazz en México”,hizo una breve reflexión sobre la pobre difusión que los medios masivos mexicanos hacen del jazz: “antes si me sentía mal, pero hoy acepto que en nuestro país la educación musical no es como los músicos quisiéramos. Además, la gente no tiene la culpa ni la obligación de saber música; simplemente escucha lo que le ponen en la radio. Este último punto me hace reflexionar sobre el intento de los medios para ser incluyentes con los materiales que nuestro país propone, no como obligación sino como la misión propia de un eslabón que da continuidad a un trabajo realizado con la más alta de las expectativas cualitativas y cuantitativas…”.
“Chilo” dejó grabado su legado musical, su trompeta abrió puertas infranqueables, vinculó a la UNAM con el jazz, acompañó a muchos interpretes, reinventó el catálogo clásico de la música mexicana y, por si todo esto fuera poco, dejó a Pepe, su hijo, como muestra viva de que el jazz es prolongación genética que no morirá.
A los 68 años de edad, el jueves 8 de abril de 1999, a las 3:15 de la mañana, víctima de la diabetes dejó de existir en la ciudad de México uno de los más dignos y talentosos padres del jazz en México. Como a muchos otros, pueblo y gobierno sinaloenses le adeudan el justo reconocimiento a su talento y legado (Semblanza incluida en el libro La Patria Íntima/Todos Somos Sinaloa de Mario Martini)
Fuente: [latalacha.com.mx]
Este grupo guapachoso de Campeche fundado por por Luis Antonio Ruiz Pinzón (tecladista) no fue un grupo rocanrolero, aunque se inician en el año de 1962 en pleno auge del rocanrol y el twist...su género musical interpretativo (óorale) fue de corte baladista y sobre todo, las cumbias, aunque su música cambia de estilo hacia 1964-65, cuando se graba este nuevo ritmo, "ska", que sería populiarizado por Toño Quirazco, y por ser un nuevo sonido que sería popularizado algún tiempo después por otros grupos, incluidos Los Yorsys.
El disco es de 1965 (el mismo año en que Toño Quirazco publicaba sus primeros temas de ska en Mexico, y unos meses antes que Los Socios del Ritmo) y si, tambien fueron de los primeros en grabar este nuevo ritmo, que nada tiene que ver con el ska actual, el de los años noventa, pero que fue ampliamente difundido por México y de aquí, a otros países de latinoamérica.
Por desgracia, y como casi siempre ocurrió con muchos otros grupos, el LP pasó sin pena ni gloria para esta agrupación que no mucho tiempo después lanzaría su primer exito "Vamos a platicar" una singular balada que rompía corazones en su momento y que marcaría parte del estilo musical del grupo. Como dato interesante, tienen una versión nada guapachosa al tema Funky Chicken de Rufus Thomas, y que también versionara el gran Lalo Duarte (a quien mando un saludo).
Aparte del LP, grabaron un sencillo con los temas Aceite en mi lámpara y Bailando en el safari. Agradezco a Manuel Martínez (+) los temas que aquí se presentan. Les dejo, igualmente, este texto: "Los Señores Antonio Ruiz Arias y la Sra. Irma Pinzón de Ruiz desde su puesto de tacos llamado y bautizado por los isleños cubanos “EL SOCIO” escuchaban a sus dos hijos divertirse con los sonidos que producían los diferentes “instrumentos” que encontraban a su alrededor en compañía de otros niños imitando la música que se escuchaba en la radio de aquélla época.
Fue hasta el 12 de noviembre de 1962 cuando el matrimonio Ruiz-Pinzón destina sus ahorros y bautiza en la Iglesia de San Francisco de Campeche, Campeche a su grupo musical “Los Socios del Ritmo”, nombre derivado de una novena de Béisbol que el Sr. Ruiz tenía llamada “Los Socios del Puente”. Empezó así la historia de la Leyenda Musical viviente."
Fuente de este último texto: [blogtabasco.blogspot.com]
Este grupo no era mexicano, sino chileno, y lo pongo aquí como curiosidad histórica. Saludos y agradezco a mi buen amigo Chava por algunos temas aquí presentados. Atte: GZ
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The Carr Twins (o Los Gemelos Carr) son un duo chileno formado por los hermanos Juan y Carlos Carrasco. Se inician siendo niños, a presentarse en los programas “La feria de los deseos” y “El club del Tío Alejandro”.
Gracias a este último se inician en la grabación de rondas infantiles y es hasta 1960 cuando graban “El pelele de Cathy” y “Aquí en mi corazón” en Discos Odeón, lo que les abre las puertas al estrellato en Chile y llegan a Argentina donde participan en diversos programas como miembros del “Club del Clan” junto a estrellas locales como Palito Ortega, Violeta Rivas o Leo Dan o de talla internacional como Charles Aznavour, Trino López o Rita Pavone, entre otros.
Se supieron mantener en el gusto de la afición chilena y fueron considerados figuras de “la nueva ola” de los sesenta, con temas como “Esta noche mi amor”, “Susana” o “Vida mía”.
Tras su aventura argentina, migran a los EUA y tuvieron varios años de triunfo en Las Vegas, viviendo ahora en Jersey siguiendo en el medio musical con una empresa propia.
Agradezco los datos de los integrantes y la breve reseña de Los Diplomáticos, al buen amigo Ladislao 'Lalo' Martínez....saludos: GZ
"Esta foto tomada en Noviembre de 1966 muestra la Banda de Rock organizada por Fernando Bustamante"La Changa" para tocar en la terraza Casino con el nombre de "Los Diplomaticos".
A la izquierda en la linea de abajo,aparece Alfonso Samano"El Seven"(Armonia) y a su lado dos saxofonistas de Xochimilco(amigos y companeros de Alfonso, en el Conservatorio Nacional de mexico). En la segunda linea, aparecen Andres Rocha (bateria) y Almaguer (pianista).
En la siguiente linea aparecen Fernando Bustamante"La Changa" (requinto) y a su lado Polo Terna (bajista). En la linea superior aparecen dos trompetistas de Xochimilco (tambien amigos y compañeros de Alfonso Sámano, en el Conservatorio Nacional de México). Dias despues Andres Rocha dejo el grupo y emigró a Estados Unidos.
Va la reseña del grupo: Con la inquietud propia de la juventud, Mario Martínez, junto con Norberto Duarte y Fernando Bustamante, organizaron un grupo y lo llamaron “Los Diplomáticos” el cual estuvo integrado por:
Estructurado el nuevo grupo y bien ensayado, se van a México D.F. donde trabajan en diversos Cafés cantantes, pero poco después, Beto Villarreal deja el grupo para ingresar al grupo de Javier Batiz por lo cual deciden traer otro Baterista de Matamoros. Quince días después, Arturo un muchacho que trabajaba con ellos, se fue a Matamoros a buscar un Baterista , invitando a muchos, pero nadie se quiso ir , el único que aceptó fue Andrés Rocha y llegó con el.
Además se presentaron en el programa de televisión “ Orfeón a Go Go”, alternando con Los Rockin Devil’s, Los Seventeens, Los Polivoces y el Loco Valdez. Al terminarse el trabajo en el Harlem, consiguieron trabajo en la Terraza Casino, la cual estaba en remodelación y tenían que esperar un mes para empezar a trabajar. La Terraza Casino era un lugar muy grande y lujoso tres en uno: En una pista había solo música de Rock´n’ Roll, en otra había mariachis y la última era un Restaurante con espacio de música en vivo. Aprovechando el tiempo de espera, Andrés Rocha y Mario Martínez fueron contratados por los Ovnis para tocar una semana con ellos en el programa de Vianey Valdez “Muévanse Todos” yendo los miembros del grupo a apoyarlos, excepto Héctor Martínez y Fernando Bustamante quienes se quedaron en México. Al término de esa semana los que fueron a Monterrey, se regresaron a Matamoros a esperar el trabajo de la Terraza Casino.
En Matamoros Los Diplomáticos, se reagrupan y entran Jesús” Chuy” López y Simon Fuentes. (cantante), empezaron a trabajar en el Matamoros café y en el restaurante de un Chef muy conocido que le decían “Garcita”. Días después Andrés Rocha fue a México a levantar su batería y entró en su lugar Daniel López” La Chiva”. Andrés Rocha, se quedó en México D.F. dos semanas a tocar con una banda de rock que había organizado Fernando Bustamante” La Changa” para tocar en la Terraza Casino y le había puesto el nombre de los Diplomáticos. En esa banda cantaba Fernando Bustamante y el Baby Moreno. A pesar de que el lugar estaba muy bonito y pagaban muy bien, comenta Rocha, la Banda no era la original; entonces decide dejar el trabajo y venderle la batería a Héctor Martínez "El Borrado" y ya no regresó a Matamoros, se fue directo a Houston donde vive hasta hoy. Mario Martínez y los integrantes que se quedaron en Matamoros, siguieron tocando, hasta que terminaron desintegrándose como los otros grupos que los antecedieron. Cabe decir que con sus alegrías y tristezas, triunfos y derrotas todos los músicos involucrados en este reportaje, dejaron su huella en el tiempo y el espacio, colectiva o individualmente como fieles amantes del Rock Mexicano. Investigación hecha en Julio 2011 por José Humberto Gutiérrez en San Antonio Texas con las entrevistas telefónicas hechas a: Andrés Rocha, Rene Izaguirre. Mario Martínez y Francisco Morales. Atte: Lalo Martínez"
Grupo que con un único LP y un disco sencillo, tuvieron lo suficiente para dejar su huella en la historia del rock mexicano de los 60.
Vigentes entre 1967 y 1969, graban diversos temas, entre ellos covers a los Beatles. Destaca su versión a "Lady Madonna" y "Hola, adios", así como "Noches de San Francisco" de Eric Burdon y los Animales, "Linda nena no te enojes" de Brenton Woods o "Incienso y menta" de Strawberry Alarm Clock.
Noches de San Francisco, cover
Linda nena no te enojes, cover
Aparte de este LP (y un sencillo y un EP con temas contenidos en el LP), graban un sencillo y por la falta de promoción, se desaparece el grupo, aunque siguen ensayando volviendose a unir en 1970 y empezar una nueva etapa, ya con el nombre de "Los Chicanos" (nada que ver con el grupo sesentaro de 'Pepe y sus Chicanos'), enfocados a una nueva faceta de baladas y temas románticos.
Este es uno de los grupos pequeños de los que no tenía nada de información. Agradezco a Lalo Martínez por tener fotos e información del mismo. Saludos: GZ
Se inician cuando un grupo de amigos se reunen y empiezan a tocar el ritmo de moda: El rocanrol. Originarios de Matamoros, Tamaulipas, se enriquecen oyendo muchos grupos de EUA a traves de la radio estadounidense, y tras muchas peripecias, se hacen de buenos amplificadores y guitarras Fender, y tras conseguir un local de ensayos y presentaciones, los Golden Boys estuvieron tocando por tres años consecutivos, hasta que la popularidad de ellos llego a oidos de un locutor y promotor loca, Juventino Lozano, quien conjuntamente con Pilo Puente (director de una Orquesta local) habían reabierto el famoso Matamoros Café el cual habia estado cerrado una larga temporada y se vuelven el grupo del mismo.
La contratación de los Golden Boys fue un éxito, pues muchos jóvenes del valle de Texas y la región de Tamaulipas visitaban cada domingo el lugar, llegando a tener tanta aceptación que no les faltó trabajo, alternando además en otros lugares como "El Túnel" y en "La tertulia" del "Matamoros Café" llegando a alternar ahí con grupos de la época como Los Tj's, Los Rebeldes del Rock, Los Silver Rockets, Los Rockin Devils, Los Apson, Los Seven Days o Los Rogers, asi como con grupos locales como Los Angeles Azules, Los Jetson, Los Wonders, Los Fender, Los Youngers o Servando Santillana, entre otros.
En 1965, sale René Izaguirre del grupo para irse con Los Yaki como asistente de José Luis Gazcón y entra en su lugar Lisandro Rodríguez. Salen de Matamoros y llegan a trabajar a Puerto Vallarta y prueban suerte en Jalisco y Nayarit. Llegando allá tuvieron trabajo y cuarto gratis para cinco personas como grupo habitual de un hotel, tocaron dos meses y cuando el trabajo se acabó tuvieron que irse a un motel...y a pasar penurias....hasta que llegan a Nayarit a tocar en unas fiestas locales....regresan a Matamoros y estando allá, la debilitada estructura del grupo, motivó la desintegración en 1965….pero eso sí, dejan su huella en el Rock mexicano, con la grabación de dos temas: "Me sentaré a llorar" y "Oh, floja".
Los otros miembros fueron Raul Ramirez (requinto), Fernando Dominguez (bajo), Pedro de la Cruz (cantante); Andres Rocha (bateria) y Rene Izaguirre (Armonia).
Este es uno de esos discos más que obscuros de la psicodelia/garage rocanrolero hecho en México en los sesenta. No hay mucho escrito de ellos o sobre ellos, pero eran como Bodo Molitor, roquero alemán que aprovechó su estancia de estudios en México para grabar un LP y hacer portadas para su disco y otros artistas (ver en este blog su entrada), así que con Flying Karpets ocurrió lo mismo.
Tengo entendido que eran un grupo de estadounidenses que se pasan a territorio mexicano y aquí graban este LP....tienen versiones interesantes, y si, parecerá que en algunas canciones están fuera de tono, pero no importa, este LP se convirtió en un objeto de culto por algunos coleccionistas y es un LP dificil de encontrar.
Rebuscando entre mis archivos, tengo la contraportada, cuyo texto es el que pongo a continuación: "Flotando al lado de The Flying Karpets (Las Alfombras Voladoras), llega hasta nosotros el sonido de una y sensacional música que nos mantiene el espiritu en el aire... su suave y dulce ritmo nos llega del cielo y nos habla de amor, quien la escucha, sonrie y se llena de felicidad.
Tony escribe las letras con la ayuda de los demás y pocos hay como él para dar al requinto esa alegría armónica...Frank acompaña con su guitarra mientras Chris interpreta su Thump Thump Thump con el bajo eléctrico. Peppe lleva el ritmo con sus tambores y Paul logra obtener un psicodélico y diferente sonido al piano, al órgano y a la celesta.... WOW!! Que viaje!!!!"
Doce temas grabados para la marca "Son-Art" y creo que el LP pasó sin pena ni gloria, pero oyendolo, es una joya. Si, faltaron algunas mejores técnicas de grabación pero tienen buen sonido. Fueron doce covers de diferentes géneros de música: Monkees (I wanna be free), Jefferson Airplane (White rabbit), Doors (20th Century Fox), Animals (San Francisco Nights), Byrds (My back pages), Brenton Woods (Gimme a little sign), The Buckinghams (Mercy, mercy, mercy)....en fin, muy bueno para los que buscan completar rarezas de grupos de "garage" y rock urbano. Saludos: GZ
No fueron rocanroleras natas, sino mas bien, actrices cinematográficas que aprovecharon al 100% su estancia en México para desarrollar su carrera con demasiado éxito....y rodearse de los mejores cantantes y grupos mexicanos de la época.
No hay mucho de ellas en la red, pero les dejo lo siguiente: Las gemelas Aurora y Pilar Bayona Sarriá fueron descubiertas por el productor Benito Perojo a comienzos de los años sesenta, y se convertirían rápidamente en unas de las principales estrellas de su firma, tras una breve experiencia en teatro y revista en Barcelona.
Desarrollaron una corta carrera (1963-70) en España, Italia y México, interviniendo en películas de carácter comercial en unos años de auge del «cine con niños prodigio». Pili y Mili explotaron en sus películas las posibilidades cómicas, basadas en la confusión de identidades resultante de su extraordinario parecido físico (que se sigue utilizando por Disney para explotar sus actores infantiles, jejeje).
En México, salieron en infinidad de películas tanto con Enrique Guzmán, como con Alberto Vázquez, y una de las que más fama les dió fue "La princesa Hippie" con Enrique Guzmán y escrita por Roberto Gómez Bolaños (quien también salió en la misma junto a Héctor Lechuga) y que, de alguna manera, promocionó un poco a México previo a las olimpiadas de 1968....además de grabar, creo, su único disco EP. En esta película, aparece Javier Bátiz como grupo de acompañamiento.
Incomprensiblemente, pese a ser "cantaoras y bailarinas" españolas, no tuvieron el éxito en España que hubiesen querido dentro de la "onda de niños prodigio" como fue el caso de Rocío Dúrcal o Ana Belén, y pese a participar en unas doce películas en las que bailaban y cantaban, no publicaron ningún disco en su país de origen. Como se ha puesto, en México se rodearon de grandes artistas, cantantes y grupos de moda, y de su etapa mexicana, solo se extrajo un EP de la película "Vestidas y alborotadas" de 1968 (tambien conocida la película en España como 'Dos gemelas estupendas') y este disco, creo que es el único que repara la injusticia hacia estas cantantes/actrices en su momento cumbre, destacando el tema "Un chico moderno" grabado en la CBS en México (lo que si ignoro, es qué grupo las acompaña).
Al agotarse está fórmula de éxito popular, provocó la disolución de la pareja, tras ella, Pilar ha seguido trabajando en las televisiones española y mexicana, y ha efectuado nuevas incursiones en el cine en pequeños papeles, al margen de su actividad continuada en el mundo del teatro. Mily se retiró completamente del medio.
Al igual que muchos otros grupos, este no fue un grupo de rocanrol ni "metalero" como otros grupos de Tijuana o fronterizos de la época....fueron mas "baladistas" y surgen a fines de los años 60 y siendo su mejor época, después de 1973, no llegando al extremo de "guapachosos" como Frankie y Los Matadores (sin menospreciar, que quede claro), pero crearon un estilo interesante, pese a haber grabado un único LP (por lo menos es el único del que tengo conocimiento) y tres EP's, que contenían algunos temas que venían en este disco de larga duración al que hago referencia y que es de los discos raros buscados en su género por coleccionistas.
Yo necesito que vuelvas, cover
Dándole gusto al gusto, su estilo tenía cierta influencia a grupos como Gary Lewis & The Playboys por el uso del órgano melódico en sus temas, que tuvieron entre covers y temas propios. Su principal éxito, o por lo menos por el que más se les recuerda, fue "Todo en tí" y "Yo necesito que vuelvas" (cover al tema 'We gotta get you a woman' de Todd Rundgren).
Les dejo la información que viene en la contraportada de su LP:
"Usted ya escuchó a LOS CREYENTES DE B.C. con su éxito 'Todo en tí'. Ahora tiene la oportunidad de calibrar con mayor número de elementos de juicio la calidad de este conjunto de música moderna, que en este, su primer disco de larga duración, ofrece diez seleccines, entre los cuales, claro está, cobre especial importancia el referido éxito de su disco sencillo.
Estamos seguros que pronto LOS CREYENTES se colocarán al lado de los conjuntos favoritos de música moderna; y para que usted conozca nuestras razones, lo invitamos a escuchar con atención estas interpretaciones del nuevo grupo".
Como complemento, este grupo era de Mexicali y estuvo integrado por Rafael Armenta, Manuel Molina, Miguel Romo y Pedro Flores (me falta el nombre de uno , y se llegaron a presentar en diversos salones de baile del Estado, principalmente en el Bolestik. Cabe señalar que Rafael Armenta fue profesor de música en colegios de Mexicali y en eventos que se presentaron ahí, llegó a presentarse con el grupo a fines de los años 70 y principio de los 80. Los temas aquí compartidos, son tomados del LP. Saludos: GZ
Discografía:
LP Todo en tí (ECO 25003)
EPP Vuelve ya (Peerless 15180)
EPP Nada (Peerless 1392)
EPP Sólo otra vez (Peerless 15068)
Esta vez voy a hablar de este grupo ARGENTINO. En México hubo unos Teen Agers también (los del LP Modesto el carita) pero no tengo mucha información de ellos. Los datos de este grupo argentino, vienen en el blog de mi buen amigo Eddy Rebeldón (se los recomiendo antes de que lo cierre). Los temas musicales que aquí aparecen, son del primer LP, que es el único que tengo. Saludos: GZ
BIOGRAFIA
Fuente: [cuadernosderock.blogspot.com]
Aún cuando fue mas famoso con otros géneros musicales, y no cantó rocanrol como Fats Domino o Jerry Lee Lewis, ni fue un virtuoso guitarrista como Link Wray, tuvo sus cinco minutos de gloria en el "campo" del rocanrol en México.
Agradezco la información a mi buen amigo Lalo Martínez, de cuyo blog puse la información aquí plasmada. Saludos: GZ
Francisco Javier Vega Durazo cuyo nombre artistico fué "Javier Vega" nació en el año de 1942 en un barrio de la colonia 5 de Mayo de Hermosillo Sonora, fué hermano de la actriz Isela Vega y un excelente cantante que incursionó en el género de la balada en los años sesenta.
Este grupo no se oyó en México, pero de aquí sale uno de los mejores cantantes españoles de rock que haya yo oído jamás, y buen baladista, y que mereció mas pero.....ahí viene ese "pero" que pasa en todos los países....le ocurrió como otro grande de la canción española, Nino Bravo.....y me estoy refiriendo a Bruno Lomas.
Yo conocí a este cantante en el 2002 gracias a José Luis Alvarez, de Cocodrilo Records y buen amigo mío....y la verdad, era muy bueno (cabe señalar que me refiero a su música). Se inicia con la suerte de los Beatles, arma su grupo y se va a Francia a triunfar, como cuando los Beatles salen a Hamburgo y se forman musicalmente en dicho puerto. Los Milos le dan tambien una buena oportunidad a Bruno pero empieza a triunfar gracias a sus Rockeros. Les dejo la reseña cortesía de mi buen amigo Eddie Rebeldón. Saludos: GZ
LOS MILOS: Grupo valenciano pionero del rock español y cuna de una de nuestras grandes leyendas musicales, el posteriormente rebautizado como BRUNO LOMAS.
Al igual que ocurría con Barcelona, en Valencia la via marítima servía como canal de entrada de las nuevas corrientes culturales y musicales, entre ellas el rocanrol proveniente de Italia, país más adelantado y fructífero en el género que España por aquel entonces.
El grupo original lo forman en 1959 cuatro jóvenes estudiantes de Derecho, EMILIO BALDOVI MENENDEZ (nacido en Játiva el 14 de Junio de 1940) como cantante, SALVADOR BLESA CABEDO (Valencia) guitarra solista y tercera voz, VICENTE CASTELLO IPIENS (Valencia) guitarra acústica y segunda voz y RAMON PELLEJERO (Játiva) también como cantante y segunda guitarra. Asi pues, en principio formaban un cuarteto aunque RAMON pronto fue excluido del grupo por algunas desavenencias con el resto, alcanzando unos años más tarde un gran éxito como cantautor con el nombre de RAIMON.
Con una precaria instrumentación, basada en dos guitarras acústicas y una eléctrica hecha de forma casera, el trio realza el elemento vocal como punto fuerte en sus ejecuciones. Para darse a conocer, y bajo el nombre de LOS MILOS, en 1960 se presentan al concurso 'En Pos De La Fama' de Radio Valencia y consiguen el primer puesto con su versión de "Tintarella Di Luna". De aquí les salen algunos contratos para actuar, haciéndose acompañar de bateria y contrabajo cuando el caché que reciben se lo permite.
Su nombre empieza a sonar bastante por el Levante y pronto llaman la atención en Cataluña, donde son contratados para actuar en la sala Emporium de Barcelona y realizando, incluso, una breve aparición televisiva. El Sr. Ortega, dueño del reciente sello DISCOPHON, buscando alternativas al ya consolidado DUO DINAMICO, se fija en ellos y decide contratarlos por su estilo innovador.
Su primer disco sale en Agosto de 1960, y bajo el epígrafe 'Rock And Roll en Español' incluía cuatro excelentes cortes de rock con gran énfasis en el apartado vocal, pero alejado del edulcorado doowop al estilo de los grupos italoamericanos. En Enero del año siguiente aparece su segundo EP.
Gran admirador del rock procedente de Estados Unidos, EMILIO se despacha a gusto con clásicos de Carl Perkins, Gene Vincent, Little Richard ó Buddy Holly como demostrará a los largo de su discografía, aunque sin dejar de lado las influencias italianas como su adaptación del exitoso "Pitágoras" de Celentano.
Con una espectacular puesta en escena, junto a ROCKY KAN son los primeros en vestir pantalones de cuero (al estilo del francés Vince Taylor) y, como cabía esperar, sus dinámicas actuaciones no pasan desapercibidas para numerosas seguidoras que bajo el nombre de 'milongas' ó 'milongueras' rivalizan con las 'pantalongueras', fieles seguidoras del recientemente aparecido dúo valenciano LOS PANTALONES AZULES. En Agosto de 1961 aparece su tercer disco en la misma línea que los dos anteriores y donde se incluye la que, para mí, es la mejor rendición en español del clásico de Carl Perkins 'Blue Suede Shoes'.
Zapatos azules de gamuza, cover
A raiz de la notoriedad adquirida , a finales de verano les surge la oportunidad de realizar una gira por la riviera italiana. A su regreso, publican en Octubre su cuarto disco con cuatro temas del nuevo ritmo de moda, el Madison, donde sorprende la pobre calidad de las grabaciones en comparación con sus anteriores trabajos y las escasas copias vendidas lo han convertido en un disco difícil de conseguir hoy dia.
A comienzos del año siguiente aceptan la oferta que reciben de la compañía EMI-Odeon para entrar en sus filas, mientras que SALVADOR decide dejar el grupo para terminar su carrera de Ingenieria y contraer matrimonio. Su puesto de guitarra solista lo ocupa PASCUAL OLIVAS (más tarde fundador de LOS HURACANES) y con este cambio en su formación realizan la primera sesión de grabación con EMI.
Al mismo tiempo, Johnny Stark (manager de Johnny Hallyday) los ve actuar en Valencia y les ofrece una gira por Francia, oferta que solamente acepta EMILIO. Decide marchar en compañía de un grupo valenciano llamado LOS DIAVOLOS, que cambian su nombre para la gira por el de LAS ESTRELLAS DE FUEGO. A su llegada a París, EMILIO se transformará en BRUNO LOMAS cuya historia merece un capítulo aparte.
Mientras tanto, en España se va a lanzar el quinto disco de LOS MILOS (grabado con EMILIO antes de su marcha), pero advierten que Discophon se había anticipado registrando el nombre del grupo así que, entre VICENTE y PASCUAL, deciden llamarse LOS TOP-SON y como tales aparece su nuevo disco a mediados de 1963 bajo el sello La Voz de Su Amo. Nace un nuevo grupo y con ellos un relato aparte. Es el fin de la historia de LOS MILOS.
DISCOGRAFIA
ESPAÑA, 1960
Discophon 17087
- Teddy Girl ("Teddy Girl")
(Beretta-Leoni)
- Be Bop A Lula ("Be Bop A Lula")
(Vincent-Davis)
- Baila El Rock Conmigo ("Dance With Me, Henry")
(Rogers-Otis)
- Ciao, Baby Ciao ("Ciao, Baby Ciao")
(Garson-Earl-Mogol-Calibi)
ESPAÑA, 1961
Discophon 17121
- Pitágoras ("Pitagora")
(Beretta-Soffici-Carreras)
- Estoy Chispa ("Rave On")
(West-Tilgman-Petty)
- Déjame Cantar ("At The Hop")
(Singer-Medora-White)
- Ya, Ya ("Ya Ya")
(Dick Hyman)
ESPAÑA, 1961
Discophon 17189
- Zapatos Azules de Gamuza ("Blue Suede Shoes")
(Carl Perkins)
- Lucila ("Lucille")
(Richard Penniman)
- Caravana ("Caravan")
(Mills-Ellington-Tizol)
- Baby Blue ("Baby Blue")
(Vincent-Jones)
ESPAÑA, 1962
Discophon 27122
- Madison Time ("Madison Time")
(Don Covay)
- Vueltas y Vueltas ("Tossin' And Turnin'")
(Adams)
- Tentación ("Temptation")
(Brown)
- Fugitiva ("Runaway")
(Del Shannon)
Pd: Fuente: [cuadernosderock.blogspot.com] (este blog está por cerrar, si pueden visitarlo, antes de que lo haga, lo recomiendo al 100%...
No fue un grupo tan rocanrolero como los Locos del Ritmo, Los Jets, Lucifer o Peace and Love, pero si fue un grupo interesante. En 1964, sale un disco sencillo con dos cantantes que empezaban en el mundo de la música en México: Anina y José Sosa....que no solo era buen cantante, sino tambien un buen bajista.
Resulta que poco a poco, José Sosa empieza a destacar y forma un grupo, Los PEG, que empiezan a tener algo de fama en los diversos centros nocturnos, hoteles y plazas donde se presentaban y que fue suficiente para que José Sosa empezara a destacar como cantante solista desde inicios de los años 70 y que tanta fama tuvo, con su nombre artísitico de "José José" y gracias, entre otros temas, a la canción "El triste " y "Gavilán o paloma".
Esta es una breve reseña de este grupo de donde sale a la fama. Los PEG nacen en 1967 y solo graban un disco EP con cuatro temas para una pequeña compañía disquera, la "RVV", del cual, extraigo el siguiente texto:
"México, cuna de grandes artistas, país musical por tradición ha visto nacer un nuevo y extraordinario trío (piano, bajo, batería) eminentemente melódico: Los PEG, Pepe, Enrique y Gilberto, son sus componentes.
Modulando extraordinariamente, Pepe el vocalista del grupo, nos hace soñar con las melodías en este disco interpretadas. Su juventud y empeño, aunados a su gran calidad, nos hace esperar grandes cosas de ellos. Que tengan suerte muchachos"
Igualmente, se publica en disco sencillo, el tema "Tristeza" y "Te deseo amor". Los otros temas, publicados en el EP antes mencionado, fueron "Vivo soñando" y "Si me enamoro".
Excelente grupo que toco mas jazz que rock, pero pese a dejar su huella en la historia del rock mexicano, su disco pasó casi inadvertido…y es una pena porque tenía buena ejecución de instrumentos y una Mayita Campos muy inspirada.....y el nombre no tiene nada que ver con un grupo de "dark metal" o cosas así, pero era una manera de "rebelión" artístico-musical (o sea, nada que ver con Marilyn Manson por ejemplo, jeje).
En el disco, aparecieron todos estos excelentes músicos, aparte de los integrantes del mismo:
Más los siguientes músicos:
Les dejo la información que viene en la contraportada del único LP publicado por el grupo:
"Rodolfo Popo Sánchez, Ramón Flores, Jorge Neri, Homero Patrón, Guillermo Espinosa y Miguel Peña, son músicos jóvenes de diversos origenes, costumbres, ideologías y gustos, que se unieron en un esfuerzo común para realizar este álbum, llevados por el afán de romper con todo lo establecido.
Cansados de ser obreros musicales decidieron auspiciar la grabación de un álbum en el que se incluyeran números por ellos escritos, con arreglos de ellos mismos y ejecutados por una selección de músicos de primerísima fila, elegidos por ellos.
Cada uno aportó una cantidad y entre todos contrataron una sala de grabaciones a su satisfacción y a los elementos de una gran orquesta, sin saber si su esfuerzo sería apreciado como para comercializarlo. Cada uno de ellos tenía en mente obtener una cinta grabada con todos los números, "para escucharla en casa y haberse dado el gusto".
Amigos entre si, los músicos mexicanos con aspiraciones forman una familia unida, muy unida por las mismas frustaciones, fracasos, impotencia de ser siempre utilizados y pocas veces reconocidos. Y al percatarse los demás ejecutantes del contenido, de la calidad de los números y los arreglos "echó el resto" y pronto, mucho antes de que se planeara lanzar a la venta este disco, y corría de boca en boca el prestigio de sus cualidades. Los primeros resultados fueron llevados hasta grabadoras de Estados Unidos y aunque merecían elogios, escaseaban las ofertas de adquirirlo para su distribución. Y por fin vino a RCA.
Ahora es un orgullo presentar a este grupo de esforzados dueños de la más alta calidad musical de México, en una producción fuera de todo programa. Es este álbum un brazalete de diamantes de alto kilataje, de perfecto pulimento, de absoluta pureza, que significa un paso gigantesco en la música mexicana, en la música escrita por mexicanos. Y estamos seguros que es el álbum de más calidad producido en el presente siglo que sólo será superada por ellos mismos en el siguiente que realicen.
Porque cada compás, cada nota, cada respiración, cada instante musical o de silencio fue cuidadosamente grabado con los más sofisticados adelantos técnicos. Y tiene también, el coraje, el empuje, el afán de arte y el corazón de los músicos mexicanos que participaron en su confección con la devoción de cruzados, que pusieron en él su decisión de vencer o morir".
Dejo los datos de los temas publicados en el LP en cuestión:
Lucifer
RCA Victor, 1974, LP
Purgatory (Rodolfo Popo Sánchez)
Love should be (Rodolfo Popo Sánchez)
Fair maiden (Homero Patrón/Jorge Neri)
Shapes of nothing (Ramón Flores/jorge Neri)
In search of love (Jorge Neri)
Lucifer (Ramón Flores)
Encounter with the devil (Rodolfo Popo Sánchez)
If I go on looking (Ramón Flores/Suzanne Neri)
Final place (Rodolfo Popo Sánchez/Jorge Neri)
Getting rid of your troubles (Miguel Peña/Jorge Neri)
There shall be time no longer (Homero Patrón)
Arreglos: Rodolfo Popo Sánchez, Homero Patrón, Ramón flores y Mario Patrón
Nacida en Santiago de Chile, Mayita vino a México en 1967, acompañada de su madre, con el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica de su país y se quedó. Más tarde, emigrarían su padre y su hermano Kiko. "Desde niña había hecho labor artística. Mis padres eran gente de teatro, vinieron antes del golpe de estado".
Con dos discos en su tierra natal, Mayita comenzó a trabajar en México en televisión con Manuel, El Loco, Valdez. Ya en México grabó Lentamente y Señor locutor en 1966.
También hizo dueto con su hermano Kiko Campos, cantando La taza de té y No te gusto además de grabar otro EP con covers de Dylan y de Joan Báez en 1969. También formó Sonido 5, un grupo vocal.
Anteriormente participó en la obra de teatro Hair, la cual fue prohibida en Acapulco, Guerrero, por órdenes del goberandor en turno, el cual llegó a clausurar el teatro con la fuerza pública. Se grabó el disco de la obra Hair en LP, con una versión dizque en vivo por Orfeón.
También salió en EP, donde destaca Mayita cantando Frank Mills, acompañada del grupo Los Shakes y Horacio Reni entre otros.
Hair, Orfeón, EP, 1968
Los Shakes, (Be-In) company, Hari krishna, cover
Los Shakes, (Reni, Yipi and company), Hair, cover
Los Shakes, Blackuarius and company, Aquarius, cover
Los Shakes, Mayita Campos, Frank Mills, cover
Un año más tarde, los Campos deciden separarse artísticamente y Mayita pasó a formar parte de Soul Force de Javier Bátiz, donde hizo coros.
Después ingresó a Los Esclavos, y con ellos se marchó a Nueva Orleans. "Ahí fue cuando pude definirme como una cantante de blues y jazz", afirma. En Estados Unidos pudo ver en vivo a músicos de la talla de B.B. King y Jimi Hendrix, quienes le dejaron una fuerte impresión.
Luego vino Avándaro, pero en realidad, con Los Yaki sólo estuvo una corta temporada y sin grabar disco alguno. Ingresó posteriromente a Semilla del amor, grupo de corte espiritual y medio ambiental.
Respecto a lo complicado que fue hacerse un lugar en el mundo del rock como mujer, ella opina: "Para todas nosotras fue difícil, fue picar piedra, cantar en otro idioma. El mercado era más bien en inglés que en español".
Llega a Avándaro al Festival, como se indicó, y se presenta con Los Yaki. Dos vertientes se unieron para la formación de este grupo: Los Yaki, que antes se llamaban Los Angeles Azules, integrado (entre otros) por Alfonso Ascencio (guitarra), Marcos Lizama (órgano), Manuel Gazcón (bajo), Miguel Ibarra (batería), Eduardo Toral (teclados). José Luis Gazcón (guitarra y vocales posteriormente) y Benny Ibarra (vocales), aunque era la etapa en la que Los Yaki estaban casi por desaparecer.
Arturo Lara publica lo siguiente: "Los Yaki aparecieron en séptimo lugar, un grupo formado en en la Ciudad de México en 1966, originalmente llamados Los Angeles Azules de Matamoros, Tamaulipas, integrado por dos miembros originales de los Yaki, tres ex integrantes del grupo La Experiencia, y su flamante cantante ex Los Shakes, Mayita Campos, su director musical fue Eduardo Lalo Toral, con una impresionante trayectoria musical, pionero del rock mexicano.
La responsable de la presencia de Los Yaki en la tarima de Avándaro fue Mayita Campos, consentida de la banda en esos momentos, que trabajo intensamente con varios grupos, entre ellos Bátiz, Los Shakes y Los Esclavos, después con Lucifer, en los Hoyos Fonkys y en el circuito universitario en los anteriores dos años".
Músicos en Avándaro:
Posteriormente grabó con Lucifer en el año de 1974, el cual fue grupo plagado de grandes músicos, pero desafortunadamente el disco no tuvo el éxito esperado.
Después se metió a estudiar 5 años en el Conservatorio de Música como cantante concertista y más adelante desapareció de la escena por 10 años. En 1993 participa con Javier Bátiz haciendo coros en el disco Si tú te acuerdas de mi, en discos Denver.
Casada con Luis Enrique Sánchez, pasó a ser parte de Ginebra Blues Band, y con ésta produjo Un mundo sin hambre, en 1998. "De 1990 a la fecha he estado organizado El encuentro de mujeres, y festivales de jazz, blues y rock", apunta. En 2001 grabó un nuevo disco, Concierto ecléctico de jazz y blues, que se capturó en vivo en La casa del Lago, como parte de un ciclo realizado en el Foro Rosario Castellanos.
Grupo formado en el D.F. y que fueron uno de esos pequeños grandes grupos que mereció mas.
Tenían buenos arreglos musicales y lástima que como muchos otros grupos, Discos Phillips y RCA no los promocionó como era debido.
El grupo estuvo formado por
Este grupo grabó dos discos sencillos, un EP y dos temas suyos, salieron en el disco recopilatorio "Primavera a gogó" (CAM-188), todos entre 1965 y 1966.
Después de algún tiempo en el D.F. tocando en diversos cafés cantantes, cabarets, hoteles, cociertos, tardeadas, bailes y fiestas, trabajaron en El Tiboli y realizan diversas giras con Los Tilos, Los Showys, Los Zombis y Los Dovel's.
Triunfan gracias a los buenos covers que hicieron de grupso de la 'Onda inglesa', ya que interpretaban temas de los Animals, Beatles, Rolling Stones o Gerry & The Pacemakers, así como del gran cantante estadounidense Wilson Pickett.
Llegan a Acapulco y duran varios meses tocando en diversos centros nocturnos del puerto (incluída la zona roja jejeje) junto a otros grupos como Los Teddy Gangs, Los Quinkers o Los Explosivos, quienes fueron relevados por Los Desenfrenados al tomar éstos su plaza en el cabaret "El Carioca" al terminar su contrato.
La casa del sol naciente, cover
Tras algunos años, regresan al D.F. y se disuelve el grupo. Actualmente, Eduardo Vértiz radica en Miami y agradezco su colaboración con los datos de esta breve reseña.
Igualmente agradezco a Arturo Lara por los nombres completos de los integrantes del grupo y a mi gran amigo Chava Moreno por las portadas de los discos del grupo. Espero conseguir mejor foto de Los Desenfrenados...esta foto me las mandó Eduardo Vértiz tomadas de su celular, espero pronto me la haga llegar en mejor calidad....
Hace no mucho, descubrí este grupo y agradezco a Ricardo Cárdenas, la información y fotos del mismo. Si gustan saber más, pueden visitar su página que viene hasta abajo de este texto. Saludos: GZ
Grupo de León, Guanajuato formado cuando un grupo de amigos y aficionados al rocanrol decide juntarse y formar un grupo iniciandose en 1968 en una fiesta familiar.
Hubo varios cambios en sus inicios, pero al final, la base del grupo fue la siguiente:
Tras varios meses de ensayos y prácticas, forman un amplio repertorio y a través del Sr. Francisco 'Paco' Moreno, llegan a Musart y son contratados.
Graban tres discos EP's (que posteriormente editaron en un LP) y su fama se extendió por el Bajío y zonas aledañas, así como en la Ciudad de México, donde llegan a tocar en diversos hoteles, restaurantes y centros nocturnos de la época, llegando a alternar con grandes cantantes de la época, como Robertha 'La voz del amor' o con Los Hermanos Castro (ver en este blog sus reseñas).
Duran varios años, incluídos los inicios de los años 70, pero su cantante, sale del grupo para lanzarse como solista ('Claudio' fue su nombre artístico)...y al final, deciden separarse para hacer sus vidas aunque tras muchos años de estar separados, se llegan a reunir esporádicamente y al igual de jóvenes, cuando pueden, ensayan dos días a la semana recordando los 60.
Este grupo, como muchos otros, fue mas conocido en su etapa de baladas y de "onda grupera", pero se inicia en la etapa del rock y twist, allá a principios de los años 60. Esta entrada es en honor a esa primera etapa.... Saludos: GZ
Los Moonlights destacan gracias a la voz de su cantante Ricardo Sánchez y de su fundador, Francisco Javier García, y al excelente grupo que supo mezclar rock, con metales y un sonido que los hizo únicos, tanto que al paso de los años, fue uno de los grupos mas cotizados en México y en el sur de los Estados Unidos y algunos países de Centro y Sudamérica.
Uno de sus principales guitarristas, fue Lupillo Barajas (si, el mismo que estuvo en diversos grupos de rock, entre ellos los Tijuana Five), quien perteneció a Moonlights en cuatro diferentes etapas a lo largo de la trayectoria de este grupo tan querido por los tijuanences y muchas partes de América, dos de estas ocasiones fue como suplente desgraciadamente para remplazar la perdida en accidentes de algunos de sus elementos.
La relación de Lupillo con Los Moonlights fue casi desde el inicio de éstos últimos ya que el grupo de Lupillo, Los Latinos, alternaron con ellos como "teloneros". Parte del éxito, también se debió a la guitarra de Librado Orduño y fue el quien con que el grupo creó ese sonido rock característico de los grupos fronterizos y que les dió mas repercusión y fama, tras la publicación de su primer LP allá por 1963.
Después de algún tiempo Librado Orduño (hoy en día ya fallecido) deja el grupo para practicar su carrera de Licenciado la cual estudio durante su estancia con los Moonlights. Tomando su lugar llega Mario Brown un buen guitarrista con un timbre de voz muy especial que vino a darles una renovación con nuevos brillos, además de que se refuerzan al agregar nuevos sonidos como teclados, trompetas, trombones y un baterista excepcional, Raúl Félix así como el mencionado Lupillo Barajas.
Siempre se mantuvieron en el gusto ya no solo juvenil, sino de todas las edades y después de 1965-66, empiezan a buscar nuevos ritmos y horizontes, acabando en la onda grupera que les encumbró y abrió las puertas a otras fronteras fuera de México y que les hizo ser el mejor grupo versátil de México, como se dijo, y en caminos lejanos al rock que les vió nacer.
Aun cuando siguen vigentes (ya ni sé en qué versión, jejeje), no tienen una página web oficial, salvo esta dedicada a Ricardo Sánchez que creo que es lo único que hay sobre este grupo. Saludos: [myspace.com]
Jan Latham-Koenig, nuevo director artístico de la OFUNAM / Fuente: www.musica.unam.mx
Este fin de semana, Jan Latham-Koenig, se presentará por primera vez al frente de la OFUNAM, desde que fue anunciado su nombramiento como director artístico del ensamble universitario.
En principio, el director británcio estará vinculado a la orquesta por un periodo de dos años. Además de su labor al frente de la OFUNAM, Jan Latham-Koenig ayudará a desarrollar nuevos talentos de la dirección orquestal con la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata y se encargará también del proyecto operístico de la Dirección General de Música de la UNAM.
El quinto programa de la Primera Temporada 2012 estará dedicado por entero a la música de Beethoven. El público podrá escuchar la Obertura del ballet Las criaturas de Prometeo, las Romanza no. 1 y no. 2 y el Concierto para violín del compositor nacido en Bonn. Las presentaciones contarán con la participación de la joven solista alemana de origen coreano Suyoen Kim.
Los conciertos tendrán lugar el sábado 18 de febrero, a las 20:00 horas, y el domingo 19, a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario.
Sala Nezahualcóyotl (Insurgentes Sur No. 3000)
Sábado 18 de febrero, 20:00 horas y domingo 19, 12:00 horas.
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM.
Acceso a niños mayores de 8 años
Mayores informes en el sitio de la Dirección de Música de la UNAM
Horacio Franco
En el marco de la Primera Temporada 2012 de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, el flautista y director mexicano Horacio Franco se presentará este fin de semana con el ensamble universitario.
El público podrá escuchar el Concerto grosso El festín de Alejandro de Händel, el Concierto para flauta de Vivaldi, el Concierto para flauta de Bach y la Sinfonía no. 8 de Beethoven. La Orquesta será dirigida por el coahuilense Ramon Shade.
Los conciertos tendrán lugar en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario, el sábado 28, a las 20:00 horas, y el domingo a las 12:00
Sala Nezahualcóyotl
Sábado 28, a las 20:00 horas, y domingo 29 a las 12:00. $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente a Estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM, jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM.
Acceso a niños mayores de 8 años.
Fernando Lozano / Fuente: www.musica.unam.
La Academia Medalla Mozart reconocerá este viernes 27 a Rubén Islas, Guillermo Helguera, Eva María Zuk y Ernesto de la Peña por sus sobrados méritos y trayectorias ampliamente reconocidas.
La ceremonia se llevará a cabo en la Sala Nezahualcóyotl a partir de las 20:30 horas. Como parte del programa, la Orquesta Nueva Filarmónica de México ofrecerá un concierto de gala en el que se interpretará la Gran Misa en Do menor de Wolfgang Amadeus Mozart. El ensamble será dirigido por Fernando Lozano (Medalla Mozart 1994) y contará con la participación del barítono Jesús Suaste (Medalla Mozart 1994), el tenor Leonardo Villeda (Medalla Mozart 1997), la mezzosoprano Gabriela Thierry, la soprano Ana Caridad Villeda y la Sociedad Coral Cantus Hominum. La entrada es libre.
La presea fue creada en 1991 a instancias del arquitecto Luis Ortiz Macedo, la Fundación Cultural Domecq, presidida por Antonio Ariza, y la Embajada de Austria para llenar un vacío en la escena de la música académica pues se carecía en el país de reconocimientos que premiaran la labor de sus integrantes. En el año 2000, la Funación Cultural Domecq desapareció por lo que la presea inició una nueva etapa con la creación de la Academia Medalla Mozart. De esta manera el premio fue reinstaurado a partir de 2006 gracias al entusiasmo del entonces embajador de Austria en México, Werner Druml, el Instituto Nacional de Bellas Artes y los miembros de la Academia.
Entre las principales personalidades que han recibido el reconocimiento pueden mencionarse a Plácido Domingo, Francisco Araiza, Ramón Vargas, Leonardo Villeda, Jesús Suaste, Luis Herrera de la Fuente, Eduardo Mata, Enrique Bátiz, Fernando Lozano, Blas Galindo, Enrique Diemecke, Carlos Prieto, Francisco Savín, Mario Lavista, Federico Ibarra, Manuel Enríquez, Jorge Federico Osorio, Irma González, Olivia Gorra, los Niños Cantores de Viena, el Cuarteto Latinoamericano, Adrián Justus, José Antonio Alcaraz, Alfredo Harp, Daniel Catán y Rafael Solana.
Mischa Maisky / Fuente: Festival de Música de Morelia
Con un extraordinario concierto ofrecido la noche del sábado por Mischa Maisky y la Orquesta de Cámara del Conservatorio de las Rosas, dirigida por Avi Ostrowsky, concluyeron las actividades del XXIII Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez.
Durante la primera parte del programa dedicada a Joseph Haydn, el público que asistió al Teatro Morelos tuvo la oportunidad de disfrutar de la Sinfonía en sol mayor HOB. I:92, “Oxford” y el Concierto para Violonchelo y Orquesta en do mayor HOB. VII B:1. La segunda mitad del concierto ofreció la Serenata para cuerdas en do mayor Op. 48 y las Variaciones sobre un tema Rococó Op. 33, ambas de Piotr Ilich Tchaikovsky. Mischa Maisky recibió una larga ovación que lo llevó a ofrecer dos encores: el Andante Cantabile de Tchaikovsky y el Preludio de la Suite para Violonchelo Solo No. 1 de Johann Sebastian Bach.
Maisky fue invitado a participar en el festival de última hora debido a la cancelación realizada por Jordi Savall ante la gravedad de la enfermedad de su esposa, la soprano Montserrat Figueras, fallecida la semana pasada. Pese al poco tiempo que tuvo para preparar el concierto, el director israelí Avi Ostrowsky supo sacar lo mejor de la Orquesta de Cámara del Conservatorio de las Rosas.
La noche fue emotiva no sólo en lo musical sino en las palabras y recuerdos dedicados a Miguel Bernal Macouzet fundador del festival y recientemente desaparecido. Carlos Felipe de Habsburgo, miembro del patronato del FMM, rindió un homenaje al hijo de Bernal Jiménez y destacó la solidez de su creación con las siguientes palabras: “Miguel no nos acompaña esta noche y yo nunca hubiera pensando que yo me iba a encontrar ante ustedes haciendo algunas de las palabras de la clausura de este magnífico Festival, pero aquí estoy porque el Festival sigue, porque el Festival es una institución. 23 años son muchos años para un festival de música de concierto, y el Festival de Música de Morelia va a continuar por muchos años más.”
De acuerdo a los datos de los organizadores, durante las dos semanas de actividades, el festival logró convocar a 50,000 personas y 8 millones de televidentes que tuvieron acceso a más de 50 conciertos.
Montserrat Figueras / Foto: David Ignaszewsky / Fuente: www.alia-vox.com
La soprano catalana Montserrat Figueras, referente en la interpretación de la música antigua, falleció la madrugada del miércoles en Bellatera, Barcelona, a los 69 años de edad. Pareja musical y sentimental de Jordi Savall, Figueras será recordada no sólo por su espléndida voz, sino por explorar y enriquecer con su esposo el repertorio de la música europea a través de la creación de los ensambles Hespèrion XXI, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations, así como mediante la fundación del sello disquero Alia Vox.
La soprano inició su formación musical con Jordi Albareda y a partir de la mitad de la década de los 60 se abocó a estudiar técnicas de canto antiguas. Continuó su preparacióncon con Kurt Widmer, Andrea von Rahm y Thomas Binkeley. En 1968 contrajo matrimonio con Jordi Savall con el que participó en la grabación de más de 60 discos. Esta faceta de su carrera fue reconocida con galardones como el Grand Prix de l’Academie du Disque Français, Edison Klasik, el Grand Prix de l’Académie Charles Cross y un Grammy por el libro-CD Dinastía Borgia. De igual forma fue distinguida con La Orden de las Artes y las Letras que otorga el gobierno francés.
Jordi Savall se presentaría este fin de semana en el Festival de Música de Morelia pero se vio obligado a cancelar su viaje ante el delicado estado de salud de su esposa. En el mensaje enviado al público mexicano para comunicar su decisión, Savall dijo: ” Sentimos muchísimo no poder estar con ustedes en estos conciertos en México, a causa de la grave enfermedad que está sufriendo mi esposa Montserrat Figueras. Espero que comprendan que en estos momentos tan dramáticos, el amor y la vida de un ser tan querido son más importantes que todas las músicas del mundo.”
Mischa Maisky / Foto: Mat Hennek / Fuente: www.deutschegrammophon.com
El prestigioso violonchelista israelí de origen letón Mischa Maiksy será el encargado de ofrecer el concierto de clausura de la edición número 23 del Festival de Música de Morelia. De esta manera, en cuestión de horas, los organizadores del evento lograron encontrar solución a la cancelación de la presentación de Jordi Savall que decidió permanecer al lado de su esposa, la soprano Montserrat Figueras, debido a que se encuentra delicada de salud.
El anuncio fue hecho en conferencia de prensa el día de hoy por Verónica Bernal Vargas, directora del FMM, quien a pregunta expresa de Clásica México comentó que la rapidez con las que se logró confirmar la participación del destacado violonchelista tuvo mucho que ver con el prestigio que el Festival de Morelia ha ganado con los años. Sin el cartel que el evento anual posee actualmente, difícilmente se hubiera podido conseguir que un músico de talla internacional aceptara la invitación realizada con tanta premura.
Mischa Maisky será acompañado de la Orquesta de Cámara del Conservatorio de las Rosas, dirigida por Avi Ostrowsky, que contará con algunas adiciones de músicos profesionales miembros de otros importantes ensambles del país. El programa estará integrado por la Sinfonía en sol mayor HOB. I:92, Oxford y el Concierto para violonchelo y orquesta en do mayor HOB. VIIB:1 de Joseph Haydn, la Serenata para cuerdas de do mayor Op. 48 y las Variaciones sobre un tema Rococó Op. 33, ambas de Piotr Ilich Tchaikovsky.
El Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez devolverá el dinero a aquellas personas que previamente habían comprados sus boletos para escuchar a Savall y que así lo deseen. Las entradas ya adquiridas serán válidas para el concierto de Mischa Maisky.
Fundada en 2006 por el violinista mexicano Humberto López, la Camerata Metropolitana es una agrupación integrada por destacados músicos egresados del Conservatorio Nacional y las Escuelas Superior y Nacional de Música. Desde sus inicios el ensamble se ha presentado en importantes escenarios como la Sala Manuel M. Ponce de Bellas Artes, el Instituto Francés de America Latina y el Centro Nacional de las Artes. Sus conciertos suelen contar con la participación de importantes personalidades invitadas como el bandoneonista César Olguín y el escritor Ignacio Ortíz Monasterio, editor de la revista Este País. También se caracterizan por dar cabida a otras expresiones artísticas como la fotografía, la pintura y la literatura .
Su fundador y director es originario de la Ciudad de México, lugar donde inició sus estudios musicales con dos importantes violinistas: Arón Bitrán, integrante del Cuarteto Latinoamericano, y Cuauhtémoc Rivera. Humberto López se licenció como concertista de violín en el Conservatorio Nacional de Música y continuó sus estudios en en la prestigiosa Manhattan School of Music con Patinka Kopec (maestra titular y asistente del violinista Pinchas Zukermann) y Lucie Robert. Durante éste tiempo participó en conciertos, clases magistrales, cursos de dirección orquestal y recitales, encabezados por figuras de la talla de Pierre Boulez, Pinchas Zukermann y Sir Colin Davis, por mencionar sólo algunas. Ha actuado en numerosas ocasiones como solista y concertino en diferentes orquestas del país y en Estados Unidos con la New Amsterdam Symphony Orchestra, de la que fué concertino. Además de su trabajo con la joven agrupación, es violinista del Ensamble Contemporáneo Tempus Fugit y realiza diversas actividades de enseñanza y de gestión cultural.
El repertorio de la Camerata Metropolitana ensamble es amplio y abarca desde las grandes obras del barroco y el período clásico para orquesta de cuerdas hasta música de autores contemporáneos como Astor Piazzolla.
Recientemente la agrupación ha sido invitada para dar una gira de 14 conciertos-conferencia, auspiciados por una importante aerolínea, que tocará ciudades de Centro y Sudamérica y Estados Unidos. Antes de continuar con esta serie de presentaciones en el exterior, el ensamble hace una pausa en el Distrito Federal para que el público mexicano tenga la oportunidad de escuchar su trabajo en el concierto Viaje al barroco profundo que se llevará a cabo el jueves 24 de noviembre en Voilà Antara, al poniente de la Ciudad de México. La agrupación contará además con la participación de la violinista Rosaura Reyes y la soprano Karla Muñoz, así como del filósofo y conferencista Eduardo Garza, director de Proyecto Síntesis.El programa estará integrado por música de Bach, Vivaldi, Händel, Pachelbel, Alexis Aranda y Villa-Lobos. Los boletos están a la venta en Ticketmaster.
Viaje al barroco profundo
Camerata Metropolitana
Jueves 24 de noviembre, 20:30 horas
Boletos: $350.00 general y $450.00 VIP de venta en Ticketmaster.
Voilà Antara (Centro comercial Antara Polanco, Moliere y Ejército Nacional, tel.: 52 80 61 04)
Jordi Savall / Foto: Vico Chamia / Fuente: www.artesystem.com
En un hecho excepcional en su carrera, Jordi Savall decidió cancelar por motivos personales su visita al país en el marco del Festival de Música de Morelia. El anuncio fue hecho el día de ayer, en conferencia de prensa, por Sergio Vela, consejero artístico del evento, y por Verónica Bernal Vargas, directora general del FMM.
La noticia fue dada a conocer a las autoridades del festival a través de una carta enviada por el propio Savall. Desafortunadamente su esposa y compañera, la soprano Montserrat Figueras, se encuentra muy delicada de salud. El Festival dijo lamentar profundamente la cancelación de Savall pero también enteder sus razones. El músico catalán ofreció disculpas al público mexicano y en particular a los melómanos morelianos.
Jordi Savall y Figueras contrajeron matrimonio en 1968 y desde entonces han compartido no sólo las habitaciones sino los escenarios con proyectos como Hespèrion XXI, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations. Después de más de treinta y cinco años de carrera han sido muy pocas las coacciones en las que Savall se ha visto obligado a cancelar un concierto.
El festival se ha dado a la tarea de encontrar un artista de talla internacional para presentarse en el concierto de clausura, labor que se antoja complicada. En los próximos días se dará a conocer el encargado de sustituir a Jordi Savall. Las personas que adquirieron sus boletos podrán solicitar el reembolso de su dinero o, si así lo desean, conservar sus entradas para utilizarlas en el concierto de clausura. El catalán se presentaría también en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.
Eva María Zuk / Fuente: www.musica.unam.mx
En su programa no. 5 de la Tercera Temporada 2011, la Orquesta Filarmónica de la OFUNAM contará nuevamente con la participación de Jan Latham-Koenig como director huésped. Los aficionados a la música de la Ciudad de México podrán disfrutar de del Preludio al acto primero de Tristán e Isolda de Wagner, el Concierto para piano no. 1 de Beethoven, con la participación de Eva María Zuk como solista, y las Variaciones enigma de Elgar.
Estas serán las últimas presentaciones de Latham-Koenig como director huésped durante la temporada que marca el 75 aniversario del ensamble universitario. Los conciertos tendrán lugar el sábado 19 de noviembre a las 20:00 horas y el domingo 20 a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Sábado 19 de noviembre a las 20:00 horas y el domingo 20 a las 12:00
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) en las taquillas de la Sala
50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Estudiantes con credencial actualizada: $40.00 (Segundo piso, cupo limitado).
Informes: 5622 7113 y en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
La casa de subastas especializada en instrumentos musicales Tarisio anunció que un violín construido por el italiano Giovanni Battista Guadagnini en 1783 fue subastado el jueves 10 de noviembre en $1,080,000.00 dólares. El violín, que pertenecía a Lorin Maazel, fue tocado por primera vez por el músico franco-estadounidense a la edad de 15 años y desde entonces se convirtió en una compañía cercana para él. Melómanos de diversas partes del mundo han tenido la oportunidad de escuchar el instrumento en conciertos y grabaciones durante la fructífera carrera de Maazel.
El violín fue adquirido por un comprador anónimo que ofreció la cifra más alta jamás pagada por un instrumento construido por el famoso laudero italiano. Los fondos obtenidos serán utilizados para apoyar las actividades del Festival de Castleton en Virginia, fundado por el propio Lorin Maazel y su esposa Dietlinde para apoyar la formación de jóvenes músicos.
Visita el sitio del Festival de Castleton
Orquesta Academia de Viena / Fuente: Festival de Música de Morelia
Con un concierto brindado por la Orquesta Academia de Viena en el Teatro Morelos de la capital michoacana, la noche del sábado dio inicio la edición número 23 del Festival de Música de Morelia. El ensamble fundado por el director y también organista Martin Haselböck ofreció un recorrido por algunas obras del repertorio sinfónico del periodo clásico y romántico temprano en Viena.
El programa estuvo integrado por la Sinfonía No. 103 en mi bemol mayor “Redoble de Tambor” de Franz Joseph Haydn, la Sinfonía No. 1 en re mayor, D. 82, obra de juventud de Franz Schubert, y la Sinfonía No. 39 en mi bemol mayor, K. 543 de Mozart, que corresponde al último periodo de su vida.
El público tuvo la oportunidad de escuchar la sonoridad particular de los instrumentos de época de la agrupación que se ha destacado por interpretar lo mejor del repertorio de la música vienesa previa al romanticismo. Creada en 1985, la agrupación ha tenido una participación destacada en importantes festivales como el de la Internationale Bachakademie Stuttgart, el Carinthischer Sommer, el Festival Händel de Halle y la Semana de Música Religiosa de Cuenca, España.
El acto inaugural estuvo presidido por la alcaldesa de Morelia, Rocío Pineda Gochi, el embajador de Austria en México, Alfred Langle, y Verónica Bernal Vargas, Directora General del Festival. Jaime Hernández Díaz, Secretario de Cultura del Estado de Michoacán, en representación del Gobernador Leonel Godoy Rangel, fue el encargado de declarar formalmente inauguradas las actividades del Festival que este año estará dedicado a recordar a Miguel Bernal Macouzet, su fundador y promotor incansable, que falleció en el mes de marzo.
En el marco del FMM La Orquesta Academia de Viena ofrecerá un concierto el día de hoy, a las 17:00 horas, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La próxima semana se presentará en Nueva York, en el marco del proyecto The Infernal Comedy en colaboración con John Malcovich.
El Festival de Música de Morelia se verificará hasta el 26 de noviembre y contará con la participación de músicos de la talla de Jordi Savall y Viktoria Mullova. Si desean conocer el programa completo visiten el sitio del Festival de Música de Morelia
Massimo Marcelli, flautista / Fuente: www.musica.unam.mx
Después de dos entrañables conciertos para celebrar los 75 años de la OFUNAM, con la participación del aclamado Ramón Vargas, Jan Latham-Koenig repite este fin de semana como director huésped del ensamble universitario.
Durante la primera parte del programa, el público podrá disfrutar la música del ballet Parade (obra compuesta por Erik Satie que conjuntó el talento de Pablo Picasso y Jean Coteau), así como del estreno en México del Concierto para flauta y cuerdas de Michael Nyman, en la interpretación de Massimo Mercelli. Cabe mencionar que el músico italiano fue precisamente el responsable de estreno mundial de la obra realizado en julio de 2010 en Sarsina, Italia.
El concierto cerrará con el Réquiem de Fauré con la participación de la soprano Anabel de la Mora, el barítono José Adán Pérez, el organista Edward Batting y los coros de Cámara de la Escuela Nacional de Música y de Jóvenes de la misma institución dirigidos, respectivamente, por Samuel Pascoe y Martha Patricia Morales.
Como es habitual, la OFUNAM se presentará en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario el sábado a las 20:00 horas y el domingo a mediodía.
Sala Nezahualcóyotl
Sábado 12 de noviembre, 20:00 horas y domingo 13, 12:00.
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM.
Mayores informes en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Teatro Bolshoi / Fuente: www.bolshoi.ru
Después de 6 años de trabajo y una inversión de 500 millones de euros, esta noche reabrió sus puertas el histórico Teatro Bolshói. El programa de la gala inaugural incluyó fragmentos de 7 óperas y ballets rusos que permitieron hacer un recorrido musical por la historia del recinto.
El concierto contó con la participación de diversas estrellas del arte lírico como Natalie Dessay, Angela Gheorghiu , Violeta Urmana, Plácido Domingo y Dmitri Jvorostovski, así como de la bailarina Svetlana Zajárova
Las obras estuvieron incluso en riesgo dado el estado de los cimientos del edificio que tuvieron que ser reconstruídos. La intención del nuevo proyecto fue recuperar el aspecto que tenía el teatro en 1856. Para tal fin se recuperaron las águilas y los emblemas zaristas. También se ha respetado el palco de Joseph Stalin.
El evento estuvo reservado prácticamente para las cúpulas empresariales y políticas de Rusia, así como para invitados de otros países. Los verdaderos melómanos tendrán que esperar la próxima puesta en escena de Ruslán y Liudmila de Mijaíl Glinka que se llevará a cabo en el mes de noviembre.
A fin de potenciar las posibilidades del recinto, se ha construido una sala de ensayos bajo la plaza frente al teatro. La Sala Beethoven tiene una capacidad para 330 personas. En la remodelación además de obreros calificados, también participaron diversos artesanos que trabajaron en ciertos acabados. De manera especial se cuidó la acústica del espacio gracias al trabajo de especialistas alemanes. Para brindar mayor comodidad a los asistentes, el número de butacas de la sala principal se redujo de 2100 a 1740.
Eugenio Toussaint (1954-2011)
A unos meses del fallecimiento del compositor mexicano Eugenio Toussaint (1954-2011), la Orquesta Filarmónica de la UNAM, bajo la batuta de Juan Carlos Lomónaco, interpretará este fin de semana el estreno mundial de Adagio religioso, obra escrita por Mario Lavista a la memoria del entrañable hombre de jazz.
La pieza de Lavista se incribe en una serie obras compuestas para a recordar a personas ya finadas y que fueron cercanas al músico miembro de El Colegio Nacional, entre las que pueden mencionarse: Lamento (1981), escrito a la memoria de Raúl Lavista; Responsorio in memoriam Rodolfo Halffter (1988); Lacrymosa para orquesta (1992), a la muerte de Gerhart Muench; Elegía a la muerte de Nacho (2003) para flauta y piano, dedicada a la memoria de Luis Ignacio Helguera y Salmo (2009) para soprano, cuatro crótalos y contrabajo, escrito para recordar a Ramón Montes de Oca.
Sobre el Adagio religioso, Lavista recientemente comentó: “Esta obra es una especie de ofrenda que yo le regalo a Eugenio, con el lenguaje que nos unía, que es la música. […] He hecho esta ofrenda musical no sólo porque Eugenio fue mi amigo, sino porque le tuve una inmensa admiración como músico.”
Como parte del programa no. 3 de la Tercera Temporada 2011, el ensamble universitario también ejecutará el Concierto para violín de Bloch, con Sebastian Kwapisz como solista, y la Sinfonía no. 3 de Camille Saint-Saëns.Los conciertos se llevarán a cabo el sábado 29 de octubre, a las 20:00 horas, y el domingo 30 al mediodía en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario.
OFUNAM
Juan Carlos Lomónaco, director huésped
Sábado 29 de octubre a las 20:00 horas y domingo 30 a las 12:00 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) en las taquillas de la Sala.
50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Estudiantes con credencial actualizada: $40.00 (Segundo piso, cupo limitado).
Informes: 5622 7113 y www.musica.unam.mx
En el marco de su gira por Norte y Sudamérica, la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo ofrecerá un único concierto en la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México antes de presentarse en el Festival Internacional Cervantino.
Fundado en 1967, el ensamble fue creado por el Estado Soviético con el nombre de Orquesta de la Música Antigua y Moderna para abordar un repertorio diverso. Desde entonces se ha destacado por difundir la tradición musical de su país. El ensamble está integrado exclusivamente por egresados de los conservatorios que se distinguen por preservar el espíritu musical de Rusia. Entre las reconocidas personalidades con los que la Sinfónica ha colaborado se encuentran Yuri Temirkanov, Maris Jansons y Sviatoslav Richter.
A decir de su director huésped principal, Vladimir Lande, “Las orquestas rusas tienen un sonido muy diferente al de las agrupaciones alemanas o estadounidenses. Esta diferencia comienza con el sonido de las cuerdas, producido por músicos formados para ser solistas lo que genera un sonido de gran calidad.”
El público del Distrito Federal podrá disfrutar de un programa conformado por la Obertura de Rusland y Ludmila de Glinka, el Concierto para piano no. 2 de Prokofiev, interpretado por Maxim Mogilevsky, y la Sinfonía no. 5 de Tchaikovsky.
El concierto forma parte del Ciclo de Conciertos Internacionales que la Dirección General de Música ofrece permanentemente y en cuyo marco también se presentará el Philharmonia Quartett Berlin, el jueves 20 de octubre, a las 20:30 horas, en la Sala Nezahualcótl.
Concierto Internacional
Orquesta Sinfónica de San Petersburgo (Rusia)
Sala Nezahualcóyotl
Miércoles 19 de octubre, 20:30 horas
Boletos: $400.00, $300.00 y $200.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM
Informes en el Sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Daniel Barenboim / Fuente: /www.warnerclassicsandjazz.com
Después de permanecer acéfala durante más de 6 años, el Teatro de La Scala de Milán anunció que la dirección musical de su orquesta será ocupada por el músico argentino-isarelí Daniel Barenboim. Desde que Riccardo Muti abandonó el puesto en 2005, el músico argentino-israelí ha trabajado asiduamente con el histórico ensamble italiano, por lo que para nadie resulta sorpredente su designación.
Como muchos probablemente recordaran, Muti tuvo que dejar la orquesta debido a los múltiples roces con los músicos y empleados del Teatro, algo que seguramente no será problema para Barenboim que en Milán se siente como en casa.
Este fue el segundo periodo más largo sin un director musical para la institución musical, después de que Carlo Maria Giulini dejara el ensamble en 1956. En aquella ocasión la designación demoró hasta 1965 cuando asumió el puesto Gianandrea Gavazzeni.
Para Stéphane Lissner, director general y artístico de la institución, esta nueva etapa permite concretar “una estrecha relación con uno de los más grandes directores de orquesta de nuestro tiempo, que en los últimos cinco años de colaboración ha dado un fuerte impulso a la actividad del Teatro.”
Barenboim debutó en el mundo del arte lírico en 1973 cuando dirigió Don Giovanni de Mozart en una puesta en escena para el Festival de Edimburgo. Desde entonces la ópera se convirtió en una de las facetas favoritas de su trabajo. Ha estado al frente de la Opera-Bastille de París y de la Ópera Estatal de Berlín.
El contrato estará vigente hasta 2016 en el que Barenboim tiene planeado abrir espacio para realizar algunos proyectos relacionados con su faceta como concertista de piano y su proyecto West-Eastern Divan, la orquesta integrada por jóvenes españoles, palestinos e israelís que cofundó con el desaparecido filósofo Edward Said
Visita el sitio de Daniel Barenboim
La Orquesta Filarmónica de la UNAM ofrecerá, este fin de semana, dos conciertos en el marco de su tradicional programa El niño y la música. Esta iniciativa tiene como propósito invitar a los pequeños a acercarse a la música de concierto. El ensamble universitario será dirigido por Samuel Pascoe y contará con la participación del narrador Leonardo Mortera.
En el programa, titulado La OFUNAM y el Circo, se interpretará El desfile del circo de Bamert, El vuelo del abejorro de Rimsky-Korsakov, La entrada de los gladiadores y El viejo oso gruñón de Fučik, Polca de circo, para un joven elefante de Stravinsky y Suite de Los comediantes de Kabalevsky.
Los conciertos, fuera de temporada y de abono, se llevarán a cabo el sábado 15 de octubre, a las 17:00 horas, y el domingo 16, a las 12:00 horas, en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
La Orquesta Filarmónica de la UNAM, dirigida por el conductor huésped Avi Ostrowsky, se presentará este 8 y 9 de octubre en la Sala Nezahualcóyotl en el inicio de la Tercera Temporada 2011 del ensamble universitario. En el concierto inaugural, el público podrá disfrutar de Un réquiem alemán de Johannes Brahms y Un sobreviviente de Varsovia de Arnold Schönberg. En el programa no. 1 también participará la soprano María Alejandres, el barítono Jesús Suaste, el narrador José María Álvarez y el Coro de la Escuela Nacional de Música.
Durante la Tercera Temporada 2011, la Orquesta Filarmónica de la UNAM, que este año está celebrando 75 años de su fundación, será dirigida por Samuel Pascoe, José Guadalupe Flores, Juan Carlos Lomónaco, Marco Parisotto, Jan Latham-Koenig y Jesús Medina.
Entre los solistas que se presentarán con la OFUNAM se encuentran el violinista Vadim Brodsky, el tenor mexicano Ramón Vargas (que encabezará la gala para celebrar los 75 años de la orquesta), el flautista Massimo Mercelli (que estrenará en México el Concierto para flauta de Michael Nyman), el clarinetista Manuel Hernández, el saxofonista Claude Delangle, el violista Mikhail Zemtsov y la pianista Eva María Zuk.
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Sábado 8 de octubre (20:00 horas) y domingo 9 (12:00 horas)
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) en las taquillas de la Sala
50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente.
Programación sujeta a cambios.
Informes: 5622 7113 y www.musica.unam.mx
Este viernes 23 de septiembre, a las 20:00 horas, se presentará en la Sala Nezahualcóyotl una de los ensambles con mayor tradición en la Ciudad de México. Se trata de la Orquesta Sinfónica de la Escuela Nacional de Música. Fundada en 1929 bajo el nombre de Orquesta Filarmónica de la Facultad de Música, en su primera etapa fue dirigida por José Rocabruna, quien era profesor de violín.
A partir de entonces, la OSENM ha tenido diversos nombres y ha sido dirigida por personalidades como Federico Ibarra, Ivo Valenti, Abel Eisenberg, Ariel Waller, Víctor Manuel Cortés, Gordon Campbell, Juan Carlos Lomónaco, Víctor Manuel Jiménez, Armando Zayas, Julio Vigueras, José Areán, Samuel Pascoe y Arturo Valenzuela.
Actualmente, el ensamble , que encabeza Sergio Cárdenas, tiene como vocación familiarizar a los alumnos de la escuela con el repertorio sinfónico y prepararlos para el trabajo profesional.
En esta ocasión la OSENM será dirigida por David Eduardo Rocha, conductor huésped, y contará con la participación de la soprano Cynthia Sánchez. El programa estará integrado por la Obertura Caballería ligera de Von Suppé, Una voce poco fa de Rossini, Obertura de Los maestros cantores de Nürnberg de Wagner, Caro Nome de Verdi, la Obertura Semiramis de Rossini, Regnava nel silenzio de Donizetti, Martern aller Arten de Mozart y la Obertura a Poeta y campesino de Von Suppé.
Clásica México obsequiará 5 pases dobles para los conciertos del jueves, sábado y domingo, cortesía de la Dirección de Música de la UNAM, a los primeros que escriban al correo electrónico de CM. No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
Viernes 23 de septiembre a las 20:00 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($200.00 y $130.00) a la venta en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Programa sujeto a cambios. Informes: 5622 7113 y www.musica.unam.mx
Ramón Vargas / Fuente: www.ramonvargas.com
Después de su triunfal participación en el concierto inaugural del Festival de música clásica de Český Krumlov, en la República Checa, el tenor Ramón Vargas regresa a la Ciudad de México para interpretar con la mezzosoprano rumana Ruxandra Donose el ciclo La canción de la tierra de Gustav Mahler. Los conciertos forman parte de la Temporada 2011 de la Orquesta Sinfónica de Minería y se llevarán a cabo el jueves 28 y sábado30 de julio, a las 20:00 horas, así como el domingo 31, al mediodía.
El ensamble, dirigido por Carlos Miguel Prieto, interpretará además Metamorfosis de Richard Strauss, obra compuesta para 23 cuerdas, considerada una de las más bellas del repertorio.
Vargas se presentó el pasado 15 de junio, acompañado de la Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión Checa dirigida por Ondrej Lenárd en una noche en la que interpretó arias de óperas francesas e italianas, que le valieron recibir la ovación de los dos mil melómanos que se dieron cita para escucharlo.
Clásica México obsequiará 5 pases dobles para los conciertos del jueves, sábado y domingo, cortesía de la Academia de Música del Palacio de Minería, a los primeros que escriban al correo electrónico de CM y compartan cuál es su versión favorita de La canción de la tierra de Mahler . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
Compuesta entre verano y verano de 1904 y 1905, a decir del musicólogo británico Deryck Cooke, la Séptima sinfonía de Gustav Mahler es la cenicienta del ciclo, la más impopular. Su estreno, realizado en Praga, demoró hasta 1908 y obtuvo una tibia recepción. Las primeras grabaciones no se realizaron antes de 1950 (un registro en vivo a cargo de Hermann Scherchen y la Filarmónica de Viena y otro de estudio a cargo del propio Scherchen de 1953). El mismo Bruno Walter, uno de los principales difusores de la obra del compositor austriaco, la interpretó sólo dos ocasiones durante su carrera.
Afortunadamente, esta percepción fue cambiando paulatínamente hasta que en la década de los 70 y 80 la obra se consolidó como parte del repertorio sinfónico. Actualmente son múltiples las grabaciones disponibles en el mercado.
Este fin de semana, se presenta una de las muy escazas oportunidades para escucharla en la Ciudad de México, por supuesto como parte del ciclo organizado por la Academia de Música del Palacio de Minería. La interpretación de la obra estará a cargo de la Orquesta Sinfónica de Minería dirigida por Carlos Miguel Prieto.
La obra se ejecutará en asociación con la Youth Orchestra of the Americas, ensamble integrado por jóvenes músicos que realiza este verano una residencia en la ciudad de Xalapa, Veracruz , y que tiene programada una gira por ciudades de 5 estados del país y el Distrito Federal.
Los conciertos se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl, el jueves 14 y sábado 16, a las 20:00 horas, así como el domingo 17 de julio al mediodía.
Clásica México obsequiará 5 pases dobles para los conciertos del sábado y domingo, cortesía de la Academia de Música del Palacio de Minería, a los primeros que escriban al correo electrónico de CM y compartan cuál es su versión favorita de la Séptima Sinfonía de Mahler . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
Visita el sitio de la Youth Orchestra of the Americas
En el segundo programa de la temporada 2011, toca el turno para dirigir a la Orquesta Sinfónica de Minería a José Areán su asociado principal. En esta ocasión el ensamble interpretará La fantasía sinfónica de La Mujer sin sombra de Richard Strauss, las Canciones por la muerte de los niños de Gustav Mahler, con la participación de la mezzosoprano Bárbara Dever, y la orquestación realizada por Shoenberg al Cuarteto en sol menor de Brahms.
Los conciertos se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur No. 3000) el jueves 7 y sábado 9 de junio, a las 20:00 horas, y el domingo 10, a las 12:00 horas. Como es tradicional, el crítico Juan Arturo Brennan ofrecerá una plática de apreciación musical el miércoles a las 19:00 horas en las instalaciones del Infonavit (Barranca del Muerto No.280, Col.Guadalupe Inn, Delegación, Álvaro Obregón en la Ciudad de México).
Clásica México obsequiará 5 pases dobles para los conciertos del sábado y domingo, cortesía de la Academia de Música del Palacio de Minería, a los primeros que escriban al correo electrónico de CM y compartan cuál es su versión favorita de Kindertotenlieder de Mahler . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
El próximo jueves 30 de junio dará inicio la tradicional temporada de la Orquesta Sinfónica de Minería que brinda a los melómanos de la Ciudad de México la oportunidad de disfrutar de la música orquestal durante el verano, cuando el resto de los ensambles tienen sus recesos.
En el año en que se cumple el primer centenario sin Gustav Mahler, la agrupación ofrecerá un total de 8 programas diferentes y un concierto de gala en los que el acento estará colocado en la interpretación de las sinfonías No. 6, 7, 8, y 9 del compositor austriaco, así como de la inconclusa 10, en la versión de Deryck Cooke. También se revisarán algunas de las orquestaciones que Mahler realizó a obras de otros compositores como La muerte y la doncella de Schubert o el Cuarteto Serioso de Beethoven.
El diseño del ciclo incluye la interpretación de obras de algunos de los contemporáneos de Mahler como Richard Strauss y de otros representantes de la Viena musical de distinas épocas como Johannes Brahms, Anton Webern y Arnold Shoenberg.
Entre lo solistas, el público podrá escuchar escuchar al aclamado pianista mexicano Jorge Federico Osorio y al reconocido tenor Ramón Vargas, además del violinista Philippe Quint. La dirección orquestal estará a cargo del titular del ensamble, Carlos Miguel Prieto, y de José Areán, asociado principal.
Los conciertos se verificarán los jueves (20:00 horas), sábados (20:00 horas) y domingos (12:00 horas) de cada semana, en la Sala Nezahualcóyotl del 30 de junio al 28 de agosto. Como ya es tradicional, Juan Arturo Brennan ofrecerá pláticas de apreciación musical los miércoles, a las horas 19:00 horas, en las instalaciones del INFONAVIT (Barranca del Muerto No.280, Col.Guadalupe Inn, Delegación, Álvaro Obregón en la Ciudad de México).
En el primer programa, el público escuchará la Passacaglia de Webern y la Sexta sinfonía de Mahler. Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto del domingo, cortesía de la Academia de Música del Palacio de Minería, para los primeros que escriban al correo electrónico de CM y compartan cuál es su versión favorita de la Sexta Sinfonía de Mahler . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
Escucha a Sergio Vela, Carlos Miguel Prieto y José Areán hablar de la Temporada 2011 de la Orquesta Sinfónica de Minería dedicada a Gustav Mahler.
Consulta el programa completo de la Temporada 2011 en el Sitio de la Orquesta Sinfónica de Minería
Congruente con su vocación altruista, la Orquesta Sinfónica de Minería ofrecerá este fin de semana un concierto a benefició de Proeducación, una Institución de Asistencia Privada que trabaja para procurar mejorar la calidad de la educación básica que reciben los niños en las escuelas primarias públicas a través del apoyo a alumnos, maestros, padres de familia y la comunidad escolar .
El concierto familiar se llevará a cabo el sábado 2 de julio a las 12:oo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000). Los asistentes podrán escuchar la Obertura Mexicana de Merle J. Isaac, el Carnaval de los animales de Saint Säens, El vuelo del abejorro de La leyenda del Zar Saltán de Nicolai Rimsky-Korsakov, la Entrada de los gladiadores de Fučík, Los pájaros de Respighi y el Galop del Orfeo en los infiernos (can can) de Offenbach
El donativo por persona es de $ 600 pesos para los boletos de primer piso, $400 para los de Orquesta Coro y $ 250 pesos para los de segundo piso y las aportaciones son deducibles de impuestos.
Para mayores informes Proeducación pone a su disposición los teléfonos: 55 75 16 42 y 96 57, así como su sitio web
La casa Tarisio, especializada en instrumentos musicales, anunció que el violín conocido como “Lady Blunt” ha roto todos los récords al ser subastado en £9,808,000 (cerca de 16 millones de dólares). El instrumento, construido en 1721, fue cedido por la Fundación Japón con la intención de apoyar a los damnificados por el terremoto y tsunami ocurridos el 11 de marzo de este año.
Entre sus múltiples dueños, el Stradivarius fue propiedad de Anne Blunt, nieta del poeta inglés Lord Byron, de ahí que sea conocido como “The Lady Blunt”. El instrumento se encuentra en un grado de conservación tal que parece en las mismas condiciones que cuando la famosa familia de lauderos terminó de construirlo.
En Cremona, Italia, entre la segunda mitad del siglo XVII y la primera del siglo XVIII, el laudero Antonio Stradivari y su familia produjeron violas, violines y violonchelos valorados por su excepcional sonido y de los cuales aún se conservan alrededor de 600 piezas que son altamente demandadas.
El récord anterior pertenecía a otro instrumento subastado por Tarisio en el mes de octubre del año pasado. Se trata del violín Stradivarius, conocido como “The Molitor”, construido en 1667 y que perteneció a Napoleón Bonaparte. El instrumento fue adquirido por la violinista Anne Akiko Meyers en 3 millones 600 mil dólares.
Yoav Talmi y su esposa Er'ella Talmi / Fuente: www.yoavtalmi.com
Con la presentación del director huésped Yoav Talmi, la Orquesta Filarmónica de la OFUNAM dará por concluida su Segunda Temporada 2011 con dos conciertos que se celebrarán el sábado 25, a las 20:00 horas, y el domingo 26, a las 12:00 horas, en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario. Durante 2011, el músico israelí está celebrando 12 años al frente de la Sinfónica de Quebec y 41 como director de orquesta.
El programa estará integrado por el estreno en México de Reflexiones de Dachau del propio Talmi, la Obertura trágica de Brahms y la Gran misa en do menor de Mozart. El público podrá escuchar el trabajo de las sopranos Hila Baggio y Alejandra García, el tenor Leonardo Villeda, el bajo Ricardo López y el Coro de Cámara de la Escuela Nacional de Música, bajo la dirección de Samuel Pascoe.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto del sábado, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM, para los primeros que escriban al correo electrónico de CM . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
OFUNAM Segunda Temporada
Programa 7
Sala Nezahualcóyotl
Sábado 25 de junio, 20:00 horas, y domingo 26, 12:00 horas.
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente, estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados ISSSTE, IMSS e INAPAM.
Acceso a niños mayores de 8 años de edad, excepto donde se indica. Se aceptan tarjetas de crédito y débito.
Informes en el sitio de la Dirección de Música de la UNAM
En el marco del Ciclo de Conciertos Internacionales de la Dirección General de Música de la UNAM, la agrupación británica Britten Sinfonia regresa a la Ciudad de México para ofrecer un concierto en el que interpretará música de Bach, Beethoven-Mahler y Vivaldi.
El ensamble de cámara es considerado uno de los más innovadores y dinámicos de Europa. En años recientes ha colaborado con compositores de la talla de Thomas Adès y James MacMillan. Entre los músicos invitados que han trabajado con la Britten Sinfonia se encuentran Christopher Hogwood, Pekka Kuusisto, Efterklang, Pierre-Laurent Aimard, Stephen Layton, Mark Padmore, Nico Muhly, Imogen Cooper y Polyphony.
El concierto tendrá lugar en la Sala Nezahualcóytl de la Ciudad Universitaria, el domingo19 de junio, a las 18:00 horas. El público escuchará el Concierto para violín BWV 1041 de Bach, Romance op. 26 de Svendsen, el Cuarteto Serioso op. 25 de Beethoven-Mahler y Las cuatro estaciones de Vivaldi.
Concierto Internacional
Britten Sinfonia (Reino Unido)
Henning Kraggerud, violín y director
Domingo 19 de junio, 18:00 horas.
Sala Nezahualcóyotl
Boletos: $300.00 y $200.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM, jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM.
Acceso a niños mayores de ocho años, excepto donde se indica.
Informes en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Este viernes 17, a las 20:00 horas, la Orquesta Filarmónica de la UNAM, bajo la batuta de Rodrígo Macías – su director asistente- ofrecerá un concierto extraordinario en la Sala Nezahualcóyotl a beneficio del Instituto Nacional de Ciencias Médicas y Nutrición Salvador Zubirán.
El programa estará integrado por selecciones de óperas escritas por Verdi, Donizetti, Mascagni Puccini, Delibes, Saint-Saëns, Bizet, Gounod y Offenbach.
Las arias serán interpretadas por las sopranos Anabel de la Mora y Enivia Mendoza, la mezzosoprano Daniela Rico, el tenor José Luis Duval y el barítono Genaro Sulvarán.
Los boletos tienen un costo de $100.00 a $240.00 y están a la venta en la taquilla de la Sala Nezahulacóyotl. Esta es una buena oportunidad para ayudar y, al mismo tiempo, disfrutar de una velada dedicada al mundo de la ópera.
OFUNAM
Concierto extraordinario
Sala Nezahualcóyotl
Viernes 17 de junio, 20:00 horas
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados ISSSTE, IMSS e INAPAM.
Acceso a niños mayores de 8 años de edad, excepto donde se indica. Se aceptan tarjetas de crédito y débito Visa,
VisaElectron y MasterCard.
Infores en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Henschel Quartett / Fuente: www.henschel-quartett.de
Este año el Festival de Música de Cámara de San Miguel de Allende llega a su edición número 33 y para celebrarlo el comité organizador ha anunciado la participación del Henschel Quartet, ganador de la Competición Internacional de Cuerdas de Osaka e invitado habitual en la programación de los Proms de la BBC.
La programación contempla también la participación del Parker Quartet, agrupación que ganó en este 2011 el premio Grammy en su categoría de mejor grabación de música de cámara por su disco de cuartetos de Gyorgy Ligeti. El público podrá apreciar, además, el trabajo del Miró String Quartet, ensamble que ha colaborado con músicos como Joshua Bell, Midori y Pinchas Zuckerman y primer conjunto de cámara galardonado con la beca Avery Fisher Career.
Fundado por Carmen Massip de Hawkins y un grupo de melómanos, el festival ha recibido en sus distintas ediciones a más de 100 agrupaciones y solistas de todos los continentes y ha ofrecido a más de mil jóvenes la posibilidad de participar en talleres y clases magistrales con importantes exponentes, ya que una de sus razones fundamentales es contribuir a la educación musical de las nuevas generaciones. Las actividades de la edición 2011 se llevarán a cabo del 29 de julio al 13 de agosto.
Para conocer más visita el sitio del Festival Internacional de Música de Cámara de San Miguel de Allende
Primera edición de la Tercera Sinfonía de Mahler / Fuente: /www.sothebys.com
En este año que se conmemora el primer centenario de la muerte de Gustav Mahler, Sotheby’s acaba de subastar una copia de la primera edición de la partitura de la Tercera Sinfonía anotada por el propio compositor. La obra fue publicada por la casa Weinberger en 1902 poco tiempo después de su estreno. El documento formaba parte de una colección privada y contiene diversas marcas y anotaciones realizadas por el músico vienés tras dirigir la obra por primera vez.
Fiel a su costumbre, Mahler realizó anotaciones en el 60% de las páginas, lo que a decir de la revista Gramophone, constituye una revisión mayor de la orquestación originalmente creada para la obra. A decir de Stehpen Roe, Director de Manuscritos y Libros de Sotheby’s, el documento constituye una magnífica nueva fuente sobre la tercera sinfonía. La partitura salió a subasta en un precio de 100,000 libras pero terminó vendiéndose en 163,250 libras.
Eduardo Sánchez-Zúber / Fuente: www.musica.unam.mx/
En el programa 6 de la Segunda Temporada 2011, toca esta semana la participación de Eduardo Sánchez-Zúber como director huésped de la OFUNAM, que durante 6 años estuvo al frente de la Orquesta Sinfónica de Michoacán. El programa estará integrado por la Obertura de Las bodas de Fígaro de Mozart, el Concierto para clarinete no. 2 de Spohr, Un americano en París de Gershwin
y las Danzas sinfónicas de West Side Story de Leonard Bernstein. Los conciertos se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario el sábado 18 (20:00 horas) y el domingo 19 de junio (12:00 horas).
El público podrá escuchar además el trabajo del clarinetista francés Philippe Cuper, primer Solista de la Orquesta de la Opera de París y que ha colaborado con directores como John Eliot Gardiner, Zubin Mehta, Seiji Ozawa, Lorin Maazel, Pierre Boulez y Daniel Barenboim.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto del sábado, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM, para los primeros que compartan su obra favorita para clarinete al correo electrónico de CM . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
OFUNAM Segunda Temporada
Programa 6
Eduardo Sánchez-ZúberPhilippe, director huésped
Philippe Cuper, clarinete
Sala Nezahualcóyotl
Sábado 18, 20:00 horas, y domingo 21 de junio, 12:00 horas
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados ISSSTE, IMSS e INAPAM
Acceso a niños mayores de 8 años de edad, excepto donde se indica. Se aceptan tarjetas de crédito y débito Visa,
VisaElectron y MasterCard.
Informes en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Kronos Quartet / Foto: Michael Wilson / Fuente: www.kronosquartet.org
Poseedores de una carrera musical que en 2013 llegará a cuatro décadas, el Kronos Quartet se ha destacado no por su virtuosismo y gran calidad interpretativa sino por una exploración entusiasta y constante del repertorio de la música escrita durante la segunda mitad del siglo XX y lo que llevamos del XXI.
Como consecuencia natural de su trayectoria, el jurado del Avery Fisher Prize ha decido conceder el reconocimiento en su edición 2011 al ensamble fundado por el violinista David Harrington. Además de un cheque por $75,000 dólares el Kronos Quartet será honrado con la colocación de una placa de marmol en el Lincoln Center, precisamente en la sala de conciertos que lleva el nombre del filántropo que creó el premio en 1974. Los últimos en recibir el reconocimiento fueron los violinistas Joshua Bell y Gil Shaham en 2007 y 2008. El premio se declaró desierto en 2009 y 2010.
Este es el segundo galardón que obtiene la agrupación durante 2011, pues hace unas semanas se anunció que recibiría el Premio Polar, máximo reconocimiento que otorga la escena musical en Suecia y que otorga un premio de 1 millón de coronas suecas (alrededor de $160,000 dólares).
Visita el sitio del Kronos Quartet
A través de su sitio web, el Festival de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez ha informado que este martes 14 de junio realizará algunos anuncios en relación con la programación de su edición 2011 en la que, se adelanta, se contará con la presencia de artistas de México, Argentina, Estados Unidos, Suiza, Ucrania, Alemania, la República Checa, Reino Unido y España. Por lo pronto, se tiene confirmada la presencia de Jordi Savall, el músico catalán que en las últimas tres décadas se ha dedicado a rescatar del olvido repertorio de la música antigua, especialmente aquella escrita para su instrumento: la viola de gamba.
Cofundador con Montserrat Figueras, de los ensambles Hespèrion XX, La Capella Reial y Le Concert des Nations, el catalán es el flamante ganador del Premio Grammy en su edición 2011. El también director y musicólogo y la soprano Montserrat Figueras obtuvieron el galardón en la categoría de mejor interpretación para pequeño ensamble por su trabajo Dinastía Borgia. Iglesia y poder en el Renacimiento en el que han participado las ya referidas Capella Reial de Catalunya y Hespèrion XXI, además de un grupo de historiadores y escritores entre los que destacan Josep Piera y Manuel Forcano.
Savall, que ya ha visitado el país con anterioridad, goza de una actividad que muchos artistas de la música popular envidiarían. Cada año, brinda alrededor de 140 conciertos y se involucra en la grabación de 6 discos para Alia Vox, el sello que fundó.
Los boletos para la totalidad de los conciertos serán puestos a la venta en el mes de septiembre. Como es tradicional las actividades se llevarán a cabo en diversas sedes de la ciudad durante noviembre. El su edición 2010, el Festival de Música de Morelia contó en su inauguración con la presencia de la violinista alemana Anne-Sophie Mutter.
Visita el sitio del Festival para estar enterado de la programación.
Conoce más de Jordi Savall a través de su página oficial.
Rodrigo Macías, director asistente / Fotografía: CDC/Barry Domínguez / Fuente: www.musica.unam.mx
En su programa no. 5 de la Segunda Temporada 2011, la OFUNAM ofrecerá este fin de semana un par de conciertos en los que interpretará la Obertura festiva de Shostakovich, el Concierto para violín de Tchaikovsky y la Sinfonía de Moncayo.
En esta ocasión toca tomar la batuta a Rodrigo Macías, director asistente del ensamble universitario, mientras que el concierto para violín será interpretado por Osvaldo Urbieta.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM, para los primeros que escriban al correo electrónico a CM . No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
OFUNAM Segunda Temporada
Programa 5
Rodrigo Macías, director asistente; Osvaldo Urbieta, violín
Sala Nezahualcóyotl
Sábado 11, 20:00 horas, y domingo 12 de junio, 12:00 horas
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00con el 50% de descuento personal con credencial vigente: estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM
Acceso a niños mayores de 8 años de edad, excepto donde se indica.
Informes en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Este fin de semana el compositor Michael Nyman ofrecerá un par de recitales en la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México. El británico, que recientemente ha establecido su residencia temporal en el Distrito Federal, ofrecerá selecciones de algunas de sus bandas sonoras.
Los asistentes podrán escuchar música escrita para las películas Wonderland, Gattaca, The End of the Affair, The Diary of Anne Frank, The Piano, À propos de Nice, acompañadas de la proyección de fragmentos fílmicos de Jean Vigo y el propio Michael Nyman. Los boletos para el primer concierto se han agotado pero el día de ayer se anunció una nueva fecha para el domingo 12 a las 19:00 horas.
La Coordinación de Cultura de la UNAM ha organizado una serie de actividades complementarias a los conciertos como la exhibición del trabajo de Nyman como videoasta en el MUAC el 10 y 11 de junio. De igual forma, el Museo del Chopo ofrecerá a partir del 24 de agosto la muestra Cine Ópera que consta de 48 fotografías y una película de 20 minutos que recoge la mirada del artista británico sobre la derruida sala.
Concierto Internacional
Sala Nezahualcóyotl
Domingo 12, 19:00 horas
Michael Nyman (Reino Unido)
Piano solo: Música de las películas Wonderland, Gattaca, The End of the Affair, The Diary of Anne Frank, The Piano, À propos de Nice y proyección de fragmentos fílmicos de Jean Vigo y Michael Nyman
$300.00 (Primer piso) y $200.00 (Segundo piso)
Boletos con el 50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM
Informes en el sitio de la Dirección de Música de la UNAM
Este domingo, Opus 94.5, la emisora de servicio público, cumple 25 años de transmitir música “clásica” al público del Valle de México y su área metropolitana por la banda de FM y a todo el mundo a través de su sitio web. La estación es dirigida por Lucas Hernández Bico quién prácticamente ha estado involucrado en el proyecto desde el comienzo y ha programado la estación por muchos años.
XHIMER, constituye la única opción radiofónica para los melómanos de la ciudad que transmite 24 horas continuas música de diversos periodos históricos, géneros y compositores. A lo largo de un cuarto de siglo, ha producido series emblemáticas como La otra versión, Ave de mil voces, las transmisiones en vivo desde el Met de Nueva York y Música prestada por mencionar sólo algunas.
Opus celebrará esta fecha con un ciclo de conciertos en los que participarán diversos intérpretes y ensambles como Horacio Franco, Lourdes Ambriz, Alberto Cruzprieto, Juan Carlos Laguna, la Orquesta de la Escuela Nacional Preparatoria, Tembembe Ensamble Contínuo y el ensamble La Fontegara, entre otros.
Desde la redacción de Clásica México les enviamos un abrazo y les deseamos larga vida.
El Foro Internacional de Música Nueva llega a su edición número 33 y lo celebra programando obras de más de 120 compositores contemporáneos especialmente seleccionadas para el evento. Los conciertos se llevarán a cabo del 3 al 26 de junio en 4 sedes de la Ciudad de México (el Palacio de Bellas Artes, la Escuela Nacional de Música, el Conservatorio Nacional y el Centro Nacional de las Artes) y en el Teatro Degollado de Guadalajara, Jalisco.
El evento, organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes, es un escaparate en el que se dan cita compositores, intérpretes y académicos para presentar un panorama de la nueva música en México y el mundo. Los asistentes podrán escuchar 34 estrenos mundiales y 46 en México. Este año, los organizadores recordarán la obra del fundador del Foro, Manuel Enríquez, a propósito del 85 aniversario de su nacimiento, así como la del recientemente desaparecido Eugenio Toussaint.
El Foro contará con la participación, entre otros, de ensambles como el Cuarteto Latinoamericano, Ónix Ensamble, la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, Tempus Fugit, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, el Cuarteto José White, SequenzaSUR y el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México.
Los asistentes también podrán escuchar concierto-conferencias impartidas por especialistas como Christophe Desjardins, Gabriela Ortiz, Reza Vali, Maximilian Marcoll y Eva Zöllner.
Consulta la programación en el sitio del Foro Internacional de Música
Carlos Miguel Prieto / Fuente: www.musica.unam.mx
Habituados a escuchar a Carlos Miguel Prieto al frente de la Sinfónica Nacional, los melómanos de la Ciudad de México, tendrán la oportunidad de apreciar, este fin de semana, el trabajo del músico mexicano como director huésped de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. El ensamble universitario ofrecerá un programa dedicado al compositor ruso Dmitri Shostakovich, integrado por la Suite de Moscú Cheryomushki, que se estrena en México, y la Sinfonía No. 7 “Leningrado”, compuesta en 1941, durante el asedio alemán a aquella ciudad.
Las presentaciones tendrán lugar el sábado 4 de junio a las 20:00 horas y el domingo 5 a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM, para aquellos que compartan el nombre de su sinfonía favorita compuesta por Shostakovich. Envíen su respuesta por correo electrónico a CM . No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Programa 4
OFUNAM
Sábado 4 de junio a las 20:00 horas y el domingo 5 a las 12:00
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) están a la venta en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Estudiantes con credencial actualizada: $40.00 (Segundo piso, cupo limitado).
Informes: 5622 7113 y el sitio de la Dirección de Música de la UNAM
Elena Durán / Fuente: www.elenaduran.com
Con la intención de rendir homenaje al recientemente desaparecido compositor mexicano, Manuel Esperón, la flautista californiana Elena Durán se presentará con su espectáculo Amorcito corazón este 2 de junio en el Lunario del Auditorio Nacional, a partir de las 21:00. Amante de las expresiones de la cultura popular mexicana, en particular de la música y el cine, Durán interpretará temas emblemáticos del cine nacional como Yo soy mexicano, Ay, Jalisco, no te rajes y Flor de azálea, acompañada del pianista Fernando Carmona.
El espectáculo brinda la posibilidad de rememorar momentos entrañables de la historia del cine nacional entre aquellos amantes de las películas mexicanas de la época de oro, así como de despertar en las audiencias más jóvenes el interés por conocer aquellas cintas emblemáticas.
Nacida en Oakland, California y de raíces mexicanas, Elena Durán cursó estudios en el Mills College y ha sugerencia de Jean-Pierre Rampal, perfeccionó su técnica en Europa lo que le valió desarrollar una sólida carrera como concertista. Se ha presentado en diversos escenarios de Europa, América y Medio Oriente con orquestas como la Royal Philharmonic Orchestra, la Orquesta de Cámara Inglesa, la Bournemouth Sinfonietta, los “Virtuosos de Moscú”, y la Orquesta Sinfónica Nacional Mexicana.
Su repertorio incluye lo mismo a Bach y Delius que diversas expresiones de la música popular lo que la ha llevado a compartir el estudio de grabación con Stephane Grappelli y Paul McCartney. Su particular gusto por la cultura popular mexicana la ha llevado a diseñar el espectáculo multimedia México de mi corazón en el que rinde tributo a la música de la Época de oro del cine nacional.
Preocupada por llevar la música de concierto fuera del ámbito de los espacios tradicionales, ha creado un programa llamado Flauta sin fronteras mediante el cual ha ofrecido conciertos en diversos centros penitenciarios del país y a públicos vulnerables que no tienen la posibilidad de disfrutar de este tipo de manifestaciones.
A continuación reproducimos el texto escrito por Elena Durán a propósito de este nuevo espectáculo:
Luces… Cámara… ¡¡¡Música!!!
Por Elena Durán
El cine siempre ha sido una pasión para mí, pero esa perenne fascinación especialmente por el cine nacional, surgió debido a que tuve la suerte de tener una abuela maravillosa, Soledad Muñoz López, quien me introdujo a todo lo relacionado con México y fue precisamente ella, quien me llevó a ver películas mexicanas, en el Teatro Estrellas en Oakland, California. Recuerdo que fue en una época donde el acceso al cine era restringido, por lo que ir a ver una película, era un acontecimiento muy importante en la semana.
Allí, una muy joven Lupe Elena permanecía sentada, más que atenta, extasiada con el ambiente; con la algarabía que impregnaba la oscuridad en la sala y claro, también disfrutando de ¡las palomitas! Ir al cine con “Tita” siempre fue algo excepcional, gracias a todas las películas que veíamos – por no mencionar específicamente la prodigiosa música que escuchábamos – . ¿Cómo podía saber entonces, que cuando veía al final de muchas de las cintas nacionales, en los créditos, el nombre de Manuel Esperón, iba yo a tener el placer de conocerlo al igual que a su esposa Beatriz?!
Don Manuel y Doña Beatriz fueron un gran apoyo en el desarrollo de “Amorcito Corazón” y tuvieron una participación muy importante en este proyecto, del cual yo creo que ¡nací para hacerlo! El concierto en su totalidad, es una obra de amor surgida desde el fondo del corazón, pues el Maestro Esperón es una pieza importantísima en el crisol de la música mexicana, por su impresionante aportación e inagotable talento, al musicalizar más de medio millar de las películas de la bien llamada Época de Oro del Cine Nacional y lo increíble de todo esto, es que él nunca escribió la letra – sólo la música, que para todos nosotros es tan entrañable.
Él fue pianista, director, compositor, y arreglista, en otras palabras ¡un músico completo! Dicho esto y contando con su luminosa y personal guía en la selección del repertorio, (además de que él escuchó y aprobó todos los arreglos), para la realización de este proyecto pensé: “¿Qué pasa si tomamos su música, con letras de canciones famosas, y nos re-enfocamos exclusivamente en la música que él escribió?” En consecuencia, lo que el maestro Luis Zepeda y yo hicimos, fue simplemente seguir el contexto instrumental; el contexto clásico de este gran ícono de la música mexicana y reorientar estas grandes canciones como joyas instrumentales. Mi versión, simplemente destaca y pretende honrar el virtuosismo y magia del estilo de composición del Maestro Esperón.
Leonard Bernstein, Henry Mancini, Andrew Lloyd Webber y otros amigos míos fueron, asimismo, también compositores pero no libretistas y su música también se ha beneficiado de este nuevo enfoque ya que también ha sido presentada en esta modalidad, a un público cada vez más amplio.
Al celebrar el centenario del maestro Manuel Esperón, con profunda gratitud es que honro su memoria y agradezco a la vez, el invaluable apoyo de su esposa Beatriz, así como el de todos y cada uno de los miembros de la familia Esperón, incluyendo a mi gran amigo, e intérprete oficial del maestro, el reconocido tenor mexicano, Mauro Calderón.
Elena Durán
Joshua Bell / Fuente: www.joshuabell.com
Después de 51 años al frente de la prestigiosa Academy of Saint Martin in the Fields, su fundador Sir Neville Marriner cedió la batuta al violinista Joshua Bell para dirigir al ensamble dedicado a difundir principalmente la música barroca y clásica en el Reino Unido.
El cargo será asumido por el estadounidense en el mes de septiembre e inicialmente tendrá una duración de tres años. Poseedor de una impresionante carrera, con más de 30 discos grabados en su mayoría para Sony, Bell resaltó el particular cariño y vínculo que lo une a la Academia, pues con ella realizó su primera grabación de un concierto para su instrumento, a los 18 años de edad, por supuesto bajo la batuta de Sir Neville Marriner. Desde entonces la orquesta se ha convertido en una especie de familia con la que ha compartido preciados momentos musicales y también personales. Con este mismo ensamble, Bell obtuvo en 1998, un premio Gramophone por su grabación de los Conciertos para violín de Samuel Barber y William Walton (Decca).
El violinista buscará continuar impulsando la exploración del gran repertorio sinfónico con la Academia desde su nueva posición de director musical. Entre sus próximos planes, interpretará el ciclo completo de sinfonías de Beethoven, en una serie de conciertos que seguramente marcará una nueva etapa para la agrupación. Por su parte, Marriner, de 87 años de edad, continuará vinculado al proyecto desde su puesto de presidente vitalicio
Visita el sitio de Joshua Bell
Nora Emödy y Ahmed Abou-Zahra son dos músicos egipcios que se han destacado por abordar lo más destacado del repertorio para dos pianos. Como parte de su carrera se han presentado en importantes salas de concierto de Europa, Asia, América y África. Han alternado con importantes ensambles como la Royal Philharmonic Orchestra, las sinfónicas de la Radio de Praga, de Viena, del Cairo y del Estado de México, bajo la batuta de directores como Leonard Slatkin, Enrique Batiz y Thomas Kalb. A lo largo de su trayectoria han ganado concursos tan importantes como el Internacional para dos pianos de Dranoff, el Internacional de Música de Cámara, el Premio Ibla y la Competencia Internacional para cuatro manos de S. Pintacuda.
En el marco del ciclo permanente de Conciertos internacionales de la Dirección General de Música de la UNAM, este viernes 3 de junio se presentarán en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario para ofrecer un programa integrado por Dos transcripciones de Bach para piano a cuatro manos de Kurtág, la Sonata para dos pianos K 448 de Mozart, Variaciones para dos pianos sobre un tema de Paganini de Lutoslawski, Souvenir de la Russie op. 151 de Brahms, Tres danzas andaluzas para dos pianos de Manuel Infante y Pequeña suite para piano a cuatro manos de Debussy.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y compartan su obra favorita del repertorio para dos pianos. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Concierto Internacional (Egipto)
Horus Piano Duo: Nora Emödy y Ahmed Abou-Zahra
Viernes 3 de junio, a las 20:30 horas.
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($200.00 y $130.00) están disponibles en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente.
Informes: 5622 7113 y el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Esta noche la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México rendirá un merecido homenaje al decano de la dirección orquestal en el país Luis Herrera de la Fuente en un concierto en el que el público podrá escuchar 3 estrenos mundiales producto del trabajo y talento del también compositor.
Será el propio Herrera de la Fuente quien dirija su Pieza concertante para violoncello, con Inna Nassidze como solita, su Concierto para piano, con la participación de Guadalupe Parrondo, y su Sinfonía No. 2. Resulta significativa la participación de la pianista mexicana, pues en 1955, se presentó bajo la dirección de Herrera de la Fuente. Aquella fecha significó el primer concierto en el que la maestra Parrondo se presentó acompañada de una orquesta, cuando apenas era una niña.
El concierto se realiza a unas semanas del cumpleaños 95 Luis Herrera de la Fuente. El programa será interpretado nuevamente mañana domingo 29 de mayo, a las 12:30 horas, mientras que el concierto del sábado será transmitido en vivo por la emisora de servicio público Opus 94.5.
Herrera de la Fuente es una institución en la escena musical del país que se ha destacado en muy diversas facetas. Nacido el 25 de abril de 1916 en la ciudad de México, ingresó a la Facultad de Música de la UNAM al tiempo que realizó estudios privados de piano con Carlos del Castillo y de composición con Rodolfo Halffter. Tuvo como maestros de dirección orquestal a Sergiu Celibidache, Hermann Scherchen en Zurich y Franco Ferrara.
Se destacó también por la creación de ensambles como la Orquesta de Cámara de Radio Universidad (1945) y la Orquesta de Cámara de Bellas Artes (1951-1955). A lo largo de más de 6 décadas dirigió a las Orquestas Sinfónicas Nacionales de México (1955-1973 y 1989-1990), Chile (1959-1960) y Perú (1962-1968), de la Orquesta Sinfónica de Xalapa (1975-1985), la Oklahoma Symphony Orchestra (1978-1988), la Orquesta Sinfónica de las Américas (1976-1979), la Orquesta Sinfónica de Minería (1985-1995), la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (1990-1995), la Juvenil del Estado de Veracruz (1995) y la de Jalisco (2002). En 2005 fue nombrado director emérito de la Filarmónica de la Ciudad de México.
También fungió como director artístico del Festival de Música de Morelia (1991) y creó la Fundación para la Grabación de Música Mexicana (1988) (una iniciativa que pretendía fomentar el registro y producción de discos con obras sinfónicas de compositores nacionales) y el Instituto Superior de Música del Estado de Veracruz (1995).
Como compositor destacan Fantasía en do menor y el Preludio breve, también en do menor; Sonata para piano, Dos movimientos para orquesta (estrenada por la Sinfónica Nacional en 1948), el ballet La estrella y la sirena (con libreto de José Durand y coreografía de Magda Montoya), el Divertimento para orquesta de cuerdas, su Capricho para orquesta de cámara y cuarteto de cuerdas, el ballet Fronteras (encargo de Guillermo Arriaga), el Preludio a Cuauhtémoc y M 30 para orquesta sinfónica, escrita para conmemorar los 30 años de la Orquesta Sinfónica de Minería.
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México
Sábado 28, 18:00 horas, y domingo 29 de mayo, 12:30 horas.
Sala Silvestre Revueltas
Boletos: $107.00, 50% descuento a estudiantes, maestros e Inapam
Periférico Sur No. 5141. Col. Isidro Fabela.
Visiten el sitio de Guadalupe Parrondo
Jorge Federico Osorio /Fuente: www.musica.unam.mx
Esta semana toca a Moshe Atzmon, tomar la batuta para dirigir a la Orquesta Filarmónica de la UNAM como parte de la Segunda temporada 2011. El ensamble universitario ofrecerá un programa integrado por Don Juan de Strauss, el Concierto para piano no. 2 de Liszt, con el aclamado pianista mexicano Jorge Federico Osorio como solista, y la Sinfonía no. 9 del compositor checo Antonín Dvořák.
Los conciertos tendrán lugar el sábado 28 de mayo a las 20:00 horas y el domingo 29 a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Atzmon es el director huésped principal de la OFUNAM y, probablemente, uno de los mayores responsables de dotarla de su actual sonido. Nacido en Hungría, cambió su residencia a Israel desde muy joven donde curso sus estudios musicales e inicio su carrera. Ha dirigido a las Filarmónica de Berlín, Viena y Munich y las Sinfónicas de Sydney y Tokio, por mencionar sólo algunas.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto del sábado, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y comparte tu obra favorita de Dvořák . No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
OFUNAM
Sábado 28 de mayo a las 20:00 horas y el domingo 29 a las 12:00
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) a la venta en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Estudiantes con credencial actualizada: $40.00 (Segundo piso, cupo limitado). Informes: 5622 7113 y en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
El Cuarteto Latinoamericano / Foto: Marcelo Kohn / Fuente: www.cuartetolatinoamericano.com
Es 2011 el año en que el Cuarteto Latinoamericano cumple tres décadas de haberse integrado y lo celebran de la única manera en que saben hacerlo: tocando.
Mañana miércoles, a las 18:00 horas, con el bandoneoista César Olguín ofrecerán un concierto, en el Museo Jose Luis Cuevas de la Ciudad de México (Academia 13, en el Centro). Como resulta evidente, el programa estará integrado por tangos, tangos nuevos y viejos. Por increíble que parezca la entrada es libre.
Esta es una de las pocas oportunidades que restan en el año para escuchar en esta ciudad a la agrupación integrada por los hermanos Bitrán y Javier Montiel, pues en los próximos meses su agenda estará repleta de presentaciones en el interior de la República, así como conciertos en Venezuela, Holanda y Colombia .
En 2012, concretamente en el mes de marzo, se cumplirán tres décadas del primer concierto ofrecido por la agrupación en la Sala Julián Carrillo de Radio UNAM.
Cecilio Perera / Fuente: /www.cecilioperera.com
Este fin de semana el director bosnio Bojan Sudjic repite como director huésped con la OFUNAM en un par de conciertos que contarán también con la participación de el joven guitarrista mexicano Cecilio Perera. En el segundo concierto de la temporada, el público podrá escuchar Tres acuarelas de viaje de José F. Vásquez, el Concierto de Aranjuez de Rodrigo, la Suite Iberia de Albéniz y Los pinos de Roma de Respighi.
Nacido en Mérida, Yucatán, Perera cursó estudios en la Facultad de Música de la Universidad Veracruzana y actualmente continúa su preparación en el Mozarteum de Salzburgo en Austria con Eliot Fisk y Ricardo Gallen. Adicionalmente, ha tenido la oportunidad de tomar clases magistrales con guitarristas como John Williams y David Russell.
El guitarrista se ha presentado con ensambles como la Orquesta Sinfonica de Yucatán, la Filarmonica de Chihuahua, la Orquesta Academia Musica de Naonis, la Sinfónica de Cuba, la OFUNAM; la Orquesta Sinfónica de Almería, la Sinfónica de Xalapa y la de Mozarteum de Salzburgo.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto del sábado, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
OFUNAM
Sábado 21 (20:00 horas) y domingo 22 (12:00 horas).
Sala Nezahualcóyotl
Boletos ($240.00, $160.00 y $100.00) están disponibles en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Se aceptan las tarjetas de crédito y débito Visa, Visa Electron y MasterCard.
Mayores informes: 5622 7113 y el sitio de la Dirección de Música de la UNAM
Visita el sitio de Cecilio Perera
Pietro de Maria / Fuente: www.pietrodemaria.com
Como parte del ciclo permanente de conciertos internacionales organizado por la Dirección General de Música de la UNAM, el pianista italiano Pietro De Maria ofrecerá un recital el jueves 19 de mayo a las 20:30 horas, en la Sala Nezahualcóyotl. Los asistentes podrán escuchar Valses capricho sobre temas de Schubert y el Soneto no. 104 del Petrarca de Liszt, La campanella de Paganini-Liszt, polonesas y barcarolas de Chopin y estudios de Ligeti.
Pietro De Maria cursó estudios en los conservatorios de Viena y Génova y ha sido distinguido con los premios Alfred Cortot (conseguido a los 13 años de edad), Dino Ciani de Italia, el Géza Anda de Suiza y el Mendelssohn de Alemania. Conocido por su amplio repertorio, que va de Bach a Ligetti, como concertista De María ha trabajado, entre otros directores, con Roberto Abbado, Gary Bertini, Myung-Whun Chung, Eliahu Inbal, Ton Koopman y Daniele Gatti.
Esta es una buena oportunidad para aquellos que no pudieron asistir al concierto ofrecido el fin de semana pasado por la OFUNAM en el que el italiano interpretó el Concierto para piano no. 1 de Liszt, bajo la dirección de Bojan Sudjic.
Pietro De Maria
Jueves 19 de mayo a las 20:30 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($200.00 y $130.00) están disponibles en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Se aceptan las tarjetas de crédito y débito Visa, Visa Electron y MasterCard.
Mayores informes: 5622 7113 y el sitio de la Dirección de Música de la UNAM
Bojan Sudjic, director / Fuente: www.musica.unam.mx
El sábado 14 de mayo, a las 20:00 horas, la Orquesta Filarmónica de la UNAM dará inicio a su Segunda Temporada 2011. Con la presencia del director serbio Bojan Sudjic, el ensamble universitario interpretará El poema del éxtasis de Scriabin, el Concierto para piano no. 1 de Liszt, con el pianista italiano Pietro De Maria como solista, y Alexander Nevsky de Prokofiev. Como es habitual, la OFUNAM se presentará nuevamente el domingo en la Sala Nezahualcóyotl a las 12:00 horas.
Integrada por 7 programas, la temporada estará marcada por la participación de diversos directores huésped como Moshe Atzmon, Carlos Miguel Prieto, Yoav Talmi y Eduardo Sánchez-Zúber y Rodrigo Macías, conductor asistente de la Orquesta, que abordaran la obra de compositores de distintos periodos históricos. De igual forma el público podrá disfrutar del trabajo de solistas como Jorge Federico Osorio, Osvaldo Urbieta y Philippe Cuper.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto del sábado, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Para conocer el programa completo visiten el sitio de la orquesta.
Samuel Pascoe / Fuente: www.musica.unam.mx
En el marco de la próxima Semana Mayor, la Orquesta Academia de México, bajo la dirección de Samuel Pascoe, se presentará este sábado 16 de abril, a las 20:00 horas, para interpretar El Mesías de Händel en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario.
El texto de la obra, compuesta en Londres en 1741, está integrada en su totalidad por fragmentos bíblicos producto del trabajo del libretista Charles Jennens. El Mesías está conformado por tres actos subdivididos en escenas al estilo de una ópera.
En el concierto participarán además el Coro de Cámara de la Escuela Nacional de Música de la UNAM y los solistas Luz María Rivera, Nazarena Michelena, Itzel Servín, Zayra Ruiz, Armando Vázquez, Juan Mena, Hugo Torres y Guillermo Ruiz.
Egresado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, Samuel Pascoe realizó estudios de dirección coral y composición en Westminster Choir College de Princeton; ha trabajado con importantes instituciones como el Coro de la Escuela Nacional de Música, que actualmente dirige, el Coro de Madrigalistas de Bellas Artes, el Ensamble Kontempo, la Orquesta Sinfónica de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, All Campus Orchestra de Boston University, la Orquesta Academia de México, el Coro Promúsica, Samuel Pascoe, la OFUNAM, la Sinfónica de Minería y la Orquesta Sinfónica Nacional, entre otras.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y mencionen su obra favorita de Händel. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Orquesta Academia de México
Samuel Pascoe, presentará
Sábado 16 de abril, a las 20:00 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($300.00, $200.00 y $100.00) a la venta en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Se aceptan las tarjetas de crédito y débito Visa, Visa Electron y MasterCard.
Programa sujeto a cambios.
Informes: 5622 7113 y el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
En un concierto fuera de temporada, la Orquesta Filarmónica de la UNAM deja su sede habitual para ofrecer un concierto gratuito en “Las Islas” de la Ciudad Universitaria este viernes 15 de abril a las 10:30 horas.
Bajo la batuta de su director asistente, Rodrigo Macías, el ensamble universitario interpretará la FanfarriUNAM de Angulo, La primavera de Las cuatro estaciones de Vivaldi, Flor de azalea de Esperón, Dime que sí de Esparza Oteo, Caminos de Guanajuato de José Alfredo Jiménez, Suite México 1910 del recientemente fallecido Manuel Esperón y el Bolero de Ravel. Durante la presentación, se contará con la participación del violinista Sebastian Kwapisz y el tenor José Luis Ordóñez.
Resulta significativo que la orquesta se presente ante la propia comunidad universitaria en el campus principal de la institución que recientemente fue nombrado Patrimonio Cultural de la Humanidad
Informes al teléfono 5622 7113 y el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Este fin semana se presenta nuevamente en la Ciudad de México la Sinfonía Varsovia dirigida por el reconocido conductor y compositor Krzysztof Penderecki. El ensamble europeo ofrecerá un par de conciertos en el Teatro del Palacio de Bellas Artes, el sábado 2, a las 19:00 horas, y el domingo 3 de abril a las 17:00 horas. El programa elegido será el mismo para las dos presentaciones y estará dedicado al trabajo de diversos compositores polacos, incluyendo el propio Penderecki.
El público mexicano tendrá la oportunidad de escuchar las 3 piezas en estilo antiguo del recientemente fallecido Henryk Gorecki, una Chacona y el Agnus para orquesta de cuerdas de Penderecki, el Concierto para orquesta de cuerdas de Grazyna Bacewicz y Souvenir de Florencia de Chaikovsky.
Penderecky y la Sinfonía Varsovia se presentaron en la Sala Nezahualcóyotl de la UNAM en octubre de 2005. El músico polaco está próximo a cumplir 78 años, por lo que esta puede ser la última vez que podamos apreciar su trabajo en la Ciudad de México.
Como una manera de atraer a nuevos públicos a la escena de la música sinfónica, y para conmemorar los 40 años de la banda Queen, la Orquesta Sinfónica de Minería, dirigida por Louis Clark, ofrecerá un concierto en el que interpretará temas del grupo de rock británico. El evento se llevará a cabo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, el próximo 29 de abril, a las 20:00 horas.
El ensamble sinfónico contará con la participación de la flautista Elena Durán y de los coros Filarmónico Universitario, ProMúsica, Convivium Musicum y Ars Iovalis que interpretarán canciones como We are the Champions, Under Pressure, Somebody to Love y I Want to Break Free, entre otras.
Jessye Norman /Foto: Carol Friedman / Fuente: www.sonymasterworks.eu
Esta noche, a las 19:00 horas, Jessye Norman se presentará nuevamente en el Teatro del Palacio de Bellas Artes para ofrecer un recital en el que interpretará canciones de la tradición estadounidenses incluidas en su más reciente producción discográfica: Roots: My Life, My Song. El público mexicano podrá disfrutar del tributo que la soprano hace al teatro musical, que incluirá selecciones de obras compuesta por autores como Duke Ellington, Leonard Bernstein y George Gershwin.
Poseedora de una de las voces del arte lírico más apreciadas de las últimas cuatro décadas, la cantante nacida en Augusta, Georgia se presentará acompañada del pianista Mark Markham. La última vez que Norman visitó la Ciudad de México, fue en 2004 como parte de los festejos por los 70 años del recinto de mármol.
Pat Metheny / Fuente: www.festival.org.mx
Con dos conciertos brindados por Pat Metheny y uno más encabezado por Philippe Quint concluirá hoy sábado 26 de marzo la actividad del Festival de México en su edición XXVII, por lo que se refiere al jazz y a la música de cámara. El guitarrista y compositor se presentará en el Teatro de la Ciudad, a las 17:00 y 20:30 horas, acompañado del baterista mexicano Antonio Sánchez y el bajista Ben Williams. Multiganador del premio Grammy y colaborador de músicos de diversas escenas como Steve Reich, David Bowie, Ornette Coleman y Herbie Hancock, Metheny presentará parte de su extenso repertorio jazzístico.
Por su parte, Philippe Quint ofrecerá el séptimo y último concierto del ciclo de cámara diseñado por él mismo. El músico de origen ruso estará acompañado por las violinistas Shari Mason y Mariana Hernández, los violistas Paul Abbott, N. N. y Bruno Monsaingeon y las violonchelistas Ani Aznavoorian y Fabiola Flores.
El concierto dará inicio a las 19:00 horas y se llevará a cabo en el Anfiteatro Simón Bolivar del Antiguo Colegio de San Ildefonso. El programa estará integrado por el Quintettino de cuerdas en do mayor, op. 30 Nº 6 de Luigi Boccherini, el Cuarteto de cuerdas Nº 2 de Revueltas, el Rondó para violín y cuarteto en la mayor, D. 438 de Schubert y el Sexteto de cuerdas en re menor op. 70 de Chaikovsky.
Ivan Anguélov / Fuente: www.musica.unam.mx
Con la presencia del director huésped Ivan Anguélov, especialista en repertorio italiano, este fin de semana la Orquesta Filarmónica de la UNAM ofrecerá los últimos conciertos de su Primera Temporada 2011. El ensamble interpretará la Obertura de Fidelio de Beethoven y el Stabat Mater de Gioachino Rossini, que contará con la participación del Coro de la Fundación Príncipe de Asturias.
Los conciertos se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario, el sábado 26 (a las 20:00 horas) y el domingo 27 de marzo (a las 12:00 horas). La Orquesta reanudará sus presentaciones en el mes de mayo, cuando dé inició a su Segunda Temporada 2011 en la que rendirá homenaje a Franz Liszt, entre otros compositores.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto del sábado 26, a las 20:00 horas, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM . No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Riccardo Muti / Foto: Todd Rossenberg / Fuente: www.birgitnilssonprize.org
Riccardo Muti, el director de orquesta italiano, fue honrado con el premio Birgit Nilson que entrega la Fundación que lleva el nombre de la legendaria cantante sueca. El anuncio fue realizado por Rutbert Reisch, presidente de la institución. Además de la distinción Muti recibirá un millón de dólares, la mayor suma para un reconocimiento en la escena de la música clásica.
El jurado (integrado por 5 expertos de los países en los que la soprano sueca se presentó de manera mas asidua) decidió otorgar a Muti el premio en virtud de su “extraordinario trabajo, dedicación y pasión por la música a lo largo de varias décadas”. El reconocimiento le será entregado en la Ópera Real de Estocolmo, el 13 de octubre, en un evento que contará con la asistencia del rey Carlos XVI Gustavo y la reina Silvia.
Algunos columnistas como James Jolly, editor en jefe de la revista Gramophone, han criticado que se otorgue esa importante suma a un director que forma parte de un selecto club de batutas millonarias, cuando ese dinero podría destinarse a la comisión de obras y a la formación de jóvenes cantantes.
En su primera edición (2009) el premio fue otorgado a Plácido Domingo quien anunció que destinaría el monto recibido a promover el desarrollo de jóvenes cantantes, a través de su concurso Operalia, particularmente aquellos dedicados al repertorio wagneriano como una manera de rendir homenaje a Birgit Nilsson.
Esta semana la OFUNAM contará nuevamente con la dirección de Moshe Atzmon y dedicará su programa a la música de Maurice Ravel. Los conciertos se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl, como es habitual, el sábado 26 (20:00 horas) y el domingo 27 (12:00) de febrero.
El público asistente podrá escuchar El Bolero, La valse y Mamá la Oca del compositor francés. Durante la segunda parte de la presentación, Héctor Alexandro López ejecutará la obra más importante del repertorio para tuba: el concierto para el instrumento compuesto por Ralph Vaughan Williams.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto del sábado 26, a las 20:00 horas, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y compartan con nosotros su obra favorita de R. V Williams. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Elogiado por personalidades como Vladimir Horowitz y ganador de diversas distinciones y competiciones internacionales, esta semana el pianista ruso Valery Kuleshov se presentará en la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México para interpretar con la OFUNAM el Concierto para piano no. 1 de Chaikovsky.
Los conciertos se llevarán a cabo el sábado 19 (20:00 horas) y el domingo 20 (12:00 horas) de febrero. La dirección estará a cargo del director huésped del ensamble universitario, Moshe Atzmon. Adicionalmente, la orquesta interpretará como parte del programa la Polonesa de Eugenio Onegin, también del compositor ruso, y la primera sinfonía de Sibelius.
El pianista ruso ofrecerá además un recital en la misma sala el martes 22 de enero, para aquellos que deseen apreciar una aproximación más íntima a su trabajo con repertorio de cámara.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto del sábado 19, a las 20:00 horas, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y compartan con nosotros su sinfonía favorita de Sibelius. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Milton Babbitt / Fuente: www.npr.org
No es nada raro encontrarnos con grandes compositores que murieron en el olvido o peor aún, desacreditados. Bach murió sin el reconocimiento que se le debía; Schubert sobrevivía gracias a un pequeño grupo que logró ver su talento y lo apoyaba económica y artísticamente pero murió pobre y casi en el anonimato; Mahler habría sido olvidado si no fuese gracias a Leonard Bernstein quien revivió su música en los años 60; en fin, ejemplos como éstos sobran. Sin embargo, el pasado 29 de Enero del 2011 ocurrió un hecho mucho más extraño, murió un compositor que no solo no logró el reconocimiento que se merecía en vida sino que su carrera artística fue eclipsada por ser catalogado como puramente cerebral y académico debido a sus métodos de composición. Su música se posicionó como exclusiva para la élite musical e incluso fue rechazada por directores y orquestas de la talla de Riccardo Muti y la Orquesta de Filadelfia.
Pero, durante toda su carrera, Milton Babbitt aceptó y adoptó aquellas palabras y términos que se usaban en forma despectiva contra él. Siempre mantuvo una postura firme y elitista con referencia a la música avanzada ya que nunca vio la necesidad de que ésta fuese compartida con el público general. Sugirió que al igual que el público “normal” no tiene ni voz ni voto en temas de Física avanzada o Investigación Médica de punta, tampoco tenían por qué ser incluidos o tomados en cuenta durante el proceso creativo de la música avanzada y/o la investigación musical. De hecho, en 1958 se publicó un artículo escrito por Babbitt, en la revista High Fidelity, titulado ¿A quién le importa si lo escuchas?, donde planteó que la música avanzada era “para, de y por especialistas en el tema”. Desgraciadamente Babbitt ganó un gran número de enemigos con un título como tal (incluyendo compositores contemporáneos). Sin embargo, la realidad es que dicho título fue cambiado sin su autorización – originalmente el artículo fue titulado por Babbitt como “El Compositor como Especialista”. No obstante, muchos de sus logros musicales fueron opacados por las etiquetas de elitista y arrogante que resultaron de ese texto. Pero elitista o no, Babbitt también tenía un conocimiento insuperable de la música popular americana (Tin Pan Alley), incluso fue maestro del compositor de música para teatro Stephen Sondheim. De igual forma compuso piezas adoptando la corriente del Third Stream creada por Gunther Schuller, como por ejemplo “All Set” escrita para ensamble de Jazz mostrando así una admirable flexibilidad artística…eso sí, muy al estilo americano.
Babbitt, quien nació el 10 de Mayo de 1916 en Filadelfia y murió el pasado 29 de Enero del 2011 en Princeton, New Jersey; puede ser un compositor que el público no ubique como primordial en la música del siglo XX pero su influencia en técnicas de composición y desarrollo de sintetizadores es sin duda monumental. Babbitt fue el primer compositor en tomar el concepto del Serialismo (creado por Arnold Schoenberg) y llevarlo a su nivel máximo donde no solo se trabaja con una serie tonal sino que se ‘serializa’ cada aspecto de la música incluyendo tempos, duración de las notas, dinámicas, articulaciones, etcétera. Evidentemente, este es un método quasi-matemático que alude a los primeros intereses académicos de Babbitt. Incluso, el compositor fue contratado durante la Segunda Guerra Mundial por el gobierno Estadounidense para realizar investigaciones matemáticas secretas. Sin duda el músico americano utilizaba de la misma forma un procedimiento altamente científico e investigativo en sus composiciones.
Como resultado de su serialización total, Babbitt comenzó a sufrir los percances de la interpretación humana ya que algunas de sus indicaciones eran involuntariamente omitidas por los intérpretes. Fue así como el compositor vio una perfecta oportunidad cuando fue invitado a trabajar en el desarrollo del primer sintetizador programable RCA Mark II. Con esto comenzó su período de composición electrónica la cual fusionó con instrumentos o voces en vivo, tal como Philomel (escrita para soprano y acompañamiento de sintetizador). Más que interesado en generar nuevos sonidos, Babbitt encontró una solución a su eterno problema de precisión en la interpretación.
La estructura en las obras de Babbitt da la impresión de haber sido realizadas por la mano de un cirujano. Son de una precisión extrema, en las que cada dinámica, cada timbre o cada articulación juega un papel protagónico en el balance de la pieza. Por ello es que Babbitt adoptó con brazos abiertos la inclusión de sintetizadores automatizados en sus conciertos. Solía decir que no había mejor sentimiento que el de entrar un día al estudio de grabación y salir ese mismo día con la cinta de su grabación final bajo el brazo. No obstante, cualquier persona que no esté familiarizada con la complejidad estructural de Babbitt y simplemente lo escuche pasajeramente, podrá notar también un contenido melódico extraordinario que logra atrapar a aquellos dispuestos a abrir sus oídos.
Babbit, al igual que Mahler, es un compositor que resucitará musicalmente dentro de algunos años, es simplemente cuestión de tiempo. Es probablemente el músico americano olvidado más importante de la historia y de mayor influencia. Sin duda, su música nunca será del gusto de todo el mundo pero bastaría con poder colocarlo en la cultura general de la gente como el pilar que fue para la música contemporánea. Se necesitan músicos como Gunther Schuller o James Levine, quien comisionó piezas de Babbitt para la Orquesta del Metropolitan Opera House y la Sinfónica de Boston, para lograr que la gente mencione su nombre con la misma familiaridad que el de Stravinsky – aunque a duras penas sepan que es el compositor de La consagración de la primavera.
¿Un compositor difícil de escuchar? ¿Música para especialistas?
Manuel Esperón / Fuente: sacm.org.mx
La tarde del domingo, en la ciudad de Cuernavaca, falleció a los 99 años de edad el compositor Manuel Esperón González, considerado una pieza indispensable de la llamada Época de oro del cine mexicano.
Esperón trabajó en más de 500 películas, además de componer al rededor de un millar de canciones entre las que destacan Mía, Flor de azálea, Amorcito corazón y Ay, Jalisco, no te rajes. Esta producción lo coloca entre los compositores más prolíficos de la música mexicana.
Esperón nació el 3 de agosto de 1911 y fue una especie de mentor musical de Jorge Negrete y Pedro Infante. Con sus consejos, contribuyó a modelar su carácter de figuras y a encausar sus carreras. Estudió en la Escuela Popular de Música, donde aprendió a realizar los arreglos orquestales que caracterizarían su trabajo en el cine. Su debut en aquella industria lo realizó en 1933 con la composición de una canción para la película La mujer del puerto. A partir de entonces trabajó con las más importantes figuras de aquella industria en México, además de realizar incursiones en Hollywood. Entre las cintas más recordadas en las que colaboró se encuentran Los tres García, Nosotros los pobres, Ustedes los ricos y Me he de comer esa tuna.
Recientemente, la OFUNAM le rindió un homenaje al dedicarle su tradicional programa mexicano del mes de septiembre. El Festival Internacional de Cine de Guadalajara tenía programado celebrar su trayectoria durante su edición de este año a celebrarse en el mes de marzo. La Sociedad de Autores y Compositores de México había anunciado la realización de un homenaje nacional. Sin embargo, inexplicablemente no recibió un reconocimiento por parte de las autoridades culturales. Sus restos serán velados en la casa Gayosso de Félix Cuevas. Le sobreviven su esposa Beatriz García y sus tres hijas.
Ramón Shade, director de la Camerata de Coahuila / Fuente: www.musica.unam.mx
El público de la Ciudad de México tendrá la oportunidad de disfrutar del trabajo de la Camerata de Coahuila, bajo la guía de su director Ramón Shade, en el concierto que ofrecerá el ensamble en la Sala Nezahualcóyotl el domingo 13 de febrero a las 18:00 horas.
La agrupación ha colaborado con prestigiados solistas nacionales e internacionales, entre los que destacan Ramón Vargas, Carlos Prieto, Horacio Franco, Edison Quintana, Jorge Federico Osorio, Román Revueltas, Emilio Angulo, Stefan Milenkovic, Pilar Rioja, Fernando de la Mora, Jorge López Yánez y Walter Boeykens, entre otros. Su director, Ramón Shade, que realizó estudios en la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en Viena, ha trabajado con instituciones como la Ópera de Bellas Artes, la Orquesta de Cámara de la Academia de Santa Cecilia en Roma, la Orquesta Sinfónica del Cairo y Orquesta Sinfónica del Estado de Moscú. Antes de asumir el cargo en la Camerata de Coahuila, fue director titular de las orquestas Sinfónica de la Universidad Autónoma de Guadalajara y Sinfónica de la Universidad Juárez del Estado de Durango.
El concierto forma parte de las giras que el ensamble realiza regularmente por diferentes municipios del estado de Coahuila y diversas ciudades del país. El programa está integrado por la Obertura de Las criaturas de Prometeo, el Concierto para piano no. 2 y Sinfonía no. 2 de Beethoven y contará con la participación del pianista Alejandro Vela.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM . No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
La Escuela Superior de Música Reina Sofía, con sede en Madrid, anunció que cerrará su convocatoria para las pruebas de admisión del ciclo 2011-2012. El plazo para enviar la solicitud electrónica vence el próximo 11 de febrero, mientras que las audiciones tendrán lugar en el mes de abril.
La convocatoria está abierta en todos los instrumentos de la orquesta para las cátedras regulares que se brindan en la Escuela y en el Instituto Internacional de Música de Cámara. Con la intención de incentivar la participación de músicos de otros países, el programa ofrece diversas becas para cubrir la matrícula, los costos de residencia y el uso del instrumento.
Si desean obtener más información visiten el sitio de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
El joven director bajacaliforniano Rodrigo Ruiz se presentará por primera vez en la Ciudad de México al frente de la Orquesta Mexicana de las Artes este domingo 6 de febrero a las 18:00 horas.
Rodrigo Ruiz estudió en la Lawrence University en Appleton, Wisconsin y se especializó en piano y dirección. Durante su estancia en la institución fue elegido como director asistente de la Lawrence Symphony Orchestra (LSO) para la temporada 2009-2010. Ha trabajado con directores como Eduardo García Barrios. Actualmente forma parte del programa “Talentos Artísticos: Valores de Baja California”, auspiciado por el gobierno del estado.
Como pianista ha participado en la Segunda Bienal Estatal de Baja California y en el Festival Internacional Mainly Mozart con la Orquesta Sinfónica Juvenil de México. También ha incursionado en el terreno de la composición. Entre sus obras más recientes se encuentran una sonata y un intermezzo para piano, un preludio para violonchelo, una pieza para cuarteto de cuerdas y una cadenza original para el Concierto para piano no. 1 de Beethoven.
El programa que ofrecerá la Orquesta de la Academia de las Artes estará integrado exclusivamente por obras de Beethoven. Los asistentes podrán escuchar la Obertura Leonora, el Concierto para piano no. 5 “Emperador”, interpretado por Mauricio Náder, y la Sinfonía no 5. La presentación se llevará a cabo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Fuente: www.decca.com
Decca, uno de los sellos discográficos de música clásica más importantes, ha sido relanzado en Londres bajo el nombre de Decca Classics por el grupo Universal Music. El cambio forma parte de la estrategia de expansión que la transnacional ha diseñado para mantener su participación en ese mercado.
Paul Moseley, Director de Universal Music, comentó que este cambio asegura el futuro de la casa disquera como líder en su segmento y permite recobrar su importancia como un sello de tradición británica.
En el elenco de la disquera, que será dirigida por Dickon Stainer, se encuentran algunos de los músicos en activo más importantes de la escena como Daniel Barenboim, Cecilia Bartoli, Riccardo Chailly, Vladimir Ashkenazy, Renée Fleming, Juan Diego Flórez, Jonas Kaufmann, Andreas Scholl y Mitsuko Uchida. Adicionalmente, posee los derechos de registros de personalidades ya fallecidas como Luciano Pavarotti, Joan Sutherland y Sir Georg Solti.
Fernanzo Lozano / Fuente: www.sinfonicadexalapa.org / Foto: Grupo Montes de Oca
El viernes 28 de enero, la Academia Medalla Mozart entregará en la ciudad de Xalapa, Veracruz, la tradicional presea en su edición 2011. En esta ocasión serán galardonados el compositor Francisco Núñez y a los maestros María Teresa Rodríguez, Maritza Alemán y Mauro Delgado. Como parte del programa del evento, la Orquesta Sinfónica de aquella ciudad ofrecerá un concierto de gala, dirigido por Fernando Lozano (ganador de la distinción en 1994).
La medalla fue creada en 1991, por iniciativa del arquitecto Luis Ortiz Macedo, la Fundación Cultural Domecq (presidida por Don Antonio Ariza) y la Embajada de Austria. El propósito fue reconocer a los principales protagonistas de la música académica ante la ausencia de estímulos en esta escena.
Entre los galardonados en pasadas ediciones se encuentran Plácido Domingo, Francisco Araiza, Ramón Vargas, Leonardo Villeda, Jesús Suaste, Luis Herrera de la Fuente, Eduardo Mata, Enrique Bátiz, Fernando Lozano, Blas Galindo, Enrique Diemecke, Carlos Prieto, Francisco Savín, Mario Lavista, Federico Ibarra, Manuel Enríquez, Jorge Federico Osorio, Irma González, Olivia Gorra, los Niños Cantores de Viena, el Cuarteto Latinoamericano, Adrián Justus, José Antonio Alcaraz, Alfredo Harp, Daniel Catán y Rafael Solana.
Rodrigo Macías, director asistente de la OFUNAM, será el encargado de conducir el Programa no. 3 de la Primera Temporada 2011 del ensamble universitario. En esta ocasión, la orquesta interpretará el estreno en México de Time Machine de Otto Ketting, la Chacona de El violín rojo de John Corigliano (ejecutada por Sebastian Kwapisz) y la Sinfonía no. 6 Pastoral de Beethoven.
Los conciertos se llevarán a cabo el sábado 29, a las 20:00 horas, y el domingo 30 de enero, a las 12:00 horas. De esta manera la institución musical sigue celebrando sus 75 años de existencia. Clásica México tiene 5 entradas dobles para el primer concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y compartan con nosotros el nombre de su compositor ruso favorito. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Puesta en escena de Werther / Foto: Michel Cavalca / Fuente: www.opera-lyon.com
Rolando Villazón debutó como director de orquesta el lunes 24 de enero con la puesta en escena de Werther de Jules Massenet en la Ópera de Lyon en Francia. En congruencia con su estilo desenfadado, el tenor mexicano sorprendió a los asistentes caracterizando a varios de los personajes como payasos. Para el diseño del escenario utilizó pocos elementos entre los que destacó una enorme jaula con un columpio en el interior. El público correspondió al atrevimiento de Villazón con una ovación que se prolongó por más de 15 minutos.
La dirección orquestal estuvo a cargo del austríaco Leopold Hager, mientras que los papeles principales fueron interpretados por el tenor mexicano Arturo Chacón Ruiz, la mezzo-soprano francesa Karine Deshayes y la soprano belga Anne-Catherine Gillet.
Villazón evitó contar la historia de manera tradicional pues para él la ópera puede ser un espejo del subconsciente. El propósito de su primer montaje fue penetrar en él a través de diversos símbolos. Aunque ya ha recibido diversas ofertas para dirigir, el mexicano piensa concentrarse en su carrera como cantante y sólo repetir la experiencia cada dos o tres años.
La versión de Villazón se representará en ocho ocasiones en Lyon hasta el 7 de febrero. El tenor tiene repleta su agenda el resto del año, por lo que los rumores sobre un posible retiro tras la operación a la que se sometió en 2009 van quedando disipados.
La Orquesta Sinfónica Nacional regresa formalmente a su casa, el Teatro del Palacio de Bellas Artes, para abrir su Temporada anual de conciertos 2011.
Después de una larga espera, ha llegado el momento para los melómanos de valorar los trabajos realizados en el recinto, sobre todo en términos de acústica. En su programa inaugural, el ensamble interpretará Isla del gozo de Einojuhani Rautavaara, el Concierto para violín número 2 de Sergei Prokófiev y la Primera sinfonía de Dmitri Shostakóvich.
Los conciertos se llevarán a cabo el viernes 28 de enero, a las 20:00 horas y el domingo 29, a las 12:15 horas.
La orquesta dirigida por Carlos Miguel Prieto viene de un exitoso cierre de año con su participación en el concierto de clausura del Festival Internacional de Música de Morelia y la reinauguración del Palacio de Bellas Artes.
Jan Latham-Koenig, director huésped de la OFUNAM / Fuente: www.musica.unam.mx
Esta semana la OFUNAM continua con su Primera Temporada 2011 y nuevamente ofrecerá un par de conciertos dirigidos por el director británico Jan Latham-Koening. En esta ocasión el programa estará integrado por Obertura y Danza de las jóvenes persas de Khovantchina de Mussorgsky, la Suite de El lago de los cisnes de Tchaikovsky y Cuadros de una exposición de Mussorgsky (orquestada por Ravel).
De esta manera, Lathan-Koenig, uno de los directores británicos más respetados, cerrará su participación con el ensamble universitario, por lo que los conciertos del sábado 22 y domingo 23 constituyen una oportunidad única para apreciar en México el trabajo del titular de la Orquesta del Teatro Municipal de Santiago y la del Teatro Regio de Turín.
Clásica México tiene 5 entradas dobles para el primer concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y compartan con nosotros el nombre de su compositor ruso favorito. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Sábado 22 de enero, a las 20:00 horas, y domingo 23, a las 12:00 horas.
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) a la venta en las taquillas de la Sala.
50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente.
Programación sujeta a cambios.
Informes: 5622 7113 y www.musica.unam.mx
Con la presencia del director británico, Jan Latham-Koenig, y de la violinista alemana de origen coreano Suyoen Kim, la Orquesta Filarmónica de la UNAM ofrecerá un par de conciertos con los que dará inicio este fin de semana su Primera Temporada 2011.
Este año es de especial significación para el ensamble universitario pues se cumplirán siete décadas y media de su fundación. No existe otra orquesta con más tradición en la Ciudad de México.
La OFUNAM se constituyó oficialmente, con el nombre de Orquesta Sinfónica de la Universidad, en 1936, durante el sexenio de Lázaro Cárdenas. Sus primeros conciertos tuvieron lugar en el Anfiteatro Simón Bolívar bajo la dirección de José F. Vásquez y José Rocabruna. A lo largo de su historia la agrupación ha estado a cargo de directores tan importantes como Eduardo Mata, Enrique Diemecke, Eduardo Diazmuñoz, Jorge Velazco. Jesús Medina, Ronald Zollman, Zuohuang Chen y Alun Francis.
Se espera que la Dirección General de Música de la UNAM tenga preparadas diversas actividades para conmemorar la fundación de una de las instituciones culturales más importantes de la universidad y de la Ciudad de México.
Por lo pronto, el programa del primer concierto está integrado por las versiones orquestales de las Gimnopedias no. 1 y no. 3 de Satie (orquestadas por Debussy), la Gnossienne no. 3 del mismo compositor (transcrita por Poulenc), el Concierto para violín no. 3 de Saint-Saëns, el estreno en México de Sommerwind de Webern y Muerte y transfiguración de Strauss. Las presentaciones se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl el sábado 15 (20:00 horas) y el domingo 16 (12:00 horas) de enero.
Como es tradicional, Clásica México tiene 5 entradas dobles para el primer concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM y compartan con nosotros qué representa para ustedes la OFUNAM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Primera Temporada 2010 de la OFUNAM
Jan Latham-Koenig, director huésped; Suyoen Kim, violín
Sala Nezahualcóyotl
Sábado 15 (20:00 horas) y domingo 16 (12:00 horas)
Boletos: $240.00, $160.00 y $100.00
50% de descuento personal con credencial vigente a estudiantes y maestros en general, ex alumnos y trabajadores de la UNAM, jubilados ISSSTE, IMSS e INAPAM
Estudiantes $40.00 (Segundo piso, cupo limitado)
Admisión a niños mayores de 8 años de edad.
Mayores informes: 5622 7113 y en sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
La Orquesta Filarmónica de la UNAM celebrará las festividades navideñas con un concierto dirigido por su conductor asistente, Rodrigo Macías y en el que participará el violinista Sebastian Kwapisz.
El programa estará integrado por FanfarriUNAM, obra escrita por Eduardo Angulo para conmemorar el Centenario de la fundación de la Universidad Nacional de México; Air de la Suite orquestal no. 3, Jesús alegría de los hombres y Las ovejas pueden pacer en paz, conocida también como la Cantata de Cacería, obras de Johann Sebastian Bach. De Antonio Vivaldi se interpretará el Invierno de Las cuatro estaciones. También se llevará a cabo el estreno mundial de Goyas, Marcha a la UNAM de Arturo Márquez, obra comisionada para conmemorar el 100.° Aniversario de la Universidad Nacional de México. Para terminar, el ensamble universitario tocará la Suite navideña no.3 de Robert Russell Bennett y selecciones de El Mesías de Händel.
Las presentaciones se llevarán a cabo el sábado 18 de diciembre a las 20:00 horas y el domingo 19 a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto del sábado 18, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Conciertos de fin de año de la OFUNAM
Sábado 18 de diciembre, a las 20:00 horas, y domingo 19, a las 12:00 horas.
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.). Boletos ($240.00, $160.00 y $100.00) disponibles en la taquilla de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Se aceptan las tarjetas de crédito y débito Visa, Visa Electron y MasterCard. Acceso a niños mayores de 4 años de edad.
Informes: 5622 7113 y en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Riccardo Chailly / Fuente: www.riccardochailly.com
Una noche después del exitoso concierto que al frente de la Gewandhausorchester brindó en el complejo The Barbican, Riccardo Chailly se reunió con el Director General de Decca, Paul Moseley, para negociar la extensión de su contrato. El resultado fue que el italiano prolongará algunos años más su vínculo de casi 3 décadas con la disquera y los amantes de las grabaciones podrán disfrutar, en los próximos años, del lanzamiento de un nuevo ciclo de la sinfonías de Beethoven y de diversas obras de Hindemith, entre otras producciones.
“A través de casi 30 años de relación siempre he sentido que Decca ha estado lista para seguirme no sólo en el repertorio más difundido sino en nuevas y riesgosas aventuras discográficas. La renovación del contrato es una feliz continuación de esa filosofía”, comentó Chailly.
Paul Moseley mencionó que “aunque el maestro Chailly ha sido una parte importante de la familia de Decca por mucho tiempo, la firma de este contrato viene a rejuvenecer a la compañía con nuevos proyectos.”
Entre los planes de Decca también se encuentra la grabación de las 4 sinfonías de Brahms y el Réquiem de Verdi. En la totalidad de los registros participará la Orquesta de la Gewandhaus, de la cual es director titular Chailly.
En el marco de la celebración de su 81 aniversario, la Orquesta Sinfónica de Xalapa, dirigida por su titular Fernando Lozano, se presentará el jueves 9 de diciembre, a las 20:30 horas, en la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México para dar por concluida su Temporada 2010.
El programa estará integrado por la Obertura de La urraca ladrona de Rossini y el Concierto para orquesta de Lutoslawski, así como arias de Lucia de Lammermoor de Donizetti y de La Traviata de Verdi, interpretadas por la soprano Patricia Santos.
La Orquesta Sinfónica de Xalapa fue fundada el 21 de agosto de 1929 y es considerada la más antigua de México. Ha acompañado a importantes solistas como Pierre Fournier, Claudio Arrau, Mstislav Rostropovitch y Pablo Casals. Su primer director fue Juan Lomán y Bueno. Por su podio han pasado algunas de las batutas más importantes del país como José Ives Limantour, Luis Herrera de la Fuente, Enrique Diemecke, José Guadalupe Flores, Francisco Savín, y Carlos Miguel Prieto.
Entre los conductores invitados que han tenido la oportunidad de dirigirla se encuentran que Hermann Scherchen, Fritz Reiner, Neeme Jarvi, Julián Carrillo, y Eduardo Mata, entre muchos otros.
Orquesta Sinfónica de Xalapa
Jueves 9 de diciembre a las 20:30 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00, $160.00 y $100.00) están disponibles en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente.
Programa sujeto a cambios. Informes: 5622 7113 y en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Álvaro Bitrán/ Foto: Sergio Yazbek / Fuente: www.cuartetolatinoamericano.com
Por Álvaro Bitrán
Una de las pocas ventajas que le encuentro a pasar tantas horas solo en el auto, es el poder oír música de una manera íntima y profunda. Ese puede ser el momento ideal para escuchar con atención (¡y el volumen deseado! ) aquellas obras que han estado esperando su momento con paciencia, o simplemente el de abandonarse a la serendipia de la radio.
Anoche ya tarde, mientras regresaba bajo las luces amarillas y sucias de la Avenida Lázaro Cárdenas, me topé en Radio Nuevo León con mi grabación de Requiebros, una pieza de Gaspar Cassadó que grabé hace doce años y que aparece en mi CD “Canción sin Palabras”.
Aunque para ser franco, mi relación con Requiebros comienza aún mucho tiempo antes, cuando en mi juventud descubrí en ella un traje a mi medida.
El día que la oí por vez primera, supe que esa obra y yo íbamos a desarrollar una relación de amor importante y duradera. Durante muchos años la toqué con frecuencia y finalmente la grabé, dejando en ella una huella tan efímera como fiel de mi paso por el mundo en ese instante.
Recuerdo muy bien el día en que mi maestro János Starker, comentando telefónicamente el disco, me dijo: “…but what can I tell you about Requiebros?! that is your piece!…”
Requiebros (vocablo que significa piropos, galanterías) es una pieza breve para violoncello y piano, netamente española, con aire de Turina o talvez de Albéniz, llena de garbo, dulzura, virtuosismo, gestos grandilocuentes y recitativos.
Y esta noche, en la larga avenida, oigo en mí al Álvaro del ayer. Aquel lleno de energía, optimista, despreocupado, seguro de sí mismo, con buenas dosis de fantasía y otras más de vanidad. Lo veo con la camisa negra, la nariz inflada apuntando levemente hacia arriba, los ojos cerrados y las cejas cargadas de energía. Una pose llena de sí misma, pero a la vez exacta para el carácter de esa obra. Oigo al ser dulce, pero también al embriagado de sí. Ahí está el carácter español, exacto en su alma sefardita.
Hoy en día esa obra ya no me dice nada. Ha quedado vacía de contenido, cual una vasija otrora llena de vino y hoy rota en el desierto. Reconozco aún a quien la toca y admiro su estilo, aunque desde esta orilla del tiempo lo veo ya con una pizca de desdén.
Con la participación de la mezzosoprano Luz Vicarra, el guitarrista y compositor Francisco Villegas y la percusionista Elizabeth Magaña, la noche del viernes dio inicio el Festival Internacional de Música Antigua de Tlalmanalco.
El evento es impulsado por un patronato privado que busca difundir a través de la música el patrimonio cultural de aquel municipio del Estado de México. Ubicado en las faldas del volcán Iztlazihuatl, Tlalmanalco cuenta con una interesante arquitectura barroca y riquezas naturales.
Creado en 2008, en su segunda edición el Festival recibirá a diversos artistas nacionales e internacionales entre los que destacan el Ensamble Alharaca, Santiago Álvarez, Miguel Cícero, Hollving Argaez y Gabriel Morfín.
El concierto de clausura se llevará a cabo el 10 de diciembre y contará con la presencia del Coro de Madrigalistas del Instituto Nacional de Bellas Artes, dirigido por Horacio Franco.
Consulta el programa del festival.
Siguiendo el camino en el que Naxos y Deutsche Grammophon han incursionado previamente, Sony Music Entertainment ha lanzado su tienda en línea Ariama desde la que ofrece discos de más de 50 sellos. Este es quizá el rasgo que la distingue de otras iniciativas en su tipo, pues el portal distribuye música no sólo de sus asociados sino prácticamente de la totalidad de las más importantes casas disqueras.
Los melómanos pueden descargar material y, también, adquirir producciones en formatos físicos. Con el lema “Where the classical music lives” (Donde la música clásica vive), el portal ofrece también noticias y recomendaciones. Para orientar a los compradores en su búsqueda, los discos pueden ser buscados en la base de datos por distintas categorías como interpretes, directores, compositores, periodo histórico e instrumentación Por el momento, la tienda sólo brindará servicio a clientes en los Estados Unidos, aunque se tiene contemplado que paulatinamente expanda su cobertura.
Visita Ariama
El Cuarteto Latinoamericano / Foto: Marcelo Kohn / Fuente: www.cuartetolatinoamericano.com
Con dos presentaciones en el Colegio Nacional, el Cuarteto Latinoamericano cerrará su temporada 2010 en la que privilegió la interpretación de música mexicana en el marco del bicentenario de inicio de la gesta de independencia y el centenario del arranque de la Revolución Mexicana.
Los conciertos se llevarán a cabo el 7 y 9 de diciembre, a las 19:00 horas, en la sede del Colegio, ubicada en Donceles 104, en el Centro de la Ciudad de México. El ensamble interpretará música de Campa, Lobato, Gutiérrez Heras, Halffter, Márquez, Torres Sáénz, Paniagua, Ponce, Lavista y Coral. La entrada es libre.
Serge Krylov / Fuente: www.musica.unam.mx
El primer fin de semana de diciembre llega a su fin la temporada 2010 de la OFUNAM. En las dos últimas presentaciones del año, el ensamble universitario será dirigido por Moshe Atzmon, batuta huésped principal y recibirá la visita del violinista ruso Sergej Krylov
El programa estará integrado por el estreno de Salón Calavera de Jorge Torres (Obra comisionada por la UNAM para conmemorar el centenario del inicio de la Revolución Mexicana), el Concierto para violín de Mendelssohn y la Sinfonía fantástica de Berlioz. Las presentaciones se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur No. 3000), el sábado 4 de diciembre, a las 20:00 horas, y el domingo 5, a las 12:00 horas.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto del sábado 4, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Ceremonia oficial de reinauguración / Fuente: www.presidencia.gob.mx
Por el escenario del Palacio de Bellas Artes han pasado grandes personalidades de la música y las artes escénicas en el mundo. Desde Maria Callas, hasta Sergiu Celibidache, Rostropovich, Plácido Domingo o Gidon Kremer por mencionar sólo a algunos. Más allá de ser un enorme trozo de historia sembrado en el Centro Histórico, todos sabemos que entrar a esa caja de mármol era sinónimo de incomodidad y que al comprar un boleto para un concierto uno no podía esperar la mejor acústica y visibilidad.
Este rezago histórico por fin ha sido atendido. Con una inversión cercana a los 700 millones de pesos, el teatro fue remozado en todos sus aspectos. El número de butacas se redujo para ofrecer mejor visibilidad y mayor comodidad a los espectadores. Se le equipó con una nueva concha acústica y materiales viejos fueron sustituidos por madera para dotarlo de un mejor sonido. Nuevas tecnologías de iluminación, audio e ingeniería ofrecen variadas posibilidades para el montaje de toda clase de espectáculos en diversas disciplinas de las artes escénicas.
La ceremonia oficial fue encabezada por el presidente Felipe Calderón Hinojosa, Alonso Lujambio, Secretario de Educación Pública, y Consuelo Sáizar, presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Al término del acto protocolario la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Carlos Miguel Prieto, interpretó La Sinfonía India de Carlos Chávez, el estreno mundial de Duelo de Siglos, obra comisionada a Federico Ibarra, y El Huapango de José Pablo Moncayo. La segunda parte del programa correspondió a la Orquesta y el Coro del Palacio de Bellas Artes, bajo la dirección huésped del griego Niksa Bareza, que ejecutaron arias de Fidelio de Beethoven, Macbeth y Aída de Giuseppe Verdi, Carmen de Bizet y Cavalleria rusticana de Mascagni, entre otras.
El Gobierno Federal no ha dudado en manifestar que con los trabajos el teatro recupera su lugar como uno de los mejores teatros del mundo y uno de los más importantes en la escena mundial. Ahora, lo menos que podemos esperar es conciertos y puestas en escena a la altura del renovado Palacio de Bellas Artes.
Yoav Talmi / Fuente: www.musica.unam.mx
Este próximo fin de semana, la OFUNAM recibe la visita del isarelí Yoav Talmi, que funge como director artístico de la Sinfónica de Quebec y se ha presentado con ensambles tan importantes como la Filarmónica de Berlín, la Orquesta del Concertgebouw, la Sinfónica de Viena y la Nacional de Francia.
Talmi posee una discografía robusta, en la que destacan las oberturas y la Sinfonía Fantástica de Berlioz que realizó con la Sinfónica de San Diego para el sello Naxos, su Novena de Bruckner con la Filarmónica de Oslo, así como obras de Schoenberg y Chaikovsky para Teldec.
Al frente de la agrupación universitaria dirigirá la Obertura Egmont de Beethoven, el Concierto para violonchelo de Schumann (interpretado por Beverly Brown), la Suite no. 1 de Peer Gynt de Grieg, el Homenaje a Federico García Lorca de Revueltas y la Suite no. 2 de El sombrero de tres picos de Manuel de Falla.
Los conciertos se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur No. 3000), el sábado 27 de noviembre, a las 20:00 horas, y el domingo 28, a las 12:00 horas.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a CM. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Poseedores de un discografía impresionante, los integrantes del Cuarteto Latinoamericano van por su tercera década de carrera y concluyen este 2010 con diversas presentaciones y el lanzamiento de su primer DVD. El material tiene por título Visiones y contiene 10 obras breves de autores muy diversos como Manuel M. Ponce, Arturo Márquez, Gabriela Ortiz, Jorge Torres Sáenz, Ástor Pizzolla y Osvaldo Golijov, entre otros.
A diferencia de lo que suele ocurrir en esta escena musical, el registro de las imágenes y el audio no se realizó en vivo durante un concierto, sino en distintas locaciones de la Ciudad de México bajo el formato de videoclip. La producción ha sido posible gracias al apoyo del programa México en Escena del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y en su realización participan diversos cineastas y videoastas.
Si son aficionados del Cuarteto Latinoamericano busquen el material en la tienda de los tecolotes.
Camerata Wratislavia / Foto: www.festivalmorelia.com.mx
Previo al inicio del concierto de la Camerata de Wratislavia, en el marco del Festival Internacional de Morelia, el representante del ensamble comunicó al público la noticia del fallecimiento del compositor polaco Henryk Gorecki y solicitó un minuto de silencio. En una noche consagrada primordialmente a la música de aquel país, resultó significativo que la agrupación dedicara su presentación al compositor más destacado de esa tradición en las últimas décadas.
En su primera parte, el programa estuvo integrado por la Suite de San Pablo, Op.29 no.2, del compositor británico Gustav Holst, y el Concierto para piano no. 1 de Chopin interpretado por el joven Wojciech Kocyan.
Como uno de los signos distintivos de esta edición del Festival, la agrupación polaca interpretó música de un compositor mexicano. Así pues, el público tuvo la oportunidad de escuchar un arreglo para orquesta de cuerdas de la Sarabanda con variaciones que forma parte del Cuarteto Virreinal del músico michoacano Miguel Bernal Jiménez.
El ensamble dirigido por el clarinetista polaco Jan Jakub Bokun cerró su participación con la Serenata en mi bemol mayo, opus 6 de Josef Suk y Orawa de Wojciech Kilar.
La Camerata fue fundada por el violinista Jan Stanieda y desde 1996 se ha presentado con éxito desde en diversas ciudades europeas. En su visita al país también ofreció un concierto como parte del Festival Internacional Cervantino.
Anne-Sophie Mutter, Lynn Harrell y Yuri Bashmett / Foto: www.festivalmorelia.com.mx/
Con la presentación de la violinista alemana Anne-Sophie Mutter, el violonchelista estadounidense Lynn Harrell y el violista ruso Yuri Bashmet, dio inicio la XXII edición Festival Internacional de Música de Morelia Miguel Bernal Jiménez.
El concierto se llevó a cabo en el teatro Morelos en el marco de la gira que los tres músicos realizan por Norteamérica para interpretar los tríos para cuerdas compuestos por Beethoven.
El acto inaugural estuvo a cargo de Fausto Vallejo Figueroa, del presidente municipal de Morelia; Teresa Villavicencio Álvarez, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes; Miguel Bernal Macouzet, presidente del Patronato del Festival de Música de Morelia y Magdalena Ojeda Arana, presidente del DIF Michoacán, en representación del gobernador del Estado Leonel Godoy.
El auditorio pudo disfrutar del Trío para cuerdas en do menor, Opus 9 No. 3, la Serenata en re mayor para violín, viola y violonchelo y el Trío para cuerdas en mi bemol, Opus 3 de Beethoven.
La presentación de Mutter en el país, considerada una de las mejores ejecutantes de su instrumento, fue largamente esperada, pero no menos que la de Yuri Bashmett, para muchos el máximo exponente de la viola. Por su parte, Harrell es un violonchelista de 65 años que ha tocado los últimos cuarenta años lo mejor del repertorio para su instrumento en las principales capitales culturales del mundo y con los músicos más destacados de la escena de la música de concierto.
El trío de músicos se presentó una noche antes en Costa Mesa, California, por lo que su visita a la ciudad de Morelia se efectuó tras varias horas de viaje (primero a la Ciudad de México y luego al Estado de Michoacán). Visiblemente, cansada y un tanto malhumorada, durante la breve conferencia de prensa realizada al término del concierto, Mutter destacó su preferencia por la música de cámara sobre la orquestal, pues la considera una forma más íntima de expresarse. Entre los planes que a realizar en el futuro, la alemana manifestó que desea ejecutar los cuartetos para cuerda de Beethoven, cuando se encuentre en un momento de mayor madurez artística. Al ser cuestionada sobre su impulso a la música contemporánea, Mutter respondió que el verdadero maestro en ese campo es Yuri Bashmet quien ha estrenado más de 50 obras de compositores de nuestro tiempo.
La violinista se presentará el día de mañana con Lambert Orkis para interpretar obras de Brahms en un concierto que tendrá lugar en el John F Kennedy Center Concert Hall de la ciudad de Washington. El domingo, Mutter, Harrell y Bashmet ofrecerán en el Avery Fisher Hall de Nueva York el mismo programa que brindaron en Morelia.
El Festival, que celebra el primer centenario del nacimiento del compositor michoacano Miguel Bernal Jiménez, continuará hasta el 27 de noviembre. Su programación presentará más de 60 conciertos que podrán ser disfrutados por más de 70 mil asistentes y por millones de radioescuchas y televidentes.
Si desean conocer la programación completan visiten el sitio oficial
Además de ser el proveedor y distribuidor más importante de instrumentos y equipos de audio en México, Casa Veerkamp ha construido con el paso del tiempo una importante colección que da cuenta de parte de la historia músical del país. En una acertada iniciativa, la empresa ha decidido trabajar en la organización y catalogación de ese acervo y habilitar una sala de exposiciones en la tradicional tienda de Mesones 21 para compartir con los melómanos los resultados de ese trabajo. La investigación y curaduría están a cargo de Christiane Cazenave-tapie y Ariadna Walls.
El espacio abrió sus puertas en 2009 y a la fecha se han realizado dos exposiciones temporales. En este mes de diciembre, y en el marco de la conmemoración del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana, se estrena la tercera de ellas: Anécdotas de México, un popurrí.. La exposición, integrada por fotografías, objetos e indumentaria, está basada en textos relativos a corridos y canciones que cuentan la historia de México a través de distintos periodos. Estará abierta hasta el mes de febrero de 2011. La entrada es libre.
Daniel Barenboim y Max Hole, ejecutivo de Universal / Foto: Stefan Hoederath/ Fuente: Universal Music
Daniel Barenboim ha firmado un contrato con Universal que hará posible que Deutsche Grammophon y Decca Classics lancen nuevas producciones del pianista y director argentino-israelí durante 211 y 2012. Entre las obras que grabará se encuentran los conciertos para piano de Liszt y Chopin, así como un nuevo ciclo de las sinfonías de Beethoven, esta vez con la West-Eastern Divan Orchestra. De igual forma, Barenboin también volverá a dirigir las sinfonías de Bruckner con la Berlin Staatskapelle.
El contrato se ha cristalizado en el marco del próximo aniversario 60 del debut de Barenboim en los escenarios. El disco que inicia las celebraciones está dedicado a Chopin e incluye un recital ofrecido en Varsovia, así como dos conciertos con la ya referida Capella Estatal de Berlín. En 2011 se celebra el bicentenario del nacimiento de Liszt y Barenboim grabará obras para piano solo, así como los dos conciertos escritos por el compositor nacido en Hungría.
El músico declaró sentirse muy feliz y agradecido por fortalecer su relación con las dos grandes compañías disqueras. Barenboim realizó su primera grabación en la década de los 50 para el sello Philips que hoy forma parte del grupo Universal por lo que comentó que este nuevo contrato representa un regreso a casa.
Fuente: www.musica.unam.mx
El Ensamble de Cámara de la OFUNAM está conformado por un grupo de músicos que además abordar el repertorio sinfónico se dan tiempo para interpretar y disfrutar obras de carácter más íntimo. En el marco del ciclo El Niño y la Música, organizado por la Dirección General de Música de la UNAM, el Ensamble dirigido por René Torres, presentará un programa dedicado al compositor veracruzano Francisco Gabilondo Soler. El evento se llevará a cabo en la Sala Nezahualcóyotl, el domingo 7 de noviembre, a las 18:00 horas y contará con la participación de la soprano Lourdes López, la mezzosoprano Lilia del Carmen Gutiérrez, la contralto Alma Zúñiga, el Coro infantil y juvenil Cantares y la narradora Laura Sosa. No se lo pierdan, si tienen ganas de volver a escuchar temas como Di por qué, Caminito de la escuela y La muñeca fea.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a Clásica México y mencionen su canción favorita de Cri Cri. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Mi nombre es Cri Cri
Domingo 7 de noviembre a las 18:00 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($200.00 y $130.00) están disponibles en la taquilla de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Acceso a niños mayores de cuatro años de edad. Informes: 5622 7113 y www.musica.unam.mx
Integrantes de la OFUNAM / Fuente: www.musica.unam.mx
Esta semana la OFUNAM consagra su programa al periodo clásico y ofrece obras de Mozart y Beethoven. Bajo la batuta de su director huésped, Moshe Atzmon, y con la participación de la violinista Patricia Kopatchinskaja y el pianista Fazil Say, el ensamble universitario interpretará la Obertura de Don Giovanni y el Concierto para violín no. 4 de Mozart, así como el Concierto para piano no. 3 y la Obertura Leonora no. 3 de Beethoven.
Los concierto se llevarán a cabo en la Sala Nezahualcóyotl el sábado 6 (20:00 horas) y el domingo 7 (12:00 horas) de noviembre.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a Clásica México y mencionen su obra favorita de Mozart. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
The Molitor / Fuente: www.tarisio.com
Si alguno de ustedes tiene tres millones y medio de dólares que le sobren y desea invertir en equipo, entonces debe saber que ha perdido la oportunidad de adquirir en subasta The Molitor, un violín Stradivarius construido en 1667. Se cree que, como otros instrumentos fabricados por la célebre familia de lauderos, el violín perteneció a Napoleón Bonaparte. En 1804, en condiciones desconocidas, pasó a manos del conde Gabriel-Jean-Joseph Molitor, soldado de la armada del emperador. En el siglo XIX el instrumento fue propiedad de Juliette Récamier, una mujer de ideas socialistas y benefactora de las artes. En el siglo XX tuvo varios dueños, incluso permaneció en préstamo en el Instituto Curtis para que alumnos destacados pudieran tocarlo (entre los que se encuentra Jascha Brodsky).
Su último propietario fue el violinista estadounidense Elmar Oliveira que lo utilizó para presentarse en salas de concierto y grabar hasta que en 1994 adquirió el Stretton del laudero Guarneri del Gesú. De esta manera Oliveira decidió vender su Strad a través de Tarisio. La violinista californiana Anne Akiko Meyers pagó 3.6 millones de dólares por el instrumento lo que constituye un nuevo récord para una subasta de un stradivarius (200 mil dólares más que los 3.4 millones ofrecidos por el violín The Hammer subastado por Christie’s en 2006). Dice ella que fue amor a primera escucha.
Joan Sutherland / Fuente: www.deccaclassics.com / Foto: Tony Hauser
Tristemente nos enteramos de la muerte de la soprano Joan Sutherland (1926-2010) que con Maria Callas es recordada como una de las figuras más representativas del mundo de la ópera de la posguerra.
Nacida en Sidney, Sutherland debutó en aquella ciudad 1947 en el papel de Dido en una versión de concierto de la ópera Dido y Eneas de Purcell. Su primer aparición en el escenario se llevó a cabo en Judith del compositor británico Eugene Aynsley Goossens. Cursó estudios en la Escuela de Ópera del Colegio Real de Música de Londres. Obtuvo trabajo con la Ópera Real del Covent Garden con la que debutó en 1952 y realizó pequeños papeles.
Sutherland intentó incursionar en el repertorio wagneriano, pero fue su marido el pianista Richard Bonynge quien la convenció de consolidarse como una soprano de coloratura. Construyo un repertorio diverso a partir de la interpretación de óperas de autores tan distintos como Verdi, Weber, Poulenc, Britten, Händel y Tippett (quien escribió para el papel de Jenifer de la ópera The Midsummer Marriage).
Muy recordadas son su participación como Lucía di Lammermoor en la producción de Franco Zefirrelli, dirigida por Tullio Serafin de 1959 que le aseguró un lugar en las más importantes casas de ópera del mundo. También resultan muy apreciadas sus participaciones como Fenice en Alcina de Händel, después de la cual comenzó a ser llamada La Stupenda; La Traviata y Rigoletto de Verdi, Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach, Norma de Bellini y La hija del regimiento de Donizetti por mencionar sólo algunas. Sin embargo, Sutherland declaró en una entrevista realizada por The Guardian en 2002 que su mayor éxito fue la interpretación de Esclarmonde de Massenet.
Su retiró de los escenarios se produjo en 1990 ofreciendo una representación de Die Fledermaus en el Covent Garden, al lado de la mezzosoprano Marilyn Horne y el tenor también ya desaparecido Luciano Pavarotti.
Su muerte ocurrió el 10 de octubre en su casa cercana a Montreaux, Suiza.
Foto: Kate Glicksberg / Fuente: The New York Times
Después del recordado ciclo de los conciertos para alientos de Mozart que ofrecieron en la sala Nezahualcóyotl en 2006, la Academia de Música Antigua de Berlín regresa a la Ciudad de México para ofrecer una única presentación en la que interpretarán El arte de la fuga de Bach que se llevará a cabo en la Sala Nezahualcóyotl el domingo 24 de octubre a las 18:00 horas.
La Academia (la Akademie für Alte Musik Berlin), también conocida como Akamus, se formó en 1982 cuando jóvenes músicos integrantes de varias orquestas de Berlín Oriental se reunieron con el propósito de crear una orquesta independiente especializada en el repertorio de música antigua.
Akamus está inspirada en las academias musicales del tiempo de Federico el Grande de Prusia en las que se realizaban veladas durante las cuales profesionales y melómanos se reunían para discutir sobre diversos aspectos de la música e interpretar sus obras favoritas. Sus integrantes se juntan para hablar y decidir conjuntamente sobre la ejecución de las obras que integran sus programas, pues el ensamble carece de un director.
Su labor comenzó cuando la interpretación de música antigua con instrumentos y técnicas originales aún no estaba del todo difundida. Desde la reunificación de Alemania, la Academia se ha presentado en las más importantes salas de concierto de Europa, Asia y América. Ha colaborado con músicos tan importantes como la mezzosoprano Cecilia Bartoli y recibido múltiples reconocimientos por sus grabaciones, como el Deutscher Schallplattenpreis, el Diapason d’Or, y los premios Cannes Classical, Grammophone, Edison y Grammy por su disco Gluck Italian Arias en colaboración con Bartoli.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a Clásica México y mencionen su obra favorita de Bach. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Orquesta de Jazz del Concertgebow / Fuente: www.musica.unam.mx
Los amantes de la música de Gil Evans, Miles Davis, Gery Mulligan y Duke Ellington podrán disfrutar el próximo jueves 21 de octubre la visita a la Ciudad de México de la Orquesta de Jazz del Concertgebouw.
Constituido en 1996, el ensamble adoptó el nombre de Orquesta de Jazz del Concertgebouwy desde entonces ha trabajado con importantes exponentes de la escena como Chick Corea, Branford Marsalis, McCoy Tyner, Lew Tabackin, James Carter, Richard Galliano, Toots Thielemans y Johnny Griffin. Cada año ofrece más de 30 conciertos en diversas ciudades del mundo que son disfrutados por más de 35 mil personas.
Antes de presentarse como parte del elenco del Festival Internacional Cervantino, la agrupación dirigida por Hendrik Jan Meutgeert recala en la Ciudad de México para ofrecer un concierto en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.) el jueves 21 de octubre a las 20:30 horas.
El programa estará integrado por Birth Of The Cool Theme y Blues for Pablo de Gil Evans, Deception, Boplicity y Budo de Miles Davis, Jeru, Rock Salt y Venus de Milo de Gery Mulligan, Caravan y In a Sentimental Mood de Duke Ellington, Move de Denzil Best, Israel de John Carisi y Moondream de Chummy MacGregor y Johnny Mercer.
Clásica México tiene 5 pases dobles para el concierto, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a Clásica México y mencionen su pieza predilecta de Miles Davis. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Orquesta de Jazz del Concertgebouw
Jueves 21 de octubre a las 20:30 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.)
Los boletos ($200.00, $130.00 y $90.00) están disponibles en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Se aceptan las tarjetas de crédito y débito Visa, Visa Electron y MasterCard.
Informes: 5622 7113 y www.musica.unam.mx
Hopkinson Smith/Foto: Giancarlo Rado/ Fuente: www.hopkinsonsmith.com
En el marco del ciclo de Conciertos Internacionales de la Dirección de Música de la UNAM, el reconocido músico norteamericano Hopkinson Smith ofrecerá un recital en el que interpretará piezas del Renacimiento italiano y español.
Nacido en Nueva York, Hopkinson Smith cursó estudios en Harvard, donde se tituló con honores en 1972. Su formación continuó en Europa. En Cataluña estudió con Emilio Pujol y en Suiza con Eugen Dombois. Ha colaborado en diversos ensambles de música de cámara, entre los que destacan Hespèrion XX del cual fue integrante fundador. Desde la década de 1980, ha enfocado su atención en el repertorio solista para vihuela, guitarra barroca, laúd y otros instrumentos de cuerdas punteadas.
Ha efectuado numerosas grabaciones entre las que destacan sus arreglos para laúd de las Sonatas y partitas para violín solo de Bach, obras para laúd renacentista publicadas por Pierre Attaingnant, música de John Dowland y de Francesco da Milano. Entre los diversos reconocimientos, ha recibido el Diapason d’Or en varias ocasiones.
El concierto se realizará el sábado 16 de octubre a las 18:00 horas en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Gabriela Ortiz, compositora / Fuente: www.gabrielaortiz.com
Como parte del Programa no. 2 de su Segunda Temporada 2010, este fin de semana la OFUNAM estrenará Luz de lava de la compositora mexicana Gabriela Ortiz. El trabajo ha sido comisionado para celebrar el primer centenario de la Universidad Nacional Autónoma de México. En la ejecución de la obra participarán la soprano Irasema Terrazas, el flautista Alejandro Escuer y el Coro de Cámara de la Escuela Nacional de Música, bajo la dirección de Samuel Pascoe.
Al frente del ensamble sinfónico estará Rodrigo Macías, que también dirigirá Una saga de Jean Sibelius y el Concierto para contrabajo del compositor estonio Eduard Tubin, interpretado por Alexei Diorditsa.
Los conciertos tendrán lugar el sábado 16 de octubre a las 20:00 horas y el domingo 17 a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Como ya es tradición, en Clásica México tenemos 5 pases dobles para el concierto del día sábado, cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM. Si desean participar, envíen un correo electrónico a Clásica México y mencionen su obra favorita de Gabriela Ortiz. No olviden incluir su nombre completo. Los primeros 5 mensajes se harán acreedores a un pase doble. Los ganadores serán notificados por mail.
Juan Diego Florez y Juan Carlos Lomónaco / Foto: Nicolás Turchetto / Fuente: Ocesa
La Ciudad de México tuvo que esperar 7 largos años para que el tenor peruano Juan Diego Flórez regresará a brindar un concierto después de su recordada presentación en la Sala Nezahualcóyotl, realizada en 2003.
Acompañado de la Orquesta Sinfónica de Yucatán, bajo la dirección de Juan Carlos Lomónaco, el que es considerado por muchos el más apreciado belcantista de la actualidad se presentó con gran éxito la noche del domingo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.
Juan Diego Flórez interpretó selecciones de óperas de Gioacchino Rossini y Gaetano Donizetti. Además de abordar el repertorio belcantista, también se dio tiempo para cantar algunas piezas de música popular latinoamericana como Ella de José Alfredo Jiménez, La flor de la canela de Chabuca Granda y Alma llanera de Pedro Elias Gutiérrez.
El público recibió con una cálida ovación al peruano aún antes de que interpretara una sola nota y le manifestó su admiración durante el resto de la velada; también reconoció el trabajo de Juan Carlos Lomónaco y la Sinfónica de Yucatán que interpretaron el Huapango de Moncayo así como el Danzón No. 2 de Márquez, entre otras piezas.
Flórez se presentará en Chile antes de regresar a Europa para cerrar su temporada 2010 con conciertos en Viena y Zurich.
Rebecca Miller / Fuente: www.musica.unam.mx
Rebeca Miller es la ganadora de la última edición del Premio internacional Eduardo Mata de Dirección de Orquesta y este próximo fin de semana será la encargada de dar inicio a la Segunda Temporada 2010 de la OFUNAM.
Nacida en los Estados Unidos, Miller realizó sus estudios en el Conservatorio Oberlin y en la Universidad de Northwestern. En Londres tuvo la oportunidad de colaborar con Bernard Haitink, Andrew Litton y Roger Norrington. También fue Directora Asistente en la Escuela Internacional de Ópera Benjamin Britten.
Entre los conductores con los que ha tomado clases magistrales se encuentran Esa Pekka Salonen, Jorma Panula y Sir Colin Davis. Desde 2007 ha sido Directora Residente de la Orquesta Filarmónica de Louisiana. Adicionalmente, ha sido invitada a trabajar con la London Sinfonietta, la Orquesta Sinfónica de Williamsport y la Sinfónica de Houston.
En 2009 ganó, de manera conjunta con Vytautas Lukocius, el Premio internacional Eduardo Mata de Dirección de Orquesta y, como parte de dicho reconocimiento, tendrá la oportunidad de presentarse con diversas orquestas iberoamericanas.
El programa está integrado por selecciones de Romeo y Julieta de Prokofiev, el Concierto para corno no. 3 de Mozart, (con el cornista Mateo Ruiz como solista) y Scheherezade de Rimsky-Korsakov.
Para celebrar los 5 años de vida de Clásica México, como una cortesía de la Dirección General de Música de la UNAM, tenemos pases dobles para las primeras 5 personas que escriban un un correo electrónico y nos compartan qué significa Clásica México en sus vidas. No olviden incluir su nombre completo. Los ganadores serán notificados por mail.
Rebecca Miller
Orquesta Filarmónica de la UNAM
Segunda Temporada 2010
Sábado 9 de octubre a las 20:00 horas y domingo 10 a las 12:00 horas,
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($240.00 $160.00 y $100.00) están a la venta en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente.
Programación sujeta a cambios. Informes: 5622 7113 y en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM www.musica.unam.mx
Capella de Ministrers / Fuente. www.capelladeministrers.com
La Capella de Ministrers es un ensamble con más de dos décadas de labor ininterrumpida en la escena internacional. Se ha especializado en la interpretación del repertorio musical español anterior al siglo XIX. La agrupación, dirigida por Carles Magraner, ha ofrecido más de 700 conciertos desde su creación en 1987; también cuenta con una extensa discografía que le ha valido el reconocimiento del público y la crítica especializada.
Durante el mes de noviembre se presentarán en el marco del XXII Festival de Música de Morelia. El concierto, bajo la dirección de Carles Magraner, tendrá lugar el 26 de noviembre de 2010 a las 20:30 horas, en la Biblioteca Pública de esa localidad.
El programa que se interpretará se titula “Fantasiant. Música Española renacentista en tiempo de los Reyes Católicos” e incluye, entre otras, piezas musicales del Cancionero Musical de Palacio, uno de los principales legados artísticos que han quedado de la época de los Reyes Católicos.
Conoce el trabajo de Capella de Ministrers
En el marco de los festejos del 50° aniversario de la Filmoteca de la UNAM, la Orquesta Filarmónica de la máxima casa de estudios, bajo la batuta de su director asistente Rodrigo Macías, musicalizará la proyección del filme La Nueva Babilonia de Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg que se llevará a cabo en la Sala Nezahualcóyotl el 2 y 3 de octubre.
La partitura original de la película, fue encontrada recientemente y es obra del composior ruso Dmitri Shostakovich. La Nueva Babilonia es la representación metafórica de la Comuna de París, experimento social que fue considerado por los bolcheviques como el antecedente más importante de la revolución soviética. Con una riqueza visual impresionante, se nos presentan las grandes contradicciones sociales y la lucha proletaria
La copia de la película que se proyectará es propiedad de la Filmoteca de la UNAM; su restauración ha sido posible gracias al trabajo conjunto con las cinematecas Suiza y de Bolonia.
La Nueva Babilonia
Con música en vivo interpretada por la OFUNAM.
Sábado 2 de octubre a las 20:00 horas y el domingo 3 a las 12:00 horas
Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Boletos ($300.00 $200.00 y $100.00) están a la venta en las taquillas de la Sala con el 50% de descuento personal a maestros y estudiantes en general; ex alumnos y trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente.
Informes: 5622 7113 y en el sitio de la Dirección General de Música de la UNAM
Cada año el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez busca brindar una muestra representativa del panorama actual de la composición musical en México y el mundo. Para tal fin, compositores e intérpretes proponen obras que no hayan sido estrenadas en el país y que por su calidad merezcan ser interpretadas en el encuentro. El programa de cada edición es elegido por un jurado que delibera de acuerdo a reglas de participación previamente definidas por las instituciones participantes.
Recientemente el Foro ha dado a conocer las bases de participación para su edición número XXXIII que se llevará a cabo del 3 al 19 de junio de 2011. Los compositores e interpretes que deseen participar deberán entregar la propuesta, acompañada de la documentación correspondiente en un plazo no mayor al 12 de noviembre de 2010.
Las obras seleccionadas se darán a conocer publicada entre el 15 y el 30 de enero de 2011, en un diario de circulación nacional, así como a través de las páginas electrónicas de las instituciones organizadoras.
Si desean consultar la convocatoria visiten el sitio del Foro de Música Nueva
Del 27 al 30 de octubre se realizará en México el Congreso Internacional de Musicología. El evento está organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez” (CENIDIM) y la Sociedad Internacional de Música (IMS).
En el marco de la conmemoración del Bicentenario del inicio de la gesta de independencia, el tema sobre el que versarán las ponencias será los 200 años de música en América Latina y el Caribe.
Para conocer el programa completo de actividades naveguen por el sitio del Comité Organizador
James Levine / Fuente: www.metoperafamily.org/metopera/
En estos tiempos de movilidad e incertidumbre laboral que alguien cumpla cuarenta años en un mismo trabajo resulta un hecho singular. Si ese individuo trabaja para la casa de ópera más importante del mundo, entonces merece una mención especial. James Levine inició su aventura con el Met el 5 de junio de 1971, fecha en la que dirigió Tosca de Giacomo Puccini. Para celebrar estas cuatro décadas de colaboración, realizará una gira a Japón en la que dirigirá entre otras obras el Don Carlo de Verdi. El Metropolitan Opera House ha preparado una edición especial para homenajear a su director musical con 21 DVD’s que contienen una selección de 11 de sus trabajos más recordados.
Para conocer las grabaciones que integran esta antología visiten el sitio del Metropolitan Opera House.
Bryn Terfel / Fuente: www.metoperafamily.org/metopera/
El Metropolitan Opera House es una institución que se ha preocupado por difundir sus puestas en escena entre aquellos que no tienen la posibilidad de asistir a su sede en el Lincoln Center en la ciudad de Nueva York. Primero fueron las ya tradicionales transmisiones radiales, iniciadas en 1931. Gracias a ellas millones de amantes del arte lírico han estado pendientes, sábado a sábado, de lo que sucede en aquellos escenarios. A partir de la década de los 60 fue el turno de la televisión que llevó a los hogares estadounidenses algunas galas significativas y realizó unas cuantas series.
Este ímpetu por compartir inició una nueva etapa cuando el 30 de diciembre de 2006 el Met realizó su primera transmisión en Alta Definición La Flauta Mágica de Mozart en la producción de Julie Taymor). Desde entonces cada vez más personas alrededor del mundo han disfrutado, año con año, de la oportunidad de meterse hasta la cocina misma de la casa de ópera. A través de una cuidada producción audiovisual, es posible escuchar tras bambalinas entrevistas a los cantantes favoritos mientras se preparan para salir a escena. Las pantallas gigantes permiten distinguir detalles que no pueden apreciarse en el teatro. Y, por supuesto, la experiencia se complementa con un audio de gran calidad. Todo por un precio accesible.
El próximo mes de octubre, el proyecto inicia su quinta temporada. Se espera que la recaudación supere los 20 millones de dólares y que un millón de personas, aproximadamente, en más de 700 teatros y auditorios de 4 continentes disfruten de un total de 12 presentaciones. El programa luce más que interesante e incluye 7 nuevas producciones entre las que destacan la puesta en escena de Robert Lepage de El Oro del Rin de Wagner, la versión de Willy Decker de La Traviata de Verdi y el estreno en el Met de Nixon en China de John Adams.
En México, será posible seguir las transmisiones en el Auditorio Nacional del Distrito Federal y el Teatro Diana en Guadalajara. Estoy seguro que después de asistir a la primera fecha se volverán asiduos seguidores de la casa de ópera más importante del mundo.
Para conocer las fechas, sedes y costos, echen un vistazo en Ticket Master
Music Is The Key
The Cantata Pilgrims observed the festival of Whitsun in the English county of Suffolk. Whit Sunday itself, and the Monday following, were spent at Long Melford and the concerts on those days were contained in Volume 26 of this series. The next day the pilgrimage fetched up at another church in the county, at Blythburgh. Bach left only two cantatas for Whit Tuesday. In order to complete the programme Sir John elected to begin the proceedings with the Third Brandenburg Concerto. This was a very logical choice, not least because Bach had used the first movement of the concerto as the sinfonia to cantata BWV 174, which the Pilgrims had performed just the day before. In its original scoring for three each of violins, violas and celli, it is given a sprightly performance here. The two cantatas that follow are both inspired by the gospel for the day, which is found in St. John’s Gospel, chapter 10, and which treats of Christ as the Good Shepherd. BWV 184, which is packed with pastoral imagery, opens with a wonderfully expressive and extended tenor recitativo, in which the singer is tellingly accompanied by a chirruping pair of flutes. This movement finds Christoph Genz in eloquent form. Even more engaging is the duet that follows. Here Gardiner and his players give an object lesson in the use of accents and dynamics to move the music forward with grace and purpose. The rhythms are lifted quite marvellously but it all sounds very natural. Lisa Larsson and Nathalie Stutzmann blend their voices delightfully but the eager, smiling tone of Miss Larsson ravishes the ear particularly. The text speaks of Christ’s ‘glückselige Herde’ (“happy flock”) and here the performers make what Alfred Dürr as described as a shepherd’s dance leap off the page. Later in the cantata comes a tenor aria with violin obbligato. Dürr says that this “forms rather a colourless impression” but that’s not how it comes across on this occasion. Genz, Gardiner and the violinist (Kati Debretzeni?) imbue the music with a light, airy feel. The cantata ends not with a chorale – that forms the penultimate movement – but with a choral gavotte, though I have to say that it would require fairly sprightly dancers to be able to dance to this music at the lithe pace set by Gardiner. BWV 175 is also replete with pastoral and shepherdly images. The first substantial movement is a yearning 12/8 alto aria in which the soloist, accompanied by a trio of recorders, longs for verdant pastures. Nathalie Stutzmann sings this quite beautifully, investing the music with lovely tone and just the right degree of emotional charge. Later comes a tenor aria for which Bach specifies a violoncello piccolo obbligato. Both singer and player are required to reel off almost endless passagework in a very demanding bit of writing. Christoph Genz and his cellist partner are fully equal to the challenges of this piece. Rather oddly, perhaps, Bach introduces a pair of trumpets for the bass aria. This is quite lavish scoring for just one movement but it’s a fine piece, celebrating the victory of Christ over death and the devil and it’s given full value here by Stephen Loges and the trumpet choir. A few days later Gardiner and his team had moved north. In fact they reached the most northerly point on the whole pilgrimage, arriving at Kirkwall in Orkney to mark Trinity Sunday. This was a journey that was fraught with difficulties because unexpected last minute travelling delays meant that they were unable to fly to Orkney until the very day of the concert, thereby greatly foreshortening the amount of available rehearsal time and, surely, tiring out everyone in the party. All I can say is that these extraneous problems do not seem to have affected the quality of the music making in the slightest. The opening cantata, BWV 194, was adapted by Bach from a longer cantata which was originally written for Cöthen some time between 1717 and 1723. In 1723 he employed the cantata for a service to celebrate the inauguration of a new organ at Störmthal near Leipzig and the following year he made a foreshortened version, cut down from the original twelve movements to just six, for his first Trinity Sunday in Leipzig. The cantata begins imposingly with a stately orchestral introduction in the style of a French Overture. Dotted rhythms predominate and I like Gardiner’s tempo, which accentuates the grandeur but at a sufficiently lively tempo to avoid any pomposity. Without a break a vigorous, celebratory chorus follows, superbly sung, before the orchestral material is reprised. This is a most impressive opening. The first aria, ‘Was des Höchsten Glanz erfüllt’ (‘What the Highest’s light has filled’) is given to the bass, here the ever-reliable Peter Harvey. This is in Gardiner’s words, “one of those spacious, pastoral 12/8 movements.” Harvey sings this graceful, delightful aria with dignity, understanding and a lovely, even tone. The soprano soloist, Ruth Holton, has previously been encountered in Vol. 21 (see review). She has rather a light voice and it’s well suited to the demands that Bach makes of his soloist in the aria ‘Hilf, Gott, dass es uns gelingt’ (‘Grant, O God, that we succeed’) where vocal agility is a prerequisite. When we reach BWV 176 there’s another demanding soprano aria and here I thought I detected occasional signs that Miss Holton was a bit pressed by the writing. On the other hand, the singing of the Monteverdi Choir in the opening chorus personifies assurance and conviction. This cantata is inspired by the gospel of the day (St. John, chapter 3), which relates the story of Christ’s conversation with Nicodemus. It is instructive, perhaps, that in the bass recitative (movement IV) Bach added a final line to the librettist’s text, paraphrasing a line from the gospel: “For all who but believe in You shall not be lost”. There’s a fine alto aria, accompanied by a trio of oboes, playing in unison, and Daniel Taylor does this very well. As Gardiner puts it “[Bach] signs off his second Leipzig cycle with this cantata crammed with provocative thoughts and musical exegesis.” Next comes BWV 165, a much earlier piece that dates from Bach’s time at Weimar. Watery images abound in the text for this cantata, not least in the fluid soprano aria with which the piece opens. It’s a demanding piece and I like the vocal purity that Ruth Holton brings to it. Daniel Taylor impresses once again in the aria ‘Jesu, der aus grosser Liebe’, with its spare accompaniment by continuo only. The cantata contains two important recitatives for the bass soloist and Peter Harvey despatches both eloquently. The final offering, BWV 129, is probably the best known of these cantatas. It’s another Leipzig piece, setting five stanzas from a 1665 hymn. Trinity Sunday is such an important feast in the Lutheran calendar that it’s slightly surprising, on the face of it, that this is the only surviving cantata for that day in which Bach pulls out all the celebratory stops. Here he adds three trumpets, drums, a flute and a pair of oboes to the orchestra and begins with a festive chorale fantasia. The choral sopranos have the cantus firmus around which the orchestra and the rest of the choir scurry jubilantly. There are no recitatives in this cantata but instead there are three fine arias. Those for bass and soprano are well done by Peter Harvey and Ruth Holton respectively but it’s to Daniel Taylor that the plum aria falls. He sings it beautifully and the gorgeous oboe d’amore obbligato is a perfect foil. However, for once I find myself a little unsettled by Gardiner’s tempo. It just seems a notch on the hasty side and as a result the expressive oboe line, in particular, doesn’t quite make the expressive points that I’d hoped to hear. The concluding chorale is splendidly festive, providing a joyous conclusion to what Gardiner aptly describes as “a genial, uplifting work”. He records in his notes that the Kirkwall audience ”seemed a little resistant to the music’s charms.” I can’t imagine for the life of me why this should have been the case because I concur with his view that the performance, like everything else on the disc, was “spirited.” Yet again there’s some incomparable music on both these discs and the standard of performance is uniformly high. Wherever they went on their pilgrimage Sir John and his team dispensed enlightenment and musical experiences that were as enriching as they were enjoyable. Collectors of this ever-impressive series should not hesitate to add this latest volume to their collection. (John Quinn, MusicWeb International)
It’s a measure of the importance of Whitsun in the Lutheran calendar that, like Christmas and Easter, the feast was celebrated over three days. This latest release in the Bach Cantata Pilgrimage series consists of two concerts given on consecutive days in the same venue, Holy Trinity Church, Long Melford, in Suffolk details. This noble church, much lauded by Simon Jenkins in his book, England’s Thousand Best Churches, is one of the so-called Wool Churches and is mainly late-Perpendicular in style. Readers who have been following the reviews of this series to date will know that one of its many notable features is the booklet notes. These are taken from a journal that Sir John Eliot Gardiner compiled during the Pilgrimage. It seems to me that his notes for this present volume are the finest to date. He writes with particular eloquence about the feast of Pentecost and Bach’s music for the festival and he’s particularly adept on this occasion at pointing out resonances between the theology of the feast, Bach’s music and the venue for the concerts. The first concert – and CD – consisted of cantatas for Whit Sunday itself. Proceedings get off to a joyous start with the exuberant, trumpet-led chorus that opens BWV 172. The rhythms bounce infectiously and the trumpets ring out festively. The first aria in this cantata is one of Bach’s puissant bass and trumpet arias, ‘Heiligste Dreieinigkeit’. This is authoritatively dispatched by the German-born Greek bass, Panajotis Iconomou, a singer that I can’t recall hearing before, though he was a finalist in the BBC Cardiff Singer of the World competition in 2001. After this Bach provides respite and refreshment in the form of the easeful tenor aria, ‘O Seelenparadies’ This suits the light, heady voice of Christoph Genz admirably. I also relished the sensuous performance of the duet for soprano and alto, ‘Komm, lass mich nicht länger warten.’ The cantata ends with two choral movements. First comes a chorale, which is enriched by a countermelody for the orchestral violins. Then we are treated to a most welcome reprise of the opening chorus, which rounds off a very fine cantata in a splendid performance. Next we hear the first of Bach’s cantatas entitled Wer mich liebet, der wird mein Wort halten, BWV 59. The origins of this piece, which dates from 1723 or 1724, are a little uncertain and Gardiner’s note is good on this point. I enjoyed the duet for soprano and bass with which it opens. The two trumpet parts that accompany the singers are surprisingly – and very effectively – restrained in tone. It’s somewhat unusual to find a chorale as the third movement. The bass aria that follows is a fine creation. It’s a lovely, lyrical inspiration in which a graceful vocal line is complemented by an equally suave violin obbligato. I admired the velvety tone that Panajotis Iconomou deploys here. The cantata lacks a closing chorale and it seems to me that Eliot Gardiner’s solution is a sensible one. He repeats the chorale that we heard earlier, but the choir now sings a different verse of the same hymn. Bach revisited the text of Wer mich liebet, der wird mein Wort halten again in 1725. He re-worked some of the music from BWV 59 in this new cantata, BWV 74, and, apart from the opening movement, he set a different text. The opening movement of BWV 59 is transformed here into a four-part chorus. The music for BWV 59’s above-mentioned bass aria, ‘Die Welt mit allen Königreichen’, is now assigned to a soprano with an oboe da caccia obbligato. This re-worked aria, ‘Komm, komm, mein Herze steht dir offen’, is quite delightful and I share John Eliot Gardiner’s preference for this version of the music. The partnership of soprano and oboe da caccia has been encountered before, in BWV 1 (Volume 21), and I find it highly effective. Lisa Larsson is the accomplished soprano on this occasion. The dazzling tenor aria, ‘Kommt, eilet, stimmet Sait und Lieder’ is a real tour de force. Christoph Genz delivers this virtuoso piece superbly. As we shall see later, the mixture of lightness and steel in his voice is absolutely right for such music. The cantata also contains a hugely demanding aria for the alto soloist, ‘Nichts kann mich erretten’, which is distinguished in particular by the leaps that the singer is required to make from one extreme of his register to the other. It’s a dramatic piece and Derek Lee Ragin gives a graphic account of it. However, the timbre of his voice may not be to all tastes and I must admit a preference for Robin Blaze’s performance in Gardiner’s earlier account of this cantata, to which I shall come in a moment. Finally we are given the superb cantata, O ewiges Feuer, o Ursprung der Liebe, BWV 34. This begins with one of the most exciting choruses in all Bach. This large- scale, celebratory piece is adorned with silvery trumpets and makes a most splendid impression here. The music is like the rushing of the Pentecostal wind itself and it’s hard to imagine it done with greater fervour than in this exuberant performance. The Monteverdi Choir surpass themselves with singing that is light and effervescent yet which has the requisite weight too. It’s tremendously disciplined yet it still sounds spontaneous. I can see that some eyebrows might be raised at the strong accents in the central section of the chorus but I love it. Gardiner says of this chorus: "In performance it generates colossal energy and elation" and that’s certainly the case here. In the tenor aria that follows Christoph Genz’s singing reminded me of the splendid and sensitive work he did as the Evangelist in the performances of Christmas Oratorio with which the Pilgrimage began in December 1999. This is followed by the heavenly aria ‘Wohl euch, ihr auserwählten Seelen’. From his comments in the notes it’s clear that Nathalie Stutzmann’s performance made a deep impression on Sir John and I’m not surprised. She gives a serene account of the aria, which I find even more satisfying than Bernarda Fink’s fine performance in the earlier DG recording (see below.) The end of the cantata contains a stroke of genius, with the choir bursting in abruptly at the end of the bass recitativo. This is the prelude to "a typhoon of an orchestral finale" as Gardiner describes it, where choir and orchestra combine to bring what must have been a memorable concert to a jubilant end. Collectors should note that Gardiner has recorded these four Whit Sunday cantatas, BWV 34, 59, 74 and 172 before. They were issued by DG in 2000 as one of the series of discs issued at the time the Pilgrimage was in progress (DG 463 584-2). The disc is still available, I believe, but it contains different performances, recorded under studio conditions in April 1999 and all the soloists on the DG disc are different, with the exception of Christoph Genz. This earlier disc is by no means eclipsed by the newcomer. However, the SDG accounts seem to me to have that indefinable ‘edge’, which perhaps stems from the fact that they are live performances. I’ve highlighted above a couple of points where I have a preference for the newcomer. What clinches it for me, however, is the opening chorus of BWV 172. Here the new version has more life and buoyancy. The tempo is fractionally faster and the rhythms seem that tiny bit more urgently sprung. Though the 1999 performance is excellent its successor is even more joyous: it’s a real winner. The next day three more cantatas were given, all for Whit Monday. Erhöhtes Fleisch und Blut, BWV 173 was a re-working of a 1717 cantata written while Bach was in Cöthen, to celebrate the birthday of Prince Leopold, his employer. In its adapted, liturgical format, as BWV 173, the cantata may well have been heard first in Leipzig in 1723 but Eliot Gardiner’s performance is of a further re-working of the score that Bach undertook in 1728. Christoph Genz’s combination of lightness of voice and steely ring, already noted in BWV 74, is again a source of pleasure in the gigue-like aria, ‘Ein geheiligtes Gemüte.’ The busy alto aria, ‘Gott will, o ihr Menschenkinder’ is not, perhaps, one of Bach’s most memorable inspirations. However, the following duet for soprano and bass is a delight. It’s something of a technical tour de force, as Bach moves through a succession of scoring, metres and keys. It’s very well done here. Also hat Gott die Welt geliebet, BWV 68 is a work that, as Eliot Gardiner comments, "almost seems as if [it] were composed back-to-front" since it begins with what he terms a "lyrical and wistful" chorale and concludes with a much more dramatic chorus of the type that one might expect to find at the start of a cantata. However, as so often, Bach’s musical inspiration fits the text perfectly and the gentle, lilting rhythm of the opening movement serves to emphasise quiet joy that God sent his son to redeem the world. In this splendid performance both the singers and the instrumentalists are alive to every nuance of rhythm and dynamics. Both the second and fourth movements of the cantata were adapted by Bach from his ‘Hunt’ Cantata, BWV 208. The first of these movements is the celebrated soprano aria, ‘Mein gläubiges Herze’. Soloist Lisa Larsson conveys appropriately breathless joy. However, the extremely fleet tempo chosen by Gardiner may disconcert some listeners. This performance is a very different conception from, say, those by Edith Mathis (for Karl Richter) or the incomparable Agnes Giebel (for Fritz Werner) and it’s noteworthy that both of those performances last for over four minutes whereas Gardiner whips through the piece in 2:55. Miss Larsson’s singing isn’t anything like as full-toned as the other two ladies I’ve mentioned and, in fairness, I don’t think the tempo gives her the chance to be. The player of the obbligato violincello piccolo also sounds somewhat pressed. The other movement taken from the ‘Hunt’ Cantata is the bass aria. Bach gives his singer an accompaniment of no less than three gambolling oboes and a bassoon and I find the effect irresistible. The strong and energetic closing chorus is an exciting affair with a cornetto and three sackbuts doubling the choral parts. The final cantata in what is a slightly short programme is Ich liebe den Höchsten von ganzem Gemüte, BWV 174. The opening sinfonia is a memorable expansion of the first movement of the third Brandenburg Concerto. The expansion is to the scoring: Bach adds highly important parts for pairs of horns and oboes to the original string band and, in Gardiner’s memorable phrase unleashes a "living bombardment of instrumental sounds." Even longer than the sinfonia is the alto aria from which the cantata takes its title. This is an outstanding aria and it’s sung radiantly and expressively by Nathalie Stutzmann. I had reservations about Gardiner’s pacing of ‘Mein gläubiges Herze’ but that’s not the case here. I feel he adopts an ideal tempo for this heavenly aria. It flows with a beautiful inevitability, with two intertwining oboes enhancing the vocal line. The concluding chorale uses the same music that Bach used for the final chorale of St. John Passion and it makes for a very satisfying conclusion to another fine disc. As this series unfolds I have come to value increasingly the Sunday-by-Sunday presentation. Not only does this seem to me to afford the most logical way to order an intégrale of the cantatas, but also it allows one to appreciate the way in which Bach responded in different ways at different stages in his career to the same liturgical and scriptural themes. That, in itself, I am finding to be an enriching experience. The Pilgrim’s sojourn in Long Melford was another highly successful artistic enterprise. This pair of discs has given me enormous pleasure. The very high standards of performance, presentation and recorded sound that were set in earlier releases has been maintained and I strongly recommend this latest addition to what is fast becoming a very important and distinguished cycle of the cantatas. (John Quinn, MusicWeb International)
The first of the two CDs in this set contains cantatas for the Fifth Sunday after Easter, recorded in what John Eliot Gardiner describes as the “unalluring” Annenkirche in Dresden. This was one of the few churches to survive the terrible bombing that the city endured in 1945. Apparently it owed its survival to an unusual architectural feature: a robust steel roof. In his notes Gardiner writes of the delicacy of the situation in which a largely British ensemble came to perform Bach in a city devastated by Allied bombs. They performed the programme on two consecutive nights and in the event, though the atmosphere at the first concert seemed somewhat tense, a more relaxed feeling pervaded the second concert. The first work we hear, BWV 86, is an optimistic cantata, the mood set in the short opening bass arioso, in which Christ’s words are set: “Verily, verily, I say unto you, whatsoever ye shall ask the Father in my name, He will give it to you.” In this brief but telling solo Stephen Loges makes an immediately favourable impression, singing with warmth and authority. Of especial note is the next aria, ‘Ich will doch wohl Rosen brechen’. This contains a virtuoso violin obbligato, which is splendidly played (by Kati Debretzeni?), and which is an admirable foil for the agile singing of Robin Tyson. The other aria is for tenor and here Steve Davislim has a very demanding part to put across, not least because it includes some characteristic leaps up to very short high notes. It’s an ungrateful line at times and Davislim copes well though I think he sounds more comfortable, perhaps understandably, in other solos later on in the programme. BWV 67 comes from the following year and, though the Epistle and Gospel would have been the same, this starts off in less hopeful vein than did BWV 86. As so often in Lutheran liturgy, the sinful nature of man is recalled. However, towards the end a more positive note is struck. Like BWV 86 the cantata opens with a vox Christi bass solo but this time there’s almost a note of reproach in the words, “Hitherto have ye asked nothing in my name.” One of the highlights is a lengthy aria for alto accompanied by a pair of oboi da caccia. The aria, Gardiner says, is suffused with “a mood of sustained reverence and penitence.” Tyson makes a fine job of it. Somewhat puzzling is the bass arioso, which forms the fifth movement. The text, again Christ’s words, is: “In the world ye shall have tribulation; but be of good cheer; I have overcome the world.” One might expect comforting music here but Bach takes a different tack and the music is angular and rather severe in tone. Despite this surprise the mood of the music then alters and the following movement, a tenor aria, is heavenly. ’Ich will leiden, ich will schweigen’ is, in Alfred Dürr’s words, a siciliano of “overwhelming beauty… [that] brings the joyful affirmation that in our suffering we can rely on Jesus’ comfort.” In this number Steve Davislim, with a more grateful vocal line to spin, sounds more at ease than he did in BWV 86 and the performance is a delight. The programme is completed by BWV 97. The occasion for which this cantata was intended is unclear though Dürr suggests it may have been intended as a wedding cantata Bach sets all nine verses of a seventeenth century hymn, including two recitatives and four arias among the verse settings. The cantata opens with a ceremonial French overture, which gives way to a lively choral fantasia in which the sopranos have the original hymn tune as a cantus firmus, around which the other three parts weave vigorous passagework. This movement finds the Monteverdi Choir in fine fettle. The aria that follows, described by Gardiner as a “proto-Schubertian lied”, features warm singing by Stephen Loges as well as a splendid bassoon obbligato. Later there’s an extended tenor aria, well sung by Davislim, which features another very taxing violin obbligato. Dürr reckons that there must have been a good reason for Bach to write such a showy instrumental part. We’ve not heard much so far of Katharine Fuge, save for a brief chorale movement in BWV 86. However, she now joins Loges for what Gardiner wittily describes as “a catch-as-catch-can stretto for the two singers, part canzonet, part Rossini.” Miss Fuge acquits herself well here but we get a better chance to hear her in the lovely aria ‘Ihm hab ich mich ergeben’, which Gardiner aptly describes as “a carefree acceptance of God’s will.” A week later, after an Ascension Day concert in Salisbury Cathedral, which I hope will feature in a future volume, not least because it presumably included BWV 11, the Pilgrims fetched up at the eleventh-century Sherborne Abbey in Dorset. The works on the CD don’t appear in the order in which they were performed that evening because the concert began with BWV 150. I suspect the reordering on disc is designed to keep apart BWV 44 and BWV 183. BWV 44 is another cantata that opens with a vox Christi movement but, unusually for Bach, two singers – tenor and bass – are used. This short movement leads without a break into an animated chorus – “punchy and arresting” in Gardiner’s words - which is sung with real bite by the Monteverdi Choir. In his notes Gardiner points out that the chorus reminds one of the ‘Kreuzige’ chorus in St. John Passion, first heard only six weeks before this cantata’s first airing. Apparently it only consists of thirty-five bars, but it sounds much more substantial. The cantata also contains a wonderful, elegiac aria, ‘Christen müssen auf der Erden’. This is beautifully sung by Daniel Taylor, whose warm, round tone makes him sound almost like a female alto. He’s partnered by a most eloquent oboe obbligato player. My ear was also caught by the dramatic bass recitative in which Panajotis Iconomou displays power and resonance. After this there’s a fine, dancing soprano aria in which Joanne Lunn’s singing is bright and clear. She copes very well with what is a far from easy vocal line. BWV 183 was written one year later. It shares with BWV 44 only the text of its first verse, which is a conflation of the first two verses of the earlier cantata. The cantata is dominated by a huge, slow aria for tenor with cello piccolo obbligato. Running in this performance to 10.30, the aria accounts for nearly two thirds of the entire cantata, aptly justifying Gardiner’s epithet “epic”. Throughout it’s length the tenor’s tortured line is underpinned by what Gardiner calls the “serene and luminous course” of the obbligato. Paul Agnew’s singing is exceptionally eloquent and his performance of this hugely demanding piece, which is a real test of technique and concentration, is very accomplished. But equal praise is due, and for the same reasons, to cellist David Watkin, whose contribution is on the same high level. Mention should also be made of Joanne Lunn’s marvellously dexterous delivery of her aria ‘Höchter Tröster, Heilger Geist’. In this the oboe da caccia obbligato provides an excellent foil to her lithe, agile singing. In between these two cantatas on the disc comes BWV 150. This is another cantata for an unspecified occasion and for the first time in the series to date, I think, we find a cantata repeated. This same work appeared in Volume 23 as part of a concert given in late April 2000 (see review). Gardiner says that in reviving the work he tried to achieve a number of advances on the earlier performance and it’s interesting to compare the two to attempt to judge how successful he was, though I must say the earlier account seemed very good to me. In the chorus ‘Meine Augen sehen stets zu dem Herrn’ he says the aim was to attain a “more sensuous, mezzo-tinted sonority”. I’d say he achieved his goal here. He sought greater harmonic clarity in another chorus, ‘Leite mich in deiner Wahrheit’. I don’t find it easy to discern whether or not this was attained: both performances sound convincing. However, I don’t think there’s much doubt that this present performance of the terzetto movement for alto, tenor and bass is the more successful of the two. Gardiner aimed for more graphic musical depiction of the accompaniment and once you’ve heard the Sherborne account the earlier effort sounds a bit tame. He also aimed for a greater sense of spaciousness in the closing chorus and, once again, I find it hard to decide if the newer account, which is a fine one, represents a significant advance on the previous rendition. The programme closed with music by Bach but, on this occasion, by an ancestor of Johann Sebastian, his first cousin-once-removed, Johann Christoph Bach. The five-part motet Fürchte dich nicht is only short but it merits inclusion. Gardiner suggests that Johann Christoph might be the missing link between Schütz and J. S. Bach. He describes it as an “impressive and touching piece” and I agree. This is the first time so far in the series that we’ve heard music by another member of the very extended Bach family but it’s good to have this piece performed here with commitment and style. The performance standards are consistently high throughout this pair of CDs. The engineering is good and, as ever, John Eliot Gardiner’s notes are stimulating, informative and convey a sense of the special atmosphere of this whole project. This is another impressive issue in this important series. (John Quinn, MusicWeb International)
This set consists of cantatas for the Easter season. The superb BWV 12 is a Weimar cantata, dating from 1714 but heard here in its 1724, Leipzig, revision. Bach opens with a sinfonia, which is a profound meditation led by a keening oboe. Then he plumbs even greater depths in the succeeding extended chorus, which later became the Crucifixus of the B Minor Mass. The opening music of this chorus is performed with great feeling and exemplary control. The tempo picks up in a faster, contrapuntal central section, which puts one in mind of passages in the Motets. William Towers is in fine form for his recitative and aria, the latter being a particularly inspired invention. Julian Clarkson appears for the first time in the series to give a spirited reading of the short aria, ‘Ich folge Christo nach.’ Mark Padmore, on the other hand, is no stranger to the series. He’s a joy to hear in the musically and emotionally taxing aria, ‘Sei getreu, alle Pein’, which is decorated by a gentle trumpet chorale, marvellously voiced and placed here. Rounded off by a stirring chorale, this is a splendid performance of this profound cantata. BWV 103 (1725) starts deceptively. As Gardiner points out perceptively in his note, the vigorous fugal opening chorus sounds joyful on the surface. However, that’s deliberately somewhat at odds with the sentiments of the text. He leads his forces in a robust account of this music. It’s an astonishingly inventive movement, both in terms of the music itself and also in respect of the scoring, in which an important soprano recorder part is prominent. This chorus seems to present most effectively to the listener the antithesis between sorrow and joy. Happiness is finally attained in the splendid tenor aria, ‘Erholet euch, betrübte Sinnen’. Both Mark Padmore and trumpeter Niklas Eklund make this hugely demanding aria sound almost easy in a performance of exuberant conviction. BWV 146 is on a huge scale, lasting some 38 minutes in this performance. Bach adapted the first two movements of the D minor Harpsichord Concerto, BWV 1052a for the first two movements of this cantata. First comes a sinfonia for which, for once, the organ of the venue itself was used rather than the portable organ that was generally used throughout the Pilgrimage. As soon as we hear the mighty organ of the Schlosskirche, Altenburg it’s obvious why that choice was made. The instrument produces some wonderful sounds, especially in its lower reaches and though its action must have taxed the skills of organist Silas John Standage the results amply justify the pains he took. The sinfonia emerges here as an ambitious, grand canvass and it’s marvellously exciting – and entertaining – to hear it done like this. Bach himself is known to have played this instrument in 1739, shortly after its installation, so its use here is doubly justified. Gardiner’s marvellously apt description of it as a “Baroque ‘Mighty Wurlitzer’” is just another example of his ability to find the mot juste in his notes. After the thrills of the sinfonia Bach grafts a four-part chorus onto the music of the slow movement of the concerto to transform it into a superb, sustained and intense choral meditation. The recording captures well the fine distancing effect that was achieved by placing the choir at the rear of the church for this movement. There follows a substantial alto aria, which is well sung by William Towers and graced by what is rightly described as a “radiant” violin obbligato. Brigitte Geller, a singer new to me, has had little to do in the concert up to now but she is heard to good effect in this cantata in a dramatic recitative and an aria that is more emotionally relaxed. I enjoyed very much the vigorous performance of the arresting and joyful tenor and bass duet, ‘wie will ich mich freuen’. The following week the show moved on to Warwick, a late change of plan in the face of complications in Warsaw, which had been the intended destination for the Fourth Sunday of Easter. BWV 166, which was the first item on the programme, opens with a bass arioso. I thought that I detected a suggestion or two that Stephen Varcoe was not quite at his best here, the voice sounding just a little thin. But he’s a highly experienced singer and he still puts across words and music convincingly – and I have to say that I enjoyed his subsequent singing very much. James Gilchrist is in fine voice for the “serene meditation” of the aria ‘Ich will an den Himmel denken’. The alto aria, ‘Man nehme sich in Acht’ is an extrovert, virtuoso piece, which seems to test Robin Tyson, accomplished singer though he is. The cantata ends with a chorale, which begins most effectively, the choir hushed and a cappella. This provides a telling contrast to the outgoing alto aria that precedes it. BWV 108, which dates from 1725, has some structural similarities with BWV 166, which had been composed in the previous year. Gilchrist has another demanding aria, this time a much more spirited one than that which fell to him in BWV 166. Once again he rises fully to the occasion. There have already been several opportunities in this series for him to demonstrate his prowess as a Bach tenor and this is another. In passing it should be said that on the evidence of the discs so far issued Gardiner has chosen his tenor soloists for this whole project particularly well. Besides Gilchrist the excellence of both Paul Agnew and Mark Padmore has already been noted. At the centre of BWV 108 lies a vigorous polyphonic chorus, which the Monteverdi Choir sings with tremendous assurance and spirit, after which Robin Tyson sings the important alto aria well. Finally we hear BWV 117. The date of composition of this cantata is uncertain; it dates from between 1728 and 1731 and the occasion for which it was penned is not certain. However, it fits in well with the two companion works in this programme, not least in terms of its subject matter. Gardiner is surely right to suggest in his notes that whatever the occasion was it was a significant one. It opens with a celebratory and positive chorus, which later reappears to close the work. Though Bach eschews the use of trumpets here the music is still very festive in tone. There’s another fine tenor aria to enjoy and an equally imposing, more reflective one for the bass. Both are stylishly sung by Messrs. Gilchrist and Varcoe respectively. There’s also an engagingly perky alto aria and I found this piece, and Robin Tyson’s singing of it a delight. [This volume] in this evolving series continue[s] in every respect the extremely high standards set in the previous issues. There are currently two other significant Bach cantata cycles in progress. These are the surveys by Ton Koopman and by Masaaki Suzuki. Both series have attracted much praise and though I haven’t heard any of the Koopman discs, other than on the radio, those from the Suzuki cycle that have come my way have impressed me very much. I am not really in a position to make any detailed comparisons between these rival cycles. What I will say, however, is that this Gardiner series is so far very fine indeed and is promising much. The fact that his performances stem from live performances does give them a certain ambience and immediacy, I think. Of course, one doesn’t know how much editing has taken place (I understand that the dress rehearsals were also taped as a precaution). However, my guess would be that editing has been kept to a minimum; these performances consistently have the feel of a genuine performance and, indeed, convey a palpable sense of occasion. If you’re already collecting either the Koopman or Suzuki cycles then economic realities will probably prevent you from collecting the Gardiner discs as well. Even so I’d recommend sampling this intriguing and stimulating series. If pressed to choose from the sets that have been released to date I think I’d plump for Volume 1, which was discussed in my previous survey, and Volume 14. However, all the five sets I’ve heard to date are excellent and will give much pleasure. This is shaping up to be a series of considerable importance and, of course, if it can be completed, it will have the distinction of being the first Bach cantata cycle to be composed entirely of live performances. I recommend [this] latest [addition] to the series with great enthusiasm. (John Quinn, MusicWeb International) 
Volume 22 of this series contained cantatas for Easter Sunday and the succeeding two days, performed at the church in Eisenach where Bach was baptised and sang as a boy chorister. For the following Sunday, Sir John Eliot Gardiner and his Cantata Pilgrims travelled some thirty miles to Arnstadt, where Bach served as organist between 1703 and 1707. Though cantata BWV 150 is not an Easter cantata - indeed, it’s for an unspecified occasion - its inclusion in the Arnstadt programme was appropriate since it’s now widely believed that this was Bach’s first cantata, composed around 1707/8 and, as such, probably written for this very church. The piece is rooted firmly in the seventeenth-century German cantata tradition and, unsurprisingly, one feels that the young Bach has yet fully to find his voice in this medium. Nonetheless it’s technically very assured and the musical response to the text is typically thoughtful. There aren’t too many solo opportunities but Gillian Keith impresses in the soprano aria ‘Doch bin und bleibe ich vergnügt’. The contribution of the Monteverdi Choir is, characteristically, first class and in particular they project strongly the chorus ‘Leite mich in deiner Wahrheit’. BWV 67 comes from 1724, the first Leipzig cycle, and shows how far Bach had travelled musically since his Arnstadt days. For a start the orchestral scoring is much fuller, reflecting the more abundant resources available to Bach in Leipzig. But the music is much finer also. The magnificent opening chorus finds the Monteverdi Choir – and Bach – in inspired form. The following tenor aria, ‘Mein Jesus ist erstanden’ is a superb creation, a real proclamation of confident faith in the Resurrection. Gardiner sets a challenging tempo but Charles Daniels negotiates the aria’s difficulties very well. The bass aria with chorale, ‘Friede sei mit euch!’ is the core of the work. There are several turbulent passages for strings and chorus, in which Gardiner really whips up a tempest, and each time calm is restored by the bass, as Jesus. Stephen Varcoe sings these pacific passages with dignity and feeling. However, to my ears his voice sounds, at this stage in his career, just a little grey and he also lacks the amplitude at the bottom of his range that we’ve heard from, say, Peter Harvey in other volumes in this series. This is a magnificent cantata and, that one reservation apart, Gardiner and his forces give a fine account of it. BWV 42, which comes from the 1725 jahrgang is on a much bigger scale and is introduced by a vigorous, eager sinfonia. At its heart – and, at 12:32, accounting for nearly half the length of the whole cantata – is the alto aria, ‘Wo zwei und drei versammlet sind’. These recordings are assembled from two performances on consecutive days and I was fascinated to read in Gardiner’s notes that he found his feelings about this aria were different at each performance. He confides “I found it almost unbearably pained and sad at our first performance and far more serene and consoling at the second.” Which account is preserved on the CD, I wonder? Perhaps the truth lies somewhere between the two poles, with Bach illustrating the bittersweet feeling of the first disciples that Christ is with them always – but no longer in this world as they have previously known him? In this performance the pair of obbligato oboes intertwine plaintively and Daniel Taylor’s singing is beautifully plangent and most eloquent. Whatever interpretation one draws from the music it’s sublime. Stephen Varcoe copes pretty well with the bass aria in this cantata though, again, I’d have liked a bit more “bottom” in the voice, well though he puts across the piece. The final cantata in this concert, BWV 158, is actually for Easter Tuesday but apart from anything else its inclusion is an appropriate link with BWV 67. Actually, as Alfred Dürr points out, Bach also used this cantata sometimes for the Feast of the Purification (February 2) since the text is apposite for that day as well. In essence it’s a cantata for solo bass. The gentle recitativo and the world-weary aria. ‘Welt, ade, ich bin dein müde’ suits Stephen Varcoe’s light-ish voice well. He makes an excellent contribution to this cantata. In the aria, the ravishing, elaborate violin obbligato is marvellously played by Alison Bury and the choir’s sopranos sing their chorale interjections beautifully. For the following week’s concert the pilgrims journeyed to Luxembourg. All three cantatas on this programme were inspired by the concept of Christ as the Good Shepherd and were founded on Psalm 23. BWV 104 opens with a fine chorus in 9/8 time. Gardiner and his musicians impart a lovely lilt to the music and the excellent choral singing allows every strand of Bach’s argument to come through. The tenor, Norbert Meyn, makes his first appearance in this series to date. In the anxious aria ‘Verbirgt mein Hirte sich zu lange’ he just sounds a touch uncomfortable in comparison with some of his tenor colleagues that we’ve heard in earlier releases. The bass aria, ‘Beglückte Herde, Jesu Schafe’ is a wonderful pastoral piece in 12/8. Stephen Varcoe gives a good account of it, catching the mood of the music very well. In the alto aria of BWV 85 William Towers sings very well. Sir John rightly draws attention in his notes to the special colouring imparted by the tenor range of the obbligato ‘cello piccolo in this aria. Prepared by a charged recitativo, the tenor aria ‘Seht, was die Liebe tut’ is a wonderfully eloquent bit of writing and Meyn puts it over very well. BWV 112 is a paraphrase of Psalm 23 and its splendid opening chorus is the most obviously celebratory piece we’ve heard thus far and the addition of a pair of horns to the orchestra enriches the timbres significantly. The next two verses of the paraphrase are allocated respectively to the alto and bass soloists. Both do well, Towers singing his pastoral aria very pleasingly and Varcoe eloquently phrasing his recitativo. The soprano/tenor duet is a jubilant movement and Katharine Fuge and Norbert Meyn combine enthusiastically. This, then, is another absorbing and splendidly performed release in this very important series. The orchestral playing is consistently of a very high order. Sir John comments in his notes, which are splendid and perceptive as ever, that “One is dumbfounded by the peerless craftsmanship of [Bach’s] weekly and seasonal output.” I am no less admiring of the skill and dedication of Gardiner and his team who, week in, week out, were producing such thoughtful and superbly executed performances during their year-long pilgrimage, the fruits of which are now, thankfully, preserved on disc in this very fine cantata cycle. (John Quinn, MusicWeb International) 
Easter 2000 had strong historical resonances for Sir John Eliot Gardiner's cantata pilgrims, as these outstanding works were performed in St George's, Eisenach, where Bach was baptised, and only a stone's throw from Wartburg Castle where Luther completed his New Testament translations. One can only guess what inspired an unusually visceral reading of Christ lag in Todesbanden (arguably Bach's first great creation), with a plethora of extremes from the Monteverdi Choir. One might quibble with moments where orchestral gestures are a little exaggerated but this is a performance where the sinuous lines and the momentum of liturgical ritual allow Luther's great hymn to take us tantalisingly to the brink of Christ's victory. 
This eclectic selection covers works for Quinquagesima, the Annunciation, Palm Sunday and Oculi (the third Sunday in Lent) in arguably the least even of the seven releases so far. Yet there are significant contributions smattered throughout, not least Nathalie Stutzmann's purple-clad Widerstehe (BVVV54). This true contralto imparts a captivating resilience in the face of sin's devious tricks. Inspired by the chamber-like ecclesiastical works of Bach's Weimar period, the reduced string ensemble lends a similar intimacy to BWV182, though both works suffer from some scrappy playing that clearly could not be rectified simply by dropping in 'patches' from before or after. Stutzmann, however, projects just the right sense of involvement without forcing the issue. Wie schön leuchtet der Morgenstern (BWV1) is the major work here — a masterpiece of understated majesty and gentle celebration (for the Annunciation) where Bach appears to alight on the morning star as a direct resonance of Epiphany; such musical connections within the cantata oeuvre, throughout the church calendar, provide listeners with endless sources of fascination. Gardiner's performance is more an example of a splendid occasion captured rather than a notable addition to a distinguished discography. BVVV22 and 23 were Bach's first cantatas to have been performed at Leipzig, audition pieces for the post of Thomascantor before his eventual appointment. Both were performed in the same service on the morning of February 7, 1723. Given the Lenten context, Bach hardly had a chance to flex his muscles in opulent displays of orchestration but he makes up for this with two pieces of subtle stylistic range. Jesus nahm zu sich die Zwölfe (BWV22) is strikingly prescient of Passion narrative as Christ prepares for his death with melismas of distilled sadness and acceptance of destiny. Peter Harvey's is an affecting performance, as is the incrementally impressive Du wahrer Gott (BWV23), of which Gardiner completely has the measure. One special movement to bottle? 'Es ist vollbracht' from BVVV159 arguably even better than the setting of the words at the end of the St John Passion. Heartfelt singing from Harvey is adorned by playing from oboist Marcel Ponseele which is as exquisite as you'll ever hear. (Jonathan Freeman-Attwood, Gramophone)
When thinking about Russian viola sonatas, a limited list of compositions may initially spring to mind, perhaps beginning and ending with the Shostakovich sonata. Violist Eliesha Nelson is out to prove that Shostakovich was certainly not the only Russian composer who wrote duo chamber music for her instrument. Joined by pianist Glen Inanga, Nelson presents a surprising program of four works for viola and piano, each penned by Russian composers in the early half of the 20th century. Some listeners may be familiar Paul Juon, whose works are currently experiencing revitalization, but names like Varvara Gaigerova and Alexander Winkler are likely unknown. Folk idioms, rhythmic components, and sonorities that typically characterize "Russian" music are present throughout this disc, but the influence of the west is still decisively present. Each of the compositions are idiomatically written for the viola, focusing on the instrument's strengths of dark, rich, tone, and melancholy sonorities, and while none of the works are overly memorable, they are each enjoyable and certainly worthy of recognition. Nelson and Inanga do tremendous justice to their program with convincing, energized, committed playing. Nelson's sound is sensuously deep and powerful; she darts around her instrument's fingerboard with ease and accuracy. Balance between viola and piano allows Nelson's sound to be heard clearly without making the piano seem timid. This disc is a must-have for viola fans, and a great choice for anyone interested in well-executed chamber music. (Mike D. Brownell, Rovi All Music Guide)
The fifth CD of the complete piano works of Bedřich Smetana (1824-1884) takes us back to the world of the composer’s student years. (Smetana wrote all the featured - and surprisingly mature - pieces before he had reached the age of twenty.) He introduces himself as a passionate dancer; the polkas, so typical of Smetana, as well as gallopades, waltzes and quadrilles, bear witness to the hectic social and musical life he led during his studies in Prague and Plzeň, where he was a sought-after pianist and was able to intensively develop his talent. The first preserved composition is the Louisen Polka, followed by the Georginen Polka and Aus dem Studentenleben (From Student Life). The three Impromptus (1841-42) and Bagatelles et Impromptus (1844) are the first attempts to create compositions of a more serious nature and reflect Smetana’s inspiration by his musical idols (Chopin, Liszt, Schumann). Even though young and a self-taught pianist, these early works reveal Smetana as a singular and inspired composer. 
The dramaturgy of the fourth CD comprising Bedřich Smetana’s piano works also reflects the pedagogic activity that fully occupied him in the late 1840s and early 1850s. It gave rise to a host of charming compositions and cycles, rather small in proportion yet rich as regards the scale of moods, impressions, compositional techniques and expressive possibilities the composer gave rein to on these modest areas. A significant group of compositions is formed by the generally popular Album Leaves, which at the time Smetana succeeded in publishing under different titles (Stammbuchblätter, Charakterstücke or Skizzen, dedicated to Clara Schumann). The other group is formed by Polkas which, after the fashion of Chopin’s mazurkas, begin stylising and transforming into independent concertante formations of idealised dance (Trois polkas de salon, Trois polkas poétiques).
Jitka Cechova is an energetic young pianist and member of the highly successful Smetana Trio. On her third CD of Smetana's piano works she proves how intimately familiar she is with the composer's style. The album includes Smetana's greatest piano cycle, the Czech Dances, written in the years 1877-79. The first part of the cycle consists of four polkas, while the second part contains Smetana's concert interpretations of specific Czech folk dances (including the Furiant, Skocna, Rejdovak a rejdovacka, Sousedska, Hulan and Medved). The album is rounded out with Smetana's late piano works. The Romance in G minor (1881) was the last piece he composed for piano, though at the very end of his life he revised his famous Bettina Polka (1883). Smetana's greatest piano cycle Czech Dances in an outstanding performance by Jitka Cechova.
Jitka Cechova reveals Bedrich Smetana's piano works to 21st century listeners. - Supraphon continues to issue the piano works of Czech master Bedrich Smetana (1824.1884) with this second compact disc. - Outstanding Czech pianist Jitka Cechova presents the rich palette of Smetana's piano works in this 7 CD series which will be produced through 2008. - Jitka Cechova, an artist from the young generation of Czech musicians, has devoted herself to the works of Smetana for a long time. Her recordings represent the new generation's approach to one of the foundational personalities of Czech national music. - The first volume issued met with extraordinary success both at home and abroad. Jitka Cechova's interpretation is valued not only for her extraordinary knowledge but also for her ability to discover further nuances of content in Smetana's music..Dreams (Reves.Six morceaux caracteristiques)
Born in Mělník near Prague, she received her basic musical training from Prof. Jan Novotný at the Prague Conservatoire and from Prof. Peter Toperczer at the Prague Academy of Performing Arts. Her individual musical gifts were then developed to their full during postgraduate studies under Eugen Indjic in Paris and Vitali Berzon in Freiburg. She acquired further experience during her research studies at master classes given by R. Kehrer in Weimar, E. Indjic and L. Berman in Piesťany, and Avo Kuyumjian in Prague.Jitka Čechová has won prizes in the following international competitions: "Virtuosi per musica di pianoforte" in Ústí nad Labem (1986); the Smetana Competition in Hradec Králové (1986, 1988 and 1990); the Chopin Competition in Mariánské Lázně (1987 and 1989); and the Johann Nepomuk Hummel Competition in Bratislava, Slovakia (1991).She has made a name for herself as a soloist, both in recitals and with orchestras, on podiums across Europe (in Austria, France, Germany, Scotland, Spain, Bulgaria, England, Slovakia) and also in South Africa. She played two extremely successful concerts with a special programme by Smetana at the International Festival in Edinburgh in 1998. She performed with the Munich Symphony Orchestra, with the South-Western Radio Symphony Orchestra, with Bamberg Symphony Orchestra, with the Prague Symphony Orchestra FOK (Prague Spring Festival), Prague Chamber Philharmonia and many others Czech orchestras. During a concert tour of Germany with the South-Western Radio Symphony Orchestra conducted by P. Altrichter she premiered a piano concert that Zdeněk Lukás had composed for her, achieving spectacular success with both audiences and the critics.Chamber music is an indispensable component of Jitka Čechová's musical identity. She brings a full emotional commitment to bear to her role as pianist in the Smetana Trio, supported by the brilliant technical basis of her solo metier. Within the Smetana Trio partnership (Jana Nováková - violin, Jan Páleníček - cello) she also plays duets with violin or cello and performs solo pieces as part of the Trio's chamber music repertoire.Jitka Čechová records CDs for the Intercord, Supraphon, BMG, Koch International, Lotos and Cube companies. Her latest recording for the latter company were CDs with music by Liszt, Lukás, Shostakovich, Saint-Saëns, Dvořák, Smetana and Martinů.
In recent years German soprano Simone Kermes has been the sensation of press and public with her Vivaldi recordings. Here is a single CD compilation of highlights from her two solo Vivaldi recordings on Archiv Produktion, Amor Sacro and Amor Profano. Of Amor Profano, Opera magazine wrote: "Kermes's distinctive voice has an appealing smoothness and roundedness of tone... an intensely dramatic personality at work... super-precise coloratura...Kermes's technique is something to marvel at"; and Gramophone summed up: Amor profano is a role model of how a Baroque opera arias recital disc should be put together - with proper research, affection for the composer, and top-notch artistry".Equally brilliant at Vivaldi is the Venice Baroque Orchestra directed by Andrea Marcon who also recorded a number of Vivaldi recordings for Archiv. They are a perfect accompaniment for Simone Kermes. 
Septuagesima, Sexagesima and Quinquagesima were marked in the Lutheran liturgy – and in the Catholic Church also - as the three Sundays before the rigours of the season of Lent began. Bach’s cantatas for Quinquagesima Sunday, also known as “Esto mihi”, were contained in Volume 21 of this series. This latest instalment includes all the surviving cantatas for the previous two Sundays. For Septuagesima Sunday the Pilgrims visited the fifteenth century church of St. Vitus in the Dutch city of Narden. This venue had particular resonances for one of the soloists, Wilke te Brummelstroete. In the booklet she writes that it was in this selfsame church that, as a young singer, she was a member of the chorus of the Dutch Bach Society in their annual performance of St. Matthew Passion - the first time she’d sung in the work - and “a dream was born to sing there one day as a soloist.” We can hear that dream come to fruition in BWV 144, a cantata from Bach’s first Leipzig cycle. After the vigorous fugal opening chorus, which is clearly and crisply delivered, the alto aria ‘Murre nicht, Liebster Christ’ allows us to enjoy Miss te Brummelstroete’s firm toned voice. This aria is like a stately minuet and she sings it with fine feeling. The other aria in the cantata falls to the soprano. The opening line of ‘Genügsamkeit ist ein Schatz in diesem Leben’ translates as “Contentedness is a jewel in this life” and Bach provides suitably beguiling, easeful music, including a flowing oboe d’amore obbligato. Miah Persson’s performance is a delight. Miss Persson is even more to the fore in BWV 84 for, apart from the concluding chorale, this is for solo soprano. It begins with an aria in E minor in which the embellishments of the oboe obbligato intertwine delectably with the solo voice, providing a perfect foil to the singer. John Eliot Gardiner describes the piece as “wistful, resigned, elegiac even?” It’s a lovely aria and it’s expressively delivered. By contrast the second aria is joyful and nimble and features a playful double obbligato of oboe and violin. The music – and the performance – bears a smiling countenance. Miss Persson also impresses with her delivery of the two recitatives in this cantata, singing them lightly but with an evident feeling for the meaning of the words. I like also the treatment of the chorale, which is sung quietly and unaccompanied, thereby achieving an appropriately understated intensity. BWV 92 is longer than the other two cantatas put together. It is based on a twelve-verse seventeenth-century hymn and is cast in no less than nine movements. Unlike the other two cantatas, the text of this piece bears no direct relation to the Gospel for the day, which related the parable of the labourers in the vineyard (Matthew 20. 1-16) Instead the text of this cantata contains what Alfred Dürr calls a “general admonition to acquiesce in whatever God sends in the way of joy or suffering.” The cantata opens with a substantial chorale fantasia to which a pair of oboi d’amore makes a pungent contribution. There follows what Gardiner refers to as “an audacious experiment” by Bach in the form of a movement for bass in which the soloist sings strophes of the hymn, interrupting himself no less than nine times with glosses on the text in the form of free recitative. The soloist is Jonathan Brown, a member of the Monteverdi Choir, and he and Gardiner weld what might be a ramshackle structure into a convincing whole. Later on, in the seventh movement, Bach repeats the experiment in a different way. This time the chorale, richly harmonised, is sung by the choir and the interpolations are entrusted to all four soloists in turn, starting with the bass and ascending to the soprano. Before that we hear one of Bach’s jagged, uncomfortable tenor arias, ‘Seht, seht! wie reisst, wie bricht, wie fällt’ (‘See, see, how all things snap, break, fall’). This is done by James Oxley, previously heard in Volume 21. He’s incisive and projects strongly music that Gardiner aptly describes as “impressive, but deliberately unlovely.” By contrast, the final aria in the cantata is a pastoral piece, the mood of which Dürr categorises as “cheerful, peaceful serenity.” It’s a bewitching piece in which the soprano soloist is accompanied by an oboe d’amore and pizzicato strings. Miah Persson’s performance is radiant. The following week the Pilgrims had crossed the North Sea, returning to England and to Southwell Minster in Nottinghamshire. Bach left us three cantatas for Sexagesima Sunday and, in Gardiner’s words, each of them is “characterised by his vivid pictorial imagination, an arresting sense of drama, and by music of freshness and power that lodges in the memory.” BWV 18 is a Weimar cantata, probably composed in 1713. The original scoring was unusual in that Bach dispensed with violins completely and instead wrote no fewer than four separate viola lines as well as basso continuo. A revision in 1724 saw the addition of a pair of recorders and it’s this later scoring that’s used here. In the opening sinfonia the pleasing contrast between the husky violas and the piping recorders is immediately apparent. The third movement is a most original conception. The tenor and bass soloists each have two passages of recitative, sung alternately, each one of which is followed by a short passage in which the choir sings lines from Luther’s litany known as the German Prefatory. The second recit for tenor, arrestingly delivered by James Gilchrist, is especially dramatic. There’s only one aria, which is brightly sung by Gillian Keith. The accompaniment is interesting as all the violas play in unison with the recorders doubling their line at the octave. Described like that, it doesn’t sound very interesting but in fact the contrast in timbres has a piquant fascination. The title of BWV 181 must rank as among the strangest in all the cantatas. Dürr translates it as “Frivolous flutter-spirits” but even better, I think, is the rendition by Richard Stokes, which is used in the booklet. He comes up with “Frivolous flibbertigibbets.” The Gospel for the day (Luke 8. 4-15) is the parable of the Sower and the reference in the cantata’s title is to the fickle folk who, like birds, devour the seed that falls on the ground. Dürr states that the scoring originally omitted wind instruments but that flute and oboe parts were added for a revival sometime between 1743 and 1746. Gardiner includes these instruments. The cantata opens with an admonitory bass aria, commandingly sung by Stephan Loges, which includes a reference to the fallen angel Belial. Almost every volume in this series seems to yield at least one particularly choice phrase from Gardiner’s notes. Writing of this aria, which he describes as “a witty, Hitchcockian evocation”, he says this: “It could almost serve as a soundtrack to a cartoon film; a gaggle of flighty, giggly teenage girls being bounced out of a nightclub by Belial and his henchmen.” The third movement is a tenor aria, of which Gilchrist gives a biting performance. The obbligato part, thought to be for violin, is lost and Dürr suggested that, though it might be possible to compose a replacement, “the result could not be expected to accord even approximately with Bach’s intentions” since the manuscript offers meagre clues. Well, for this performance Robert Levin composed an obbligato and I have to say that whilst I wouldn’t claim a fraction of Dürr’s scholarship, the ensuing result sounds completely convincing to me. The exuberant final chorus is something of a display piece, uniting all the forces and adding the festive touch of a trumpet part. Was this Bach permitting himself one last bit of indulgence before the austerities of Lent? I wouldn’t dissent from Gardiner’s judgement that BWV 126 is “a stunning, combative work.” The text is drawn from a variety of sources and is a real statement of how embattled are the adherents of Lutheranism in what was a turbulent world. In the very first movement, a chorus, Luther’s words translate as follows: Uphold us, Lord, in Thy Word
John Eliot Gardiner's "Bach Pilgrimage" has had its rough spots and its brighter moments, this two-disc set being among the latter, owing much to its strong vocal soloists and distinctive, distinguished instrumental playing. Typically, the performances were recorded live, this time in two very fine venues--England's Old Royal Naval College Chapel in Greenwich, and Romsey Abbey, Hampshire. These six cantatas are primarily vocal soloist vehicles, but they also feature some of Bach's more colorful uses of instruments, including bassoon (the alto/tenor duet in BWV 155), oboe d'amore (BWV 3), recorders (BWV 81), and oboe da caccia (tenor aria in BWV 13), as well as his formidable flair for the dramatic, theatrical, and picturesque, from storms at sea to rushing, cascading water to rising mists, and of course, the matchless musical evocations of pain, grief, longing, and joy. For the most part, Gardiner eschews personalizing Bach's creations--except for the very slow bass aria in BWV 13, magnificently (and bravely) sung by Gerald Finley, and the odd, overly emphatic chorale singing--and the results are very satisfying, sensibly-paced, carefully balanced interpretations of these rarely heard (and recorded) Epiphany cantatas. As mentioned, the soloists are uniformly fine, and the orchestra, with little rehearsal time during this project, admirably demonstrates its long-standing expertise in Bach and in baroque style. Gardiner apparently felt sorry for the little-used choir, so he added to the concerts the motet Jesu, meine Freude BWV 227, the most difficult of Bach's works in this genre--and interestingly, this is the one spot where more rehearsal would have been beneficial. The "all-about-me" liner notes from Gardiner's journal offer occasional worthwhile insights into his interpretive choices, and the sound is very good, with only occasional audience noise. (David Vernier) 
This last pair of discs actually takes us back to the very beginning of the journey, presenting Christmas and Epiphany music given in the two cities most closely associated with Bach before we move on to Hamburg.As well as their performances of some Christmas cantatas, Gardiner and his team began the pilgrimage in Weimar with splendid performances of Bach’s Christmas Oratorio, which were captured on a DVD, which has been available for some time. Unsurprisingly the same quartet of fine soloists that featured in those performances were involved in the Christmas Day festivities that open the first disc in this present set. It would be hard to imagine a more positive start to the proceedings than the jubilant opening chorus of BWV 63, a cantata that was probably first heard in this very city of Weimar. The attack of the Monteverdi Choir is thrilling: “Christians etch this day in metal and marble” is the opening exhortation and these singers truly inspire the listener with their enthusiasm. Here Bach conveys the joy of Christmas superbly and the choir responds wholeheartedly. Bernarda Fink, who sings so beautifully in the contemporaneous account of Christmas Oratorio, produces a warm tone in a deeply expressive rendition of the recitative that follows, making one regret that this disc represents her sole contribution to the Cantata Pilgrimage. A little later she and Christoph Genz combine to excellent effect in the duet aria ‘Ruft und fleht den Himmel an’ and before that Claron McFadden and Dietrich Henschel also afford much pleasure in the duet ‘Gott, du hast es wohlgefüget’. The closing chorus, festive with trumpets, is really exciting: here Bach and the performers pull out all the stops.The Christmas Day programme also included BWV 191. Though this isn’t a cantata it more than justifies its place. It’s an adaptation of three sections from the Gloria of the B Minor Mass, which was probably arranged by Bach for a special service of thanksgiving in Leipzig on Christmas Day 1745. The first movement, ‘Gloria in excelsis’ is substantially the same as the corresponding section from the Mass. Then comes what is more familiar in the Mass as the duet ‘Domine Deus’, followed by the chorus ‘Cum Sancto Spiritu’ In these two movements Bach adapts the music from the B Minor Mass, not entirely successfully, to fit Latin words. The whole performance is a joy but the final movement, ‘Sicut erat in principio’, is especially remarkable. The music is exuberant enough but Gardiner’s singers and players deliver it with such zest that one is just swept along on the flood tide. The fugal section – ‘et nunc et semper’ – is exhilarating and one can only marvel at the articulation of Bach’s writing by the singers. What a start to the Pilgrimage! For the Feast of Epiphany the scene shifts to Leipzig. BWV 65 is a very fine cantata and it’s done really well here. The opening chorus is superbly sung and played. Later on the tenor aria, ‘Nimm mich dir zu eigen hin’, is orchestrated with great richness by Bach and James Gilchrist gives a distinguished account of the vocal line. His tone is firm and he gives a pleasing lift to the rhythms. This performance offers a foretaste of the way in which he was to become a cornerstone of the whole project along with Peter Harvey, who excels in the bass aria ‘Gold aus Ophir ist zu schlecht’. Gilchrist and Harvey are also to the fore in BWV 123. The tenor aria, ‘Auch die harte Kreuzesreise’, anticipating the Crucifixion, strikes a mood of “almost unbearable pathos” in Gardiner’s words. James Gilchrist’s voice is ideal for this music, which he sings with great eloquence especially in the high-lying passages at the top of so many of Bach’s phrases. The bass aria, ‘Lass, o Welt, mich aus Verachtung’, is completely different, benefiting hugely from the simple, withdrawn style that Peter Harvey brings to it.The next stop on the Pilgrimage was Hamburg where a trio of cantatas for the First Sunday after Epiphany was heard. Alfred Dürr draws attention to the “striking directness” of Bach’s writing in BWV 154. James Gilchrist was on duty again and he’s commanding and impassioned in the opening aria, though here and there I thought I detected that the playing of the EBS string players wasn’t quite unanimous. The cantata is slightly unusual in that, though it’s not in two parts, there’s a chorale in the middle, forming the third movement; this is in addition to the usual concluding chorale. Michael Chance, who made surprisingly few appearances during the project, is on hand for the alto aria, ‘Jesu, lass dich finden’, which he sings well. He then joins with Gilchrist in the penultimate movement, the optimistic duet aria, ‘Wohl mir, Jesus ist gefunden.’ There are two particularly noteworthy features in BWV 124. One is the extraordinarily ornate oboe d’amore part that courses through the opening chorus. The other is the tenor aria, ‘Und wenn der harte Todesschlag’. Here, as Sir John puts it, Bach “opens his locker to unleash a torrent of dramatic effects to portray the ‘fear and terror’ that accompanies ‘the cruel stroke of death’.” The result is a theatrical, wide ranging aria of which James Gilchrist is fully the master. He receives magnificent support from the oboe d’amore player (Marcel Ponseele?).The final offering in the programme is BWV 32, which is another of Bach’s dialogues between the Soul (soprano) and Jesus (bass). It begins with a beseeching soprano aria, enriched by a deeply felt oboe obbligato. Claron McFadden sings it most impressively. In the bass aria, ‘Hier, in meines Vaters Stätte’, Peter Harvey is completely convincing as Vox Christi while in the dialogue recitative that follows both singers offer some really characterful singing – sample Miss McFadden’s delivery of the passage beginning ‘Wie lieblich ist doch deine Wohnung’. Before the choir sings the chorale the dialogue culminates in a duet in which the Soul and Jesus are joyfully reunited. Here, as Gardiner says, Bach “seems to throw caution to the winds”. The music is life-enhancing and both singers communicate it vividly. Sir John tells us that this number had to be repeated as an encore and I’m not surprised. It’s good that there’s a concluding chorale to end what is the final disc in this series to be released, as it enables The Monteverdi Choir and the English Baroque Soloists to have the last word at the end of yet another excellent set of cantata performances.It’s with very mixed feelings that I contemplate the end of this series of Bach cantata discs. I’m sorry that the conclusion has been reached and I shall miss the arrival of another pair of discs in their distinctive and stylish packaging. But, putting that aside, the response must be one of celebration and admiration. There are several other good Bach cantata cycles available, not least those by Koopman and Suzuki and it’s clear from what I’ve read of those two cycles – and the limited sampling I’ve done of Suzuki’s - that both are considerable achievements in their own right. But this Gardiner series is unique, being the product of a year-long journey around Europe and featuring live performances, albeit with some editing. I’m lost in admiration for the commitment and sheer physical stamina of the musicians, to say nothing of the prodigious musicianship that produced, often under demanding conditions and tight time constraints, such consistently expert and convincing performances. And it’s important to remember that, even for seasoned performers such as these, much of the music will have been completely new to them. Each one of these releases has included in the booklet a short essay by one of the performers describing their reactions to the Pilgrimage and it’s abundantly clear that the venture made a profound impression on them and enriched them, not just musically but spiritually as well.While on the subject of the booklets it’s right to mention that the documentation has been exceptional, especially the notes. Actually, the word “notes” is almost demeaning. The essays by Sir John Eliot Gardiner, taken from the contemporaneous journal that he compiled during the pilgrimage, have been consistently illuminating and stimulating. More than that, time and again he’s proved himself adept at finding just the right phrase to describe the music. I’d say he’s done for the Bach cantatas, albeit at a shorter length, what Graham Johnson did for Schubert lieder with his notes accompanying the Hyperion Schubert song CDs. I hope Sir John’s journal will be published in book form one day. Sir John has been well served by his soloists throughout the enterprise. In what is a very much a personal and subjective choice, my favourite soprano soloists have been Katharine Fuge, Magdalena Kožená and Joanne Lunn. The alto soloists have been a little more variable but the highly contrasted voices of Nathalie Stutzmann and Robin Tyson have offered great pleasure. Several very fine tenor soloists have graced the proceedings, including Paul Agnew and Mark Padmore, though James Gilchrist has made the strongest impression of all. Among the basses Peter Harvey has been the stand-out performer, though I was glad to encounter Gotthold Schwarz, a singer I’d not heard before.The soloists tended to come and go throughout the Pilgrimage but The Monteverdi Choir and the English Baroque Soloists have been ever-present, albeit there have been some changes to personnel in their ranks from time to time. To them fell the task of mastering fresh material – much of it previously unknown to them – nearly every week for a full year. Given the technical difficulty of much of the music it is a colossal achievement, both individual and collective, that the standard of performance has remained so consistently high, especially when one factors in the issues of travelling and the problems inherent in rehearsing and performing in so many different venues, many of which were scarcely designed for concert-giving, even by relatively small forces.Despite the avalanche of music and the criss-cross travelling throughout Europe – and to New York at the very end – there’s never been any feeling of undue haste or superficiality about these performances. You never get the feeling “Today’s Sunday, it must be Belgium – and such-and-such a cantata”. As I said, each of the volumes has included a short essay by one of the performers, all of which have been interesting and enlightening. A sense of camaraderie has come out time and again and, even more so, a sense of their humility before Bach’s genius. It was particularly instructive, however, to read the comments by Katharine Fuge (Vol. 9) in which she related that each week the performers received not only their music for the forthcoming week’s concerts but also photocopies of the scriptural readings prescribed for that Sunday’s liturgy and “notes giving us the context of Bach’s life at the time each cantata was written. Perhaps we would learn that a particularly fine trumpeter had been in town or, more poignantly, that one of his children had recently died.” That attention to detail and the determination that these were to be much more than a series of concerts goes a long way to explaining why this series of recorded performances seems so often to penetrate to the heart of what this wonderful music is about.This isn’t quite a complete cantata cycle. Some cantatas were issued, either in live or studio performances by DG Archiv and those have been omitted from the SDG series, presumably for contractual reasons. I append a list of the cantatas concerned. There aren’t that many and I believe that the recordings can still be bought as DG Archiv issues. However, I hope that in due course it will be possible for SDG to release them under their own imprint. (John Quinn, MusicWeb International)
Though this is Volume 17 in the cycle we are taken right back to the start of the Pilgrimage. After splendid performances of the Christmas Oratorio in the Herderkirche, Weimar immediately before and after Christmas 1999, which have been available on DVD for some time (see review), the Pilgrimage really began in earnest with these concerts in Berlin as the new year, and the new millennium, began. There are six surviving Bach cantatas for New Year’s Day, including Fallt mit Danken, fallt mit Loben, the fourth cantata of the Christmas Oratorio. Another one, the jubilant Singet dem Herrn ein neues Lied! BWV190, was given in the very last concert of the Pilgrimage and was included in Volume 16 (see review). On this CD Gardiner gives us the other four New Year cantatas. BWV 143 probably dates from 1708 and as such is a Mühlhausen cantata, though there are some doubts as to whether or not the music is actually by Bach. Alfred Dürr’s judgement is that the work is “perhaps a little colourless in invention”. It’s interesting to note that, unlike the other three New Year’s Day cantatas included here, the text bears no real relation to the Epistle or Gospel readings appointed for the day in the Lutheran liturgy. The orchestra includes timpani and three horns. The two key soloists are the tenor and the bass and it’s interesting to see that the singers here, James Gilchrist and Peter Harvey, were also involved in the very last concerts of the Pilgrimage, twelve months later. As we’re discovering with the progressive releases of the CDs, both singers were to be cornerstones of the whole venture and on their respective showings in this concert it’s not hard to see why. The tenor has two arias in BWV143. Gilchrist does well in the first of them, ‘Tausendfaches Unglück, Schrecken’, but the second aria, ‘Jesu, Retter deiner Herde’, is even better suited to his voice and he spins its long vocal lines seamlessly. The short bass aria, in which the orchestra’s three horns join, is dispatched imperiously by Harvey. The cantata concludes with a vigorous chorus, which is excitingly done by the Monteverdi Choir, though it doesn’t seem to me to represent Bach at his extrovert best. There’s nothing “colourless” about BWV41, which is a superb cantata. The orchestral scoring is even more resplendent than that for BWV143. In place of the three horns Bach employs three trumpets and he adds a trio of oboes to the mix. It begins with a huge choral fantasia, aptly described by Gardiner as having “epic sweep”. The chorale melody is in the soprano line, while below and around it Bach weaves a virtuoso display of vocal counterpoint. The Monteverdi Choir is quite superb in this movement, with the festive trumpets and drums adding great brilliance. Around the midway point Bach unexpectedly interpolates a short section of slower, more reflective music, which is a masterstroke. This is swiftly left behind in an exciting display of fugal pyrotechnics before Bach returns to his opening material to conclude this astonishing, thrilling movement. There’s no anti-climax, however, for the stream of invention continues with a delectable pastoral soprano aria, charmingly sung by Ruth Holten and decorated by the oboes. Dürr gives the translation of the first two lines of this aria as Let us, O highest God, so complete the year
This disc contains the very final concert, the fifty-ninth, of Sir John Eliot Gardiner’s Bach Cantata Pilgrimage. This was the last of three concerts given in New York to conclude the Pilgrimage. We’ve already had one disc devoted to Christmas cantatas, performed on Christmas Day itself, and its companion, recorded at a concert given just two days later. Now here’s the final Christmas instalment. It must have been quite an emotional occasion for the Pilgrims, knowing that this was the end of their journey – a journey of discovery and celebration. Gardiner makes that clear in his notes, but even if he had not done so anyone who has followed the series to date would have guessed as much from the comments that various performers have made in their own recollections, printed in earlier booklets. The concert begins not with a cantata but with a motet, Singet dem Herrn ein neues Lied, BWV 225.This was a most intelligent piece of programming since the concert was to close with the cantata that bears the same title. The motet begins with infectious joyfulness – Sir John refers to the “joyous, spirited singing” – but the Monteverdi Choir is no less alive to more reflective moments in Bach’s piece. This means that the central section is marvellously poised. In the outer stretches of the work, however, they provide singing of superb clarity, full tone and rhythmic vivaciousness. BWV 152 contrasts very strongly with the motet. This is a work from Bach’s Weimar period and it is scored for very modest forces indeed. A solo soprano and a bass are accompanied by just six instrumentalists – recorder, oboe, viola d’amore, viola da gamba and a continuo, comprising cello and organ. Alfred Dürr suggests, in his definitive study of the cantatas, that perhaps, after the other musical demands made on the Weimar musicians during the Christmas period, Bach had very limited forces available to him and made a virtue of necessity in his scoring. The result is a wonderfully intimate creation, which is sung delightfully by Gillian Keith and Peter Harvey. Harvey, one of the rocks of this whole series, is in fine voice. Gillian Keith also excels, especially in the sublime aria, ‘Stein der über alle Schätze’. Here the recorder and viola d’amore intertwine sinuously in support of her touching singing. This is a wonderfully delicate movement and the fragility of the music contrasts pointedly with the much more emphatic bass recitatives that are placed on either side of it. There’s no concluding chorale. Instead the cantata ends with a dialogue between the Soul (soprano) and Jesus (bass), which is very well done here. This wasn’t a cantata with which I was very familiar so I’m particularly delighted to find it in such an excellent performance. Next we hear BWV 122, a Leipzig piece. This is based on an old hymn, dating from 1597, which would have been familiar to the Leipzig congregations. Peter Harvey has a challenging aria, which, predictably, he puts across very well. I like Katharine Fuge’s lovely, pure tone in the following recitative and then she and James Gilchrist combine most effectively in a terzetto, in which they’re joined by the altos of the choir, who sing the chorale melody beneath the soloists’ florid lines. The first two cantatas have been predominantly reflective in tone. Now, however, the decks are cleared for some serious rejoicing, beginning with BWV 28. Against a sprightly accompaniment Joanne Lunn opens the proceedings with what Dürr calls a “joyful, dance-like song of thanksgiving.” This is an engaging, smiling piece of singing; not only is Miss Lunn characterful but she’s also technically assured. There follows a magnificent chorus, which finds the Monteverdi Choir on stunning, incisive form. Gilchrist is at his most expressive in the recitative ‘Gott ist ein Quell’ and then he and Daniel Taylor are terrific in the sprightly duet ‘Gott hat uns im heurigen Jahre gesegnet.’ But you sense that the whole concert has been building up to the performance of BWV 190. This cantata has come down to us with only a fragmentary orchestral score and Gardiner and his colleagues engaged in some well-informed reconstruction. For example, timpani and a trio of trumpets have been added to the opening chorus, to thrilling effect and, as we shall see, there’s an even more inspired piece of re-scoring later on. The piece opens with a chorus that is nothing less than an outbreak of unbridled rejoicing. On this occasion the music is invested with the sort of vital, virtuoso singing and playing for which Gardiner has become renowned. He and his performers convey a life-enhancing optimism. One senses that everyone was on their toes to provide the Big Finish to the Pilgrimage. The cantus firmus interjections from Luther’s German Te Deum are especially fervent but then so is the whole of this chorus; it’s a really spine tingling performance. Later comes a duet for tenor and bass soloists, ‘Jesus soll mein alles sein.’ In an inspired piece of scoring, Gardiner allots the obbligato to the viola d’amore. The obbligato part consists largely of “chains of wistful, gestural arabesques bouncing off a silent main beat” (Gardiner). The effect is quite ravishing. One might have feared that the delicate, husky sound of the viola d’amore would be swamped by the singers. However, without holding back, Gilchrist and Harvey sing with such exemplary control and taste that everything fits together beautifully. Gardiner chose to repeat this movement as the second and final encore at the end of the concert and it’s a nice thought that this was the last music to be heard during the Pilgrimage. The thought is all the more poignant since the violist, Katherine McGillvray, died last year aged just thirty-six; the CD is dedicated to her memory. After this luminous duet comes a tenor recitative. It was the final solo of the concert and, therefore, of the Pilgrimage and it’s fitting that this should have been entrusted to James Gilchrist, since he’s been another mainstay of the whole enterprise. He produces a marvellously weighted, nuanced piece of singing, which typifies the skill and perception of so many of his contributions to the Pilgrimage. All that remains is the final, affirmative chorale, which, as performed here, seems to be a summation and a salute to the genius of Bach. This performance anticipated by a few hours the New Year for which the cantata was written. As such, it looked back on a year of homage to Bach and celebration of his music in the 250th anniversary year of his death. But the performance also seems to look forward with confidence, perhaps because Gardiner and his team felt inspired and refreshed by their shared and individual experiences during the course of the Pilgrimage. For the Pilgrims this marked journey’s end. For those of us who are reliving their journey through the medium of CD we have many more volumes in prospect. The next instalment is keenly awaited but for now this splendid disc will sustain us. (John Quinn, MusicWeb International)Johann Sebastian Bach 1685-1750
Sol Gabetta is the young female superstar of the cello. The Argentine-French cellist, who speaks six languages fluently, has captured the hearts of audiences in many countries with her playing and her charisma. Sol has received prestigious awards: she won three Echo Klassik prizes in Germany, received Argentina’s Gardel Prize as “artist of the year“ in three consecutive years and in 2010 won the prestigious Gramophone Award as “young artist of the year”.For her fifth recording for Sony Music and the first on the Sony Classical label, Sol Gabetta has teamed up with her own ensemble, the Cappella Gabetta, a small ensemble that plays baroque music on period instruments, which was founded by Sol Gabetta and her brother Andres Gabetta (lead violin). Sol and Andres have chosen this group of musicians so that they can make music among friends and explore works of the Baroque and Early Classical genres.On the new album, entitled Il Progetto Vivaldi 2, Sol Gabetta and Cappella Gabetta perform beautiful Italian cello concertos. Three deservedly popular concertos composed by Antonio Vivaldi are coupled with a rarely recorded sonata by Vivaldi and a charming cello concerto by Leonardo Leo, a Neapolitan composer. The CD also includes a world premiere recording, a cello concerto by Giovanni Benedetto Platti, an Italian composer who worked in Germany between 1730 and 1763. The cello concerto by Platti was recently discovered near Würzburg in the archive of a castle of Duke of Schönborn. The Vivaldi concertos which Sol Gabetta has chosen for this recording were also discovered in this archive.
Two of the cantatas date from 1725 and since BWV 57 is actually prescribed for the second Day of Christmas it’s fascinating to think that the congregation of St. Thomas’s, Leipzig heard the first performances of BWV 57 and BWV 151 on consecutive days! Sir John admits in his notes, which are superb as usual, that BWV 151 was completely new to him. It’s unusual in that it opens with an aria which accounts for over half of the work, nearly 10:00 in this performance. It’s an enchanting soprano aria with a marvellous flute obbligato. Bach enriches the scoring by having an oboe d’amore doubling the first violin part. Gardiner speculates that the outer sections of the aria may suggest Mary singing a lullaby to her newborn son. Gillian Keith gives a performance of disarmingly loveliness. What Gardiner rightly calls an “inspirational” aria inevitably dominates the whole cantata but I am not complaining. BWV 57 is a dialogue cantata in which the bass soloist takes the part of God and the soprano is the Soul. Peter Harvey, already established through previous releases as a cornerstone of the Pilgrimage project, compels attention in the opening aria, ‘Selig ist der Mann’. He is partnered by Joanne Lunn who, in the following recitative offers compelling singing. She follows this with the aria, ‘Ich wünschte mir den Tod, den Tod’. Gardiner describes this as “one of those tragic triple-time dances at which Bach excelled.” Miss Lunn gives a deeply felt performance of it, receiving fine support from the English Baroque Soloists. Gardiner is not afraid to set a generous, broad tempo and he and all the performers dig deep under the skin of this wonderful music. Peter Harvey is commanding in the “show-stopping battle aria”, ‘Ja, ja, ich kann die Feinde schlagen’. Joanne Lunn is superb in her concluding aria but what really caught my ear was her contribution to the duet recitative that comes before it. She begins with some meltingly beautiful phrases and invests the whole recitative with life. BWV 64 opens with a short chorus in which the Monteverdi Choir offers splendidly animated singing. Bach’s inspired inclusion of a trio of sackbuts in the orchestra adds marvellous depth and gravitas to the overall sound. I liked very much the silvery soprano that Gillian Keith produces for her aria, ‘Was die Welt in sich hält’ and in the penultimate movement, an alto aria, the delightful oboe d’amore obbligato contrasts with and complements the timbre of Robin Tyson’s voice. Finally, BWV 133 begins with an exuberantly festive chorus and in the aria ‘Getrost! es fast ein heil’ger Leib’ Robin Tyson puts across very well an excited joy at the meaning of the Incarnation. Throughout this concert there are disappointingly few opportunities to hear that fine tenor, James Gilchrist – there isn’t a single tenor aria to be found! In the recitative allotted to him in this cantata he makes us realise what we’ve missed. By contrast, the programme is a feast for lovers of the soprano voice and a third excellent singer, Katharine Fuge, appears in this cantata. She sings the aria, ‘Wie lieblich klingt es is den Ohren’ with wide-eyed joy. I loved the way she switches the mood to tender regret in the more reflective central section. This programme is a delight from start to finish and the music shows Bach’s skill and perspicacity at responding in different ways to differing aspects of the Lutheran interpretation of the Christmas message. As ever in this series the standard of performance is spectacular and Sir John is a superb guide to the music, whether as conductor or annotator. This unfolding series goes from strength to strength and I look forward with the keenest possible anticipation to further releases in 2007. (John Quinn, MusicWeb International)
These days we have to be reminded that Easter, not Christmas, is the primary festival of the church year. (In Bach’s Leipzig, of course, Good Friday was the most important day of the musical year.) Nevertheless, Christmas was a major celebration at that time and place, with services on Christmas and the next two days, followed by observances on New Year’s day, the first Sunday of the New Year, and Epiphany. Consequently, Bach created considerable music for the season. The present disc, Volume 14 in the series, features two Christmas cantatas, BWV 91 (1724) and 110 (1725), and two cantatas for the day after Christmas, BWV 40 (1723) and 121 (1724).
Liturgical observance in Leipzig forbade the use of figural music during services after the First Sunday of Advent until Christmas so, since many of his pre-Leipzig cantatas have not survived, we have very little liturgical music by Bach for the Advent season but what we have is of high quality. Sir John made studio recordings of the three cantatas for Advent Sunday as long ago as 1992 (DG Archive 437 372-2, later 463 588-2) but I’d say that collectors who already have that disc should acquire the new version also even if, like me, they don’t discard the studio versions, which still have a great deal to offer.
The penultimate instalment in this series brings a “first”. The cantatas on disc one are not live performances but were set down under studio conditions a couple of days before the Pilgrims performed this programme in the chapel of Eton College. There’s a very good reason for this. Eton lies right under the flight path of Heathrow airport and so, as an insurance policy against aircraft noise, a prudent decision was taken to pre-record the programme, using long takes to simulate concert conditions as much as possible.
For the first of these consecutive Sundays after Trinity Sir John Eliot Gardiner led his Cantata Pilgrims to Italy, a country not so far visited on the journey - at least not in terms of issued recordings. For the following Sunday they returned to London and to the Old Royal Naval College Chapel, Greenwich. They’d been there before (Vol. 19) and it appears that this venue was a late substitute when a planned visit to the Baltic States was abandoned.
Spain, and its music and art, have long had a special appeal for Patricia Petibon: “From an early age I was intrigued and fascinated by Spanish culture, by the way the excessive and the subtle are inextricably linked. It glorifies emotions with pride and, at the same time, refinement. It’s a culture that comes from the earth, from the people. Everything about it appealed to me, and in my early recitals I liked to insert some Spanish songs into my American and French programmes. Then, when I went to Madrid to sing in Dialogues des Carmélites, I met the stage director Emilio Sagi, and that led to my opportunity to enter the world of zarzuela. It was Sagi who directed me in Torroba’s Luisa Fernanda in Vienna, where it was wonderful to be singing alongside Plácido Domingo. I found myself surrounded by performers from all kinds of Spanish-speaking backgrounds; they noticed how interested I was in their culture, and that’s how we made a connection, and I learned from real specialists. Spanish artists have a physical sense of the music: for them, it draws its strength from the body, and there I can’t resist making a connection with Baroque music, with dance, of course, and extreme characters – think of Médée or Armide. It also shares the same kind of quality of roughness, of rawness, and voices are used to express emotions, not just to make a lovely sound.”You can download here
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Volume 10 of the Cantata Pilgrimage series features the programs given in Potsdam and Wittenberg on the 29th and 31st of October, respectively. The first disc is devoted to three cantatas for the 19th Sunday after Trinity with BWV 90 (for Trinity 25) tossed in for good measure, while the second appropriately contains Bach’s two great Reformation Day cantatas (Nos. 79 and 80), separated by the brief, lively, and possibly incomplete No. 192. The three Trinity 19 cantatas are altogether more solemn, or at least begin that way. Coming a third of the year after the last major festival, these cantatas are concerned more with reassurance than exultation, and each concludes with a positive affirmation, and in the case of BWV 5, a triumphant one. Best known of the three, by far, is Cantata 56, for bass. Here divorced from its customarily joined-at-the-hip partner, BWV 82, it confirms its status as one of the elite cantatas. The inclusion of No. 92 is a happy solution to a number of dilemmas. The year of the Pilgrimage did not have enough Sundays after Trinity to accommodate it; it fills out what might otherwise have been a short program, and it is a vigorous and effective foil for its more introspective discmates.
Being the longest in the church year, the season of Trinity covers a vast range of human emotions and devotional themes. The huge number of Biblical texts that it provided gave Bach a chance to showcase the diversity of his talents, shown in this set of post-Trinity cantatas covering loss, shame, joy, pride, humility and much else in between.
The first cantata we hear is BWV 138, another cantata from the first Leipzig cycle and a "highly original experimental work." It opens with a deeply poignant chorus that mixes chorale and recitative. Hard on its heels, separated only by a recitative, comes another chorus that combines chorale and recitative, but this is very different in style from its predecessor. Eventually the mood of the cantata becomes more optimistic and Gardiner and his forces convey this change well.
The first disc includes three cantatas for the Fourteenth Sunday after Trinity, recorded in the church of the monastery founded by the Benedictine Order in the ninth century. This abbey church, completed in the fifteenth century, is in south-east France, in the Département de l’Ain. The Gospel for the Sunday in question is St. Luke’s story of Jesus healing the ten lepers. It will be remembered that only one of the ten thought to return to say his thanks. Two of the three cantatas are very serious in tone, using bodily sickness as a metaphor for mankind’s sinful condition. The exception is BWV 17, which picks up the theme of the grateful leper.
Volume Six in the series contains cantatas for two consecutive Sundays after Trinity. As Sir John points out in his notes, these are highly contrasting Sundays. The Twelfth Sunday brings “ a rarity – one of the most cheerful programmes of the whole Trinity season.” He continues, with a characteristically memorable turn of phrase, “After so many consecutive weeks of fire and brimstone and dire warnings against devilish temptations, forked tongues, false prophets and the like, it comes as a huge relief to encounter three genial, celebratory pieces…” As we shall see, for Bach the following Sunday represented a case of back to business as usual but on the Twelfth Sunday after Trinity we catch him wearing a smile.
No one embodies the spirit of innovation and experimentation more evidently than Anoushka Shankar. With her deep-seated understanding of Indian classical form and the rich heritage of her father's innovative genius, Anoushka is constantly pushing boundaries on every level. In Traveller - her debut album on Deutsche Grammophon - she finds her way into the nuances of modern flamenco through the vivid lens of Hindustani technique. In essence, Traveller charts the spiritual link across time and space of two highly evolved forms of musical expression, from their ancient gestation to their modern zenith. This is an album of innovation and rebirth - a perfect culmination of old and new. How appropriate then that the driving force behind this album was the birth of Anoushka's first child.
In his notes, Gardiner wonders what happened in late July 1724 that might have stirred the good Leipzig Cantor’s bile. Maybe he was only reacting to the lesson of the day (the eighth Sunday after Trinity), a stern admonition against hypocrisy, but the music he composed for Cantata 178, first performed on the 30th of that month, is relentlessly assertive, and, as Gardiner discovered, hard on the musicians. But in performance Gardiner soldiers on, and so does his ensemble, turning out a muscular realization of this potent score. Bach may have been a little calmer a year before, when he composed Cantata 136. The hypocrites were targets then, too, but the mood was more festive and the arias more forgiving. Likewise, in the middle of Cantata 45 a harsh warning, delivered in a blistering bass arioso, is mitigated by gentler arias. The impressive opening chorus of Cantata 46 is a complex melding of motet-style choral writing and concertato-style orchestral accompaniment.
The Sixth Sunday after Trinity found Sir John Eliot Gardiner and his pilgrims in Ansbach, where their concert was part of the Ansbach Bach week. Their programme included BWV 170, one of three cantatas for solo alto that Bach produced within the space of a few weeks in 1726, probably because he had the services of a particularly accomplished alto at that time. Michael Chance certainly comes under the heading of accomplished altos and he gives a very good account of the cantata. The heavenly, pastoral opening aria is phrased extremely well and Chance’s tone is very pleasing. I had a slight concern that, to my ears, he was a shade too emphatic in his delivery of some isolated words. I was very interested to learn from Sir John’s notes that when Bach’s son, Wilhelm Friedemann, proposed revising the cantata in 1750 he was only interested in performing this opening aria. I’ve always felt a bit guilty that I regard the rest of the cantata as something of an anti-climax and I’m slightly reassured to find that perhaps I’m not alone in this.
As ever, John Eliot Gardiner’s magnificent Bach Cantatas series eschews the big-boned, monumental approach to this composer of yesteryear. Here, in a really tremendous volume, is spiritual reflection paced to the fast-moving ebb and flow of life today. As such, it always feels relevant and vital. And much of that stems from the fact that Gardiner’s players and singers sound so utterly involved through every bar. Even if it doesn’t approach the polish of some versions, and one or two of the singers are not quite of the vocal quality of rivals, still they perform as if in response to some higher call. Among conductors, of course, few rank higher than Gardiner. And, as ever, the tempi and textures are warm and above all channel a sense of the humane. Woven into the whole are countless magical virtuoso moments – these may be great shared experiences, but the space for individual expression constantly keeps it personal. When the big collective moments do arrive, as at the end of Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, they do so with great force. And, as the marvellous Monteverdi Choir beseech Jesus for mercy, for the strength to resist temptation, there is no question as to the cumulative power of these readings. (Gramophone, 5/2008)
There are some of Bach's finest choral movements among the five cantatas featured on these two CDs, works intended for the second and third Sundays after Trinity. And although John Eliot Gardiner's "Bach pilgrimage" cantata cycle has had its hits and misses, here there's no doubt that Gardiner and his choir and orchestra really shine, whether elucidating the pleading text and illuminating the chromatic fugal textures of the opening of BWV 2 or rousing the heavens in BWV 76's Die Himmel erzählen die Ehre Gottes. Similarly, there's likely never been a more affecting expression of the first chorus of BWV 135, Ach Herr, mich armen Sünder, nor more touching, delicately pointed orchestral playing than in the Sinfonia of BWV 21.
On Christmas Day 1999 a unique celebration of the new Millennium began in the the Herderkirche in Weimar, Germany: the Monteverdi Choir and English Baroque Soloists under the direction of Sir John Eliot Gardiner set out to perform all Johann Sebastian Bach’s surviving church cantatas in the course of the year 2000, the 250th anniversary of Bach’s death.
If there were a prize for the most toe-curling CD cover, this new Liszt compilation would be in the running. It shows Lang Lang in a blissful trance, hands raised to receive Liszt’s spirit, while some spaghetti-like substance — possibly an ectoplasmic emanation from the dead composer — whirls around him.
Harlekin (1975) is one of the best known and most appreciated of Karlheinz Stockhausen‘s works for the originality of its mise-en-scène and mode of composition: the clarinettist, in fact, plays, mimes and dances contemporaneously. Stockhausen developed the concept of the composition for Formulas already tried, in, among others, Mantra (1970) and Inori (1972). The Formula, the extreme evolution of the post-Webernian series, is a collection of notes, dynamics, rhythms and detailed phrasing connected, by close internal bonds balanced by precise mathematical calculations. Stockhausen’s Harlequin no longer possesses almost anything of the mask of the commedia dell’arte: the character that we see on stage does not express himself through the word but through music and body language. The pantomime, in its entirety, becomes an abstract representation of man’s life. The Formula of Harlekin consists of 13 sounds which evolve and are modified, in the space of 43 minutes, through seven sections, to which Stockhausen gives an exact title. Michele Marelli (1978) is internationally recognised as one of the finest contemporary musicians of his generation. He collaborated with Karlheinz Stockhausen for more than 10 years, giving premières under his conductorship and recording 2 CDs with the Maestro himself. He has been Winner of the Stockhausen Stiftung für Musik (six times) and numerous other international awards; he collaborates, as clarinet and basset horn soloist, with the Ensemble Stockhausen and is assistant to Suzanne Stephens at Stockhausen Kurse Kürten. Harlekin was the last work prepared with the Maestro before his passing.
The Adagio from the Piano Concerto in A major K. 488 is one of Mozart’s most magically inspired movements and for Hélène Grimaud it is possibly the most sublime movement that he ever wrote for the keyboard: “Even if this movement were all we had, that would be enough.” It must remain an open question whether Mozart regarded the key of F sharp minor – an extremely unusual one for him – in the same way as his contemporary Daniel Schubart, who defined it as “a dark key that tears at passion as a vicious dog tears at your clothing”. But even if there is no doubt that Mozart was repeatedly inclined to conceal his true feelings behind a mask, Hélène Grimaud is convinced that he did not do so here in this profound, inward and heartfelt movement.
Born in 1979, Delphine Lizé had everything it took to ensure a resounding start to her career: two first prizes at the age of 13 at the Conservatoire National de Région in Nice (piano, in professor Odile Poisson’s class, and chamber music in Michel Lethiec’s class); a first prize in piano three years later at the Conservatoire National de Musique et de Danse in Paris, where she studied with Brigitte Engerer and Jacques Rouvier; and, in 1995, a nomination for the Victoires de la musique classique in the category Jeune Espoir (Young Hopeful). This faultless track record gained swift attention and rewards, in particular a concert during the Symphonew event, with the Orchestra of Cannes-Provence-Côte d’Azur, conducted by Philippe Bender.
Brahms's violin sonatas--particularly No. 3--contain some of his most personal and expressive music. In fact, they make an excellent introduction to his chamber music in general, being of moderate length and much less fussy than, say, the string quartets. Mutter has become the premier German violinist of her generation, and as her superb recent performance of the Violin Concerto demonstrates, she certainly knows her Brahms. Weissenberg, on the other hand, is a controversial pianist--a brilliant intellectual who sometimes overpowers his music with an excess of vehemence. His partnership with Mutter works well though--the music can take a little extra juice here and there. (David Hurwitz)
Conductor Rinaldo Alessandrini's historical-instrument recordings of Vivaldi and other Italian Baroque composers, originally recorded around the turn of the millennium for the Opus 111 label, are being reissued on Naïve, complete with the fashion-forward graphics for which that label is known. Any and all remain completely distinctive, but this all-Vivaldi disc makes perhaps the ideal place to start. It comes with a pretty substantial booklet essay (in French, English, and Italian, although the texts of the vocal pieces are only in Latin, English, and French) by Alessandrini himself, providing the historical background for his unorthodox readings; this is highly readable and touches on such subjects as visual art and theatrical history. Alessandrini's contention, in a nutshell, is that in Vivaldi's time, even in church and in instrumental music, the musical point of reference for an Italian audience was opera. His interpretations might be called hyper-dramatic, and the second good reason to choose this Alessandrini disc is that here he has a true vocal diva to help him realize his vision: contralto Sara Mingardo, whose presence in the Stabat Mater in F minor for contralto, strings, and continuo is stunning. Alessandrini often uses an organ continuo as a sort of extra string layer, adding syncopated stabs of emotion, and when he gets into step with Mingardo the effect is very powerful even in the absence of vocal fireworks; this is a stately Stabat Mater rather than a fiery one, even in the "Fac ut ardeat cor meum" verse. The entire program builds to this point, with a little-heard alto motet and an unusual trio of church-oriented concertos with a variety of unusual solo wind instruments. Arresting from the first stroke, this is a classic of Baroque music-making. (September 15, 2010 by James Manheim, Rovi)
Anna Prohaska was born in 1983 and began her musical training with the conductor Eberhard Kloke at the age of 14. Later she studied singing with Brenda Mitchell at the Hanns Eisler Hochschule für Musik in Berlin and made her highly successful debut in 2002 in Britten’s Turn of the Screw at the Komische Oper. In 2006 she won the hearts of Berlin Staatsoper audiences as Frasquita in a production of Carmen conducted by Daniel Barenboim. Since the 2006/07 season she has been a company member of the venerable opera house on Unter den Linden and has already appeared in a wide range of roles: under Philippe Jordan she sang Blonde in Mozart’s Die Entführung aus dem Serail and Oscar in Verdi’s Un ballo in maschera, with René Jacobs on the podium she portrayed Poppea in Handel’s Agrippina, and under the musical direction of Ingo Metzmacher recently she was an enchanting Anne Trulove in Stravinsky’s The Rake’s Progress. Anna Prohaska, who has also been making her name as a recitalist, has been repeatedly invited to sing with conductors including Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, Mariss Jansons and Daniel Harding, and she is a regular guest at concerts of the Berliner Philharmoniker and the Salzburg Festival. The singer’s repertoire extends from the Renaissance to music of the 20th century. For her first solo album, she has taken inspiration from Andersen’s famous fairytale The Little Mermaid. Joined by pianist Eric Schneider and lutenist Simon Martyn-Ellis, she has programmed songs ranging from the English old masters Dowland and Purcell, by way of Haydn, Mendelssohn, Schubert and Schumann and turn-of-the-century composers Fauré, Mahler and Wolf, to the early-modern works of Debussy, Szymanowski and Honegger.
After his hugely successful release of Verdi’s Requiem a year ago, Pappano stakes his claim to another Italian choral masterwork in Rossini’s Stabat Mater and the results are magnificent. Pappano, in fact, sees the Stabat Mater as a forerunner of the Verdi Requiem saying, “The desperation and the drama is already there”. And how! As with Verdi’s Requiem any conductor has to make his decision about whether this is a work of spiritual devotion or operatic drama. Pappano nails his colours to the mast from the outset: he sees this as a work of red-blooded Italian passion, a natural successor to Rossini’s operas. Listening to it I only once felt drawn towards the devotional: everywhere else Italian passion courses and burns through this work, and it is all the better for it!
Listened to ‘blind’ this is a rather odd programme. Concert programmes often slip in a ‘modern’ work between a more popular or familiar set of ticket-selling masterpieces, but in this case the better known César Franck finds himself sandwiched between recent compositions. Gidon Kremer and ECM know what they are doing however, and while the character of the newer works contrasts sharply with the Franck Piano Quintet, the general sentiment and genre is one of tonal romanticism.Stevan Kovacs Tickmayer [1963 - )
1) Eight Hymns
In memoriam Andrei Tarkovsky (1986/2004)[11:47]
I. Calmo
II. Tranquillo
III. Pesante
IV. Sereno
V. Molto tranquillo
VI. Pregando
VII. Dolce
VIII. Molto semplice
César Franck (1822 - 1890)
Piano Quintet in f minor (1878/79)
2) I. Molto moderato quasi lento. Allegro [15:55]
3) II. Lento, con molto sentimento [10:45]
4) III. Allegro non troppo, ma con fuoco [8:40]
Giya Kancheli (1935 - )
5) Silent Prayer (2007) [26:40]
Gidon Kremer, violin
The Kremerata Baltica
Roman Kofman, conductor
Khatia Buniatishvili, piano
Andrei Pushkarev, vibraphone
Marija Nemanytė, violin
Maxim Rysanov, viola
Giedrė Dirvanauskaitė, violoncello
Sofia Altunashvili, voice on tape
2010 ECM Records GmbH
1 CD DDD
ECM 2161
476 3912
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Charles Ives wrote many memorable works, but the first of his compositions I ever heard was his set of lyrical and evocative sonatas for violin and piano. Something about the way they juxtaposed melodies—some familiar, some not—with unexpected harmonies and rhythmic themes captivated me. At the outset I was particularly drawn to Ives’s Third Sonata, so when I was assembling my next recital program with my duo partner Valentina Lisitsa, that piece was a natural choice.
I remember first hearing The Lamentations of Jeremiah of Thomas Tallis (1505-1585) as performed by the Deller Consort on an old Vanguard LP. Needless to say, my fifteen-year-old ears were awestruck by the ache of their eponymous emotion. In the hands (or should I say mouths?) of the Hilliard Ensemble the music of Tallis has become something else entirely. What the Deller recording displayed in brooding sensibility, the Hilliards have matched tenfold in the sheer expanse of their craft and in the ways in which that craft unfurls in a realm of earthly care. Composed during the latter half of the sixteenth century, the Lamentations are of the utmost spiritual refinement. Yet Tallis scholar Paul Doe asserts that the Lamentations “were not conceived as church music at all, but rather for private recreational singing by loyal Catholics.” Nevertheless, their masterful shifts in harmony and register make for a challenging “recreation” to say the least. Tallis has forged a delicate balance between each vocal line, and recreating this balance requires astute attention to many intricacies beyond the printed score. This the Hilliards pull off with dutiful concentration in a fluid and precise performance. The sheer sense of continuity and retrograde motion in these motets lends itself well to the shape and mood of their source texts. Each voice is clearly heard, rising intermittently above the others in slow waves in one of the most stunning examples of polyphony ever composed.Thomas Tallis (1505 - 1585)
The Lamentations of Jeremiah
1) Incipit lamentatio [8:42]
2) De lamentatione [12:51]
3) Salvator mundi [2:45]
4) O sacrum convivium [3:42]
Mass for Four Voices
5) Gloria [5:39]
6) Credo [5:41]
7) Sanctus [2:54]
8) Benedictus [2:33]
9) Agnus Dei [3:57]
10) Absterge Domine [5:29]
The Hilliard Ensemble
1987 ECM Records GmbH
1 CD DDD
ECM 1341
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Only three years separate the first sketches of Arnold Schoenberg's only symphonic poem Pelleas und Melisande, Op. 5 from the string sextet Verklärte Nacht of 1899; yet in some ways the distance traveled during this brief span is greater than that traveled by many composers during an entire lifetime. While the musical roots of Pelleas are, by and large, the same as those of the sextet—the most immediate being debts to the underlying "Leitmotiv" techniques of Wagner and the surface-level luxuriousness of Richard Strauss' own tone-poems—the contrapuntal web that Schoenberg weaves in Pelleas is so dense and of such chromatic complexity that the music is transfigured into something wholly new. To be sure, Pelleas is not an entirely successful score: the manner in which tonal and hyper-chromatic idioms interact throughout the score is perhaps not as fluid and natural as it had been in Verklärte Nacht, and the piece sometimes runs the risk of collapsing under its own weight. But during the early twentieth century, Schoenberg's musical language was developing at so rapid a pace that he could scarcely keep up with himself, and it is entirely understandable that, in his effort to give birth to such a remarkably new style of musical expression, he would overstretch himself a bit; before the decade was out, the path to which Pelleas clearly points had been followed, with consequences that would shape an entire century of music.
In this new recording, Philip Glass' 2001 Cello Concerto No.1 gets a vivid and exciting new interpretation by cellist Wendy Sutter, with conductor Dante Anzolini, and the Orchestra of the Americas. Glass' concerto was previously recorded by the Royal Liverpool Philharmonic with Julian Lloyd Webber under Gerard Schwarz. The piece was composed in 2001 and premiered in Beijing with Lloyd Webber, however Glass couldn't attend because of travel fears immediately following the terror attacks in New York. Eventually, seven years later, Glass finally heard his concerto performed live at its United States premiere in La Jolla with Wendy Sutter and the La Jolla Symphony under Steven Schick. The concerto has since found a second life with Sutter performing the piece in Belgium, Holland, at the Cabrillo Festival of Music under Marin Alsop, and on tour in South America with the Orchestra of the Americas. It was on this tour, in Quito Ecuador that this Michael Riesman produced recording was made.
Fans of the string quartets by Beethoven, Schubert, Schumann, and Mendelssohn should by all means try this disc of string quartets by George Onslow. British-born and Bohemian-trained composer spent most of his career in France, and aside from their tonal language and their four-movement structure, his quartets have little in common with his German contemporaries. In fact, they have little in common with the music of his French contemporaries, who concentrated mostly on stage works. But in these overwhelming persuasive performances by the Quatuor Diotima, Onslow's quartets come across as fully formed, wholly confident, and enormously expressive works. There is tremendous power in the fast movements: the rip-roaring Scherzo, from his "D minor Quartet, Op. 55"; immense pathos in the slow movements: the heartbreaking Andante con variazioni from the "E flat Quartet, Op. 54"; and awesome intensity in the opening movements: the monumental Allegro maestoso ed espressivo from the "C minor Quartet, Op. 56." Like the Quatuor Diotima's earlier recording of Lucien Durosoir's completely different but entirely compelling quartets, this disc will hopefully serve to introduce these splendid works to music lovers who might ordinarily ignore them. Naïve's digital sound is crisp yet evocative. (James Leonard, Rovi) 
Grażyna Bacewicz, a distinguished Polish composer of the twentieth century and anaccomplished violinist and pianist, bridges the gap between the neo-romanticism of Karol Szymanowski and the modernism of Witold Lutosławski. Despite her premature death, at the age of fifty-nine, she left an impressive oeuvre of more than 200 compositions, including four symphonies, seven violin concertos, seven string quartets, and five sonatas for violin and piano, as well as concertos for piano and numerous works for both chamber orchestra and full orchestra.
A delicious irony links the seemingly disparate names of Igor Stravinsky and Walt Disney, extending back well over six decades. In 1938 the Russian composer, his renown well established by a string of startling masterpieces in which the notorious Rite of Spring of 1913 held an ancestral position, was approached by the Disney Studios for permission to use that fearsome work in an innovative high-cultural venture. It was to be a classical-music-omnibus animated film called Fantasia, with Stravinsky’s music standing cheek-by-jowl with masterworks by Beethoven, Bach, Tchaikovsky and – coincidentally – a hoked-up version of Mussorgsky’s Night on Bald Mountain. Disney’s offer, by the way, made clear the fact that, since works by Russian composers were unprotected by copyright in the United States, it would make no difference if Stravinsky should decide to withhold permission – which, in the event, he did not.
To know Esa-Pekka Salonen as a conductor who also composes is, as the booklet accompanying the first CD of his music says, ". . . to consider his story in reverse." But that's not entirely true, because the Salonen who heads the orchestra clearly informs the Salonen who writes music: in these pieces you can hear the icy grandeur of Sibelius, the eccentricity of Ligeti, the sparkle and bite of Stravinsky, the modal wash of Debussy, and even the "tonality" of Reich. From this distinguished roster (all of whom, with the exception of Reich, Salonen champions with brilliant results) comes music that is innovative without being obviously eclectic. Rather, it is clear, direct, and wholly original. This composer really knows his way around the orchestra--and what's more, he can write a melody.
Steve Reich's WTC 9/11 marks the 10th anniversary of the terrorist attacks on the World Trade Center. Commissioned for and recorded by Kronos Quartet, WTC 9/11 is scored for three string quartets and pre-recorded voices. The album also includes Reich's Mallet Quartet, performed by So Percussion, and Dance Patterns, featuring members of Steve Reich and Musicians, as well as a DVD with a live performance of Mallet Quartet by So Percussion.
A conversation with Robert Sadin
Ever since her 2002 debut at the Met in Prokofiev’s War and Peace, under the baton of her early champion Valery Gergiev, Anna Netrebko has been a singer worthy of pursuit. When I was first appointed General Manager of the Met in 2004, I tracked her from Vienna – where the audience cheered her for what felt like an hour when she sang in L’elisir d’amore – to Salzburg, where she overwhelmed the public with one of the most memorable performances of La traviata ever.It would be happy news for opera fans if this release indicated the beginning a trend for the Metropolitan Opera: releasing albums of excerpts of operas from its vast archive that showcase the work of individual singers. Recitals of operatic arias and scenes recorded in the studio are a dime a dozen (and for a rising star, a practically obligatory rite of passage). The results can easily sound sterile and formulaic; the same repertoire for each voice type gets endlessly recycled, the supporting singers are seldom of the highest quality, and the orchestral accompaniment is a wild card, sometimes stellar and sometimes barely adequate. A series of releases from the Met would guarantee a high quality of orchestral and choral support, excellent soloists in the extended scenes and ensemble pieces, and the dynamic charge of live performance that's rarely captured in the studio. This release is all of those things, besides being a glowing testimony to Netrebko's artistry; her immersion in her roles and easy dramatic flair for both comedy and tragedy, the breadth of the repertoire in which she excels, and her remarkable voice: velvety, lustrous, beguiling.
This collection was released in celebration of the tenth anniversary of Netrebko's Met debut in 2002 as Natasha in Prokofiev's "War and Peace," and includes a rhapsodic scene (with Dmitri Hvorostovsky and Ekaterina Semenchuk) from that production. Every track is fully satisfying. The Mad Scene from "Lucia" is chilling in Netrebko's haunted and haunting performance. The two scenes from "Roméo et Juliette" are high points. There's real chemistry between Netrebko and Roberto Alagna, and their duet, "Huit d'hyménée," is vocally gorgeous and saturated with sensuality. The delightful trio from "Don Pasquale," which also features Juan Diego Flórez and Mariusz Kwiecien, offers ample evidence of the performers' sly humor. This is a release that will be indispensible for Netrebko's fans. There is some variability in the sound quality and ambience between tracks, but its impact is negligible because it's never less than very fine. (Stephen Eddins, Rovi)
Vincenzo Bellini (1801 - 1835)
I Puritani
Act 2
1. Qui la voce sua soave [3:59]
Anna Netrebko, Metropolitan Opera Orchestra, Patrick Summers
Sergei Prokofiev (1891 - 1953)
War and Peace, Op.91
2. Ya ne budu ... Duet: Kak solntze za garoi [5:38]
Anna Netrebko, Ekaterina Semenchuk, Dmitri Hvorostovsky, Metropolitan Opera Orchestra, Valery Gergiev
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Don Giovanni, ossia Il dissoluto punito, K.527
Act 2
3. "Vedrai, carino" [3:57]
Anna Netrebko, Metropolitan Opera Orchestra, Sylvain Cambreling
Gaetano Donizetti (1797 - 1848)
Don Pasquale
Act 3
4. "Senz'andar lungi...La morale in tutto questo" [4:04]
Anna Netrebko, Juan Diego Flórez, Mariusz Kwiecien, Simone Alaimo, Metropolitan Opera Orchestra, Maurizio Benini, Metropolitan Opera Chorus
Giuseppe Verdi (1813 - 1901)
Rigoletto
Act 3
5. "Ah, più non ragiono!..." [6:17]
Anna Netrebko, Nancy Fabiola Herrera, Eric Halfvarson, Metropolitan Opera Orchestra, Asher Fisch
Charles Gounod (1818 - 1893)
Roméo et Juliette
Act 4
6. Nuit d'hymnénée! [11:04]
Anna Netrebko, Roberto Alagna, Metropolitan Opera Orchestra, Plácido Domingo
7. "Dieu! quel frisson" / "Amour, ranime mon courage" [6:00]
Anna Netrebko, Metropolitan Opera Orchestra, Plácido Domingo
Gaetano Donizetti (1797 - 1848)
Lucia di Lammermoor
Act 3
8. "Il dolce suono" - "Ardon gl'incensi" [12:59]
Anna Netrebko, Metropolitan Opera Orchestra, Marco Armiliato, Metropolitan Opera Chorus
Jacques Offenbach (1819 - 1880)
Les Contes d'Hoffmann
Act 3
9. "Pourtant, ô ma fiancée" ... "C'est une chanson d'amour" [3:59]
Anna Netrebko, Joseph Calleja, Metropolitan Opera Orchestra, James Levine
Giacomo Puccini (1858 - 1924)
La Bohème
Act 3
10. "Donde lieta uscì" [3:29]
Anna Netrebko, Metropolitan Opera Orchestra, Marco Armiliato
Act 1
11. "O soave fanciulla" [4:33]
Anna Netrebko, Piotr Beczala, Metropolitan Opera Orchestra, Marco Armiliato
2011 Deutsche Grammophon GmbH, Hamburg
1 CD DDD
477 9903 o GH
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Canadian pianist Angela Hewitt made her reputation with fine, distinctive recordings of Bach and other Baroque composers, treated pianistically but not anachronistically. Baroque specialists who record Classical and Romantic music, especially that of Beethoven, tend to generate unorthodox results; exhibit A was Hewitt's fellow Canadian Glenn Gould. Hewitt has undertaken her own Beethoven piano sonata cycle, and while her readings are not outrageous like Gould's, they're perhaps part of the same general family. Her approach is quiet almost throughout; the sharp accents in the finales of the "Piano Sonata No. 14 in C sharp minor, Op. 27, No. 2, Moonlight," and in the "Piano Sonata No. 12 in A flat major, Op. 26," seem to come out of nowhere because her touch up to that point has been so gentle. At times she makes Beethoven sound almost like Bach, and this is all to the good in the outer movements of the "Piano Sonata No. 10 in F major, Op. 10/2," where all kinds of details of counterpoint show up and remind us that Beethoven took on Vienna's top contrapuntist, Albrechtsberger, as a teacher. In the more Schubertian late "Piano Sonata in E minor, Op. 90," Hewitt's gossamer textures may be a matter of taste, but there's no question that she executes fully thought-out interpretations that could, if they strike the listener in the right way, be quite hypnotic. If you're wondering about the program and the unusual placement of the early "Moonlight" sonata at the end, Hewitt cheerfully explains in her own notes (in English, French, and German) that no particular principle other than including one famous sonata along with a group of less familiar ones governed her choice. Not everyone's cup of tea, but on balance a recording that will certainly satisfy Hewitt fans and may well make her some new ones. (James Manheim, Rovi) 
Angela Hewitt's Beethoven recordings for Hyperion will not be regarded as the most heroic, stormy, or passionate ever made, but her polished technique, transparent execution, and penetrating interpretations make her performances exciting to hear, even if they aren't frenzied, hair-pulling experiences. Hewitt is best known as a leading exponent of J.S. Bach's keyboard music, and her impeccable playing may seem better suited to the narrow range of expression in Baroque music than to the much greater mood swings of late Classical and early Romantic music, which are especially pronounced in Beethoven's works. Still, there is much to recommend Hewitt's playing in these three piano sonatas, where her clear lines and controlled dynamics give nuances and dimensions to the music, and place the emphasis on refinement over showiness and finesse over force. The delicacy of Hewitt's playing of the "Piano Sonata No. 3 in C major" is appealing, and the expressive details she finds in the "Piano Sonata in D major, Pastoral," are compelling and quite affecting; the most noticeable subtleties come in the "Piano Sonata No. 8 in C minor, Pathétique," which Hewitt plays with suppleness, freshness, and clarity, and she almost makes one forget that this is one of Beethoven's most overworked warhorses. Hyperion's sound meets its highest standards, and the piano sounds crisp and clean in this resonant recording. (Blair Sanderson, Rovi) 
Angela Hewitt's first instalment in a projected Beethoven sonata cycle for Hyperion offers intelligent, stylish and often illuminating interpretations. The contrapuntal acumen she regularly brings to Bach suits Beethoven's linear trajectory, as borne out by Hewitt's astute (yet never fussy) care over inner voices and bass-lines. She takes Beethoven's characteristic dynamic contrasts on faith but not to extreme, discontinuous ends, while her ear for uncovering melodic outlines of rapid arpeggios ensures that these figurations don't sound "notey". In addition, Hewitt's strong left hand lends uncommon clarity and direction to passages such as the double notes in Op 10 No 3's first movement, or the motoric sequences 208" into Op 7's Rondo. Occasional telltale signs of pre-planning include Hewitt's tendency to hesitate a split second before Beethoven's trademark subito pianos, thereby softening one's sense of surprise. I also think her protracted treatment of Op 10 No 3's Largo would have benefited from Claudio Arrau's gravitas and sustaining power. Fusing poetry and passion, Hewitt lets her long hair down and her fingers run wild in the Appassionata's first movement. She continues with a brisk and well unified account of the central variations, and suffuses her powerful, headlong finale with cutting accents and perceptive modifications of the basic pulse. The Fazioli piano's lean bass and bright treble characterise the kind of timbral differentiation one often associates with instruments of Beethoven's time. (Jed Distler / Gramophone, November 2006)
It's impossible to avoid an aura of profound mournfulness, once Sonia Wieder-Atherton embarks on her mission of music-gathering from Central and Eastern Europe. The Sinfonia Varsovia, from Warsaw, provides a highly sensitive surround here, for what is essentially a cello showcase. The album is subtitled Songs from Slavic Lands, but its orientation isn't as folkloric as initial impressions might suggest. Traditional sounds are filtered through the studied compositional process, with the repertoire including works by Rachmaninov, Dohnányi, Prokofiev, Martinů and Mahler. A living composer, Franck Krawczyk, provides the longest work, as a midway centrepiece. There is also a pair of traditional Jewish songs to further broaden the palette.
No one has trawled through more 17thcentury instrumental music in the past 30 years than or Peter Holman. This programme reveals the extent of his referencing - as C and D major trumpet works are discriminatingly juxtaposed with an interesting panoply of string pieces in reflective relief, such as the affecting F minor Scarlatti Sonata. The trumpet works are rather more variable. Crispian Steele-Perkins has recorded many such discs for Hyperion in the past two decades and, frankly, there isn't that much good stuff left. While trumpet music in the Italy of the 1680s and 1690s was plentiful (and historically important for its blue-printing of concerto principles), only a few composers knew how to extend the limited harmonic constraints of the natural trumpet with the necessary elan and interest.
Tori Amos marks her debut album for Deutsche Grammophon, the world’s most celebrated classical music record label with Night of Hunters, set for release this September. The iconic, platinum-selling singer-songwriter continues her legacy of ground-breaking recordings with this 21st century song cycle inspired by select classical pieces spanning the last 400 years.
Acclaimed as one of the greatest interpreters of Mozart, Portuguese pianist Maria-João Pires is an artist who combines exquisite stylistic refinement with a serious effort to plumb the intellectual complexities and spiritual depths of music. Refusing to conform to the traditional image of a concert virtuoso, Pires emphasizes the spiritual dimensions of music, always searching for hidden meanings which may elude the analytical performer. This remarkable reverence towards works of music, clearly manifested in her performances of Mozart, was made explicit by her remark that, as a performer, she acts as a channel for the composer's ideas. Interestingly, Pires views both the composer and the performer as conduits for a transcendent force. However, while approaching the work of music with immense awe, Pires is acutely aware of its formal structure, finding a certain transparency in the most intricate formal constructions. In her performances of Romantic masters, particularly Chopin and Schumann, Pires masterfully reconciles her passionate experience of the music with an admirable appreciation for the inner logic of the work she is interpreting. Reflecting her vast emotional range, her tone, as critics have observed, encompasses a dizzying variety of intensities, from an almost imperceptible lightness to an imposing monumentality, with a rich scale of intervening nuances. Another hallmark of her style is her uncanny ability to capture, and convey, the precise variety of inner movement which constitutes the being of a particular musical creation.
The WarnerNuzova duo — cellist Wendy Warner and pianist Irina Nuzova — makes its recording debut with five late-Romantic Russian works on an album dedicated to the memory of one of Warner’s mentors, the illustrious Russian cellist, composer, and conductor Mstislav Rostropovich (1927–2007).
Bayo sings a selection of arias from Giulio Cesare, Rinaldo and Alcina along with the Italian cantata Tra le fiamme and the Spanish language cantata No se emendara jamas.
“These two sonatas are both a part of me – I have spent a lot of time with them. There comes a point at which every musician has to document his or her own engagement with Beethoven. In my case this point may appear to have come early, but there is no doubt that it is a challenge that allows one to grow. And, after all, Beethoven was still young when he wrote these works.” Alice Sara Ott has been working on Beethoven’s two C major sonatas for ten years. Nor is this the first time that she has considered the idea of comparing and contrasting these two very different works: “I have always wanted to show this contrast because I find it enormously exciting to see how fundamentally Beethoven changed within the space of only eight years. These two sonatas reveal Beethoven as man and artist at two very different periods of his life. They are in the same key, but the mood of these two works could hardly be more different. Normally the key of C major makes one think of brightness and energy, and this is certainly true of the op. 2 no. 3 Sonata, which exudes tremendous vitality and a very real love of life. But with the ‘Waldstein’ Sonata we enter a completely different world.” Alice Sara Ott is convinced that the performer can find everything he or she needs to know about a work within the music itself. In spite of this, she has taken a close interest in Beethoven’s letters since her childhood and has also read accounts of the composer’s life.
Time and again she seeks out the challenge of a first performance – perhaps, too, because she regards the chance to engage in a dialogue with living composers as a form of refuge before she returns to a repertory she has known for thirty years and which she nonetheless feels each time is a terra incognita. Above all, however, Anne-Sophie Mutter is motivated by the desire to keep on rediscovering the violin. That is why she seeks out composers who can coax new sounds from her instrument, finding new musical languages and awakening a new sensuality.
The last days of Jesus on earth: recounted variously by four Gospel journalists in the century that followed, they have been retold, and set to music, thousands of times ever since. J. S. Bach's settings of two of the four Passion texts loom magnificently, but in the year 2000, with Bach dead exactly 250 years, the International Bach Academy of Stuttgart dared to commission new settings of the Passion segments of all four Gospels, translating the spirit of Bach - but not necessarily his musical style - to present times. Taking on the task were Germany's Wolfgang Rihm, Russia's Sofia Gubaidulina, China's Tan Dun and Osvaldo Golijov, who was born in Argentina in 1960, moved to Israel in 1983 and settled in the US three years later. All four works - each lasting 90 minutes - were widely acclaimed, but it was Golijov's setting of the Gospel of Mark that truly raised the roof at its Stuttgart premiere in September 2000 - conducted by the work's dedicatee, María Guinand - with an ovation lasting well over half an hour.
The masterly pianist Mitsuko Uchida is widely acclaimed for the refinement and intelligence of her playing. Schumann brings out her fanciful and impetuous side, as is clear on a wonderful recording of two major Schumann works . . . Ms. Uchida captures the music's unbridled imagination. But at her core, since she is such an elegant and insightful musician, she also plays with an acute sensitivity to harmonic shadings and contrapuntal complexities and, when it is called for, uncanny textural clarity. This makes for an uncommon blend of rhapsodic freedom and revealing detail. The three-movement Fantasie is a homage to Beethoven and, despite its title, one of Schumann's most ingeniously structured works. Ms. Uchida conveys both the architectural and fantastical elements in her magisterial performance. The recording, a Decca Prestige Edition release, includes a bonus CD of Ms. Uchida discussing Schumann with the critic James Jolly. It is fun to hear her thoughts about how the piano music of Schumann (like that of Bach, Mozart, Beethoven and others) reveals what kind of pianist he was. (Anthony Tommasini, The New York Times / 11. April 2011)
For the first time, a "Best of" two CD set including the most beautiful samples of her extensive discography is being published now. The album presents excerpts of Anne-Sophie Mutter's show pieces of the of the great violin classics.
CD 1:
Violin Concerto No.5 in A, K.219
1) 1. Allegro aperto [9:38]
Violin Concerto No.3 in G, K.216
2) 2. Adagio [9:49]
Violin Concerto in D, Op.61
3) 3. Rondo. Allegro [10:16]
Violin Concerto in E minor, Op.64
4) 2. Andante [7:15]
Violin Concerto in E minor, Op.64
5) 3. Allegretto non troppo - Allegro molto vivace [6:12]
Lieder ohne Worte, Op.62 - Arr. Fritz Kreisler
6) 6. Frühlingslied [2:16]
Sonata for Violin and Piano No.5 in F, Op.24 - "Spring"
7) 4. Rondo (Allegro ma non troppo) [7:16]
Violin Concerto No.1 in A minor, BWV 1041
8) 3. Allegro assai [3:08]
Violin Concerto No.2 in E, BWV 1042
9) 2. Adagio [7:09]
Concerto for Violin and Strings in F minor, Op.8, No.4, R.297 "L'inverno"
10) 1. Allegro non molto [3:27]
Concerto for Violin and Strings in G minor, Op.8, No.2, R.315 "L'estate"
11) 3. Presto (Tempo impetuoso d'estate) [2:33]
Tango Song and Dance (dedicated to Anne-Sophie Mutter)
12) 2. Song. Simply [4:58]
CD 2:
Violin Concerto No.1 in G minor, Op.26
1) 1. Vorspiel (Allegro moderato) [8:36]
Violin Concerto in D, Op.35
2) 2. Canzonetta (Andante) [7:18]
Violin Concerto in D, Op.35
3) 3. Finale (Allegro vivacissimo) [9:30]
4) Thaïs / Acte Deux - Meditation [6:36]
Violin Concerto in D minor, Op.47
5) 3. Allegro, ma non tanto [7:13]
Violin Concerto in D, Op.77
6) 2. Adagio [9:18]
7) Hungarian Dance No.6 in D flat - transcr. in B flat major for violin and piano by Joseph Joachim [3:40]
8) Zigeunerweisen, Op.20 [8:36]
9) Caprice viennois op.2 [4:09]
10) Porgy and Bess - Summertime [2:09]
11) Beau Soir [3:00]
2011 Deutsche Grammophon GmbH, Hamburg
2 Compact Discs
480 5566 1
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The 'INITIALES' series is an invitation to discover the artists of harmonia mundi. Ten years after a Schubert disc recorded in the ‘New Musicians' series, this double album celebrates a British pianist at the peak of his artistry and in his genre of choice. It is no coincidence that Paul Lewis has made a speciality of the sonatas of three pianist-composers: Beethoven (of whose complete sonatas he has made a memorable recording), Schubert of course, and finally Liszt, a performance that returns to the catalogue thanks to this reissue.
It is tempting to think of this marvellous programme as masterpieces of the modern flute repertoire. They are certainly masterpieces, and each has entered the flute repertoire, but they can scarcely be given the epithet ‘modern’ when all were composed by the middle of the last century. Philippe Bernold and Alexandre Tharaud have assembled a recital of flute pieces by the French composers who had the greatest impact on postwar musical thought. Unlike similar rival collections, there is not a single musical weak link in this recital even if, with the exception of Jolivet’s Cinq incantations, these pieces are not representative of their respective composers’ mature styles. Nevertheless, each is a classic example of the progressions made in writing for the flute after Debussy.
Pierre Boulez (1925 - )
1)Sonatine
Olivier Messiaen (1908 - 1992)
2)Le Merle Noir
André Jolivet (1905 - 1974)
Cinq Incantations
3) 1. Pour Accueillir Les Négociateurs, Et Que L'Entrevue Soit Pacifique
4) 2. Pour Que L'Enfant Qui Va Naître Soit Un Fils
5) 3. Pour Que La Moisson Soit Riche Qui Naîtra Des Sillons Que Le Laboureur Trace
6) 4. Pour Une Communion Sereine De L'Être Avec Le Monde
7) 5. Aux Funérailles Du Chef, Pour Obtenir La Protection De Son Âme
Henri Dutilleux (1916 - )
8) Sonatine
Edgar Varèse (1883 - 1965)
9) Density 21.5
Philippe Bernold
Alexandre Tharaud
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Argentinean-born Osvaldo Golijov has fast become the must-hear composer of the new generation, and this collection of chamber works that range in date from 1992 to 2001 shows what all the to-do is about. Golijov's musical vocabulary is primarily tonal -- particularly in gentle moments, when he seems at his best -- but he's not afraid to reach for more adventurous devices when the mood becomes agitated. The result is compelling music that often has a traditional feel, but with a distinctly modern accent. Above all, however, Yiddishbbuk reveals Golijov's deep attachment to the Jewish music that is his heritage, with liberal borrowings from Klezmer and other eastern European idioms. The quintet, The Dreams and Prayers of Isaac the Blind (1994), for example, is an epic piece that is redolent with Jewish history and culture; indeed, Golijov writes in the booklet that he hears its various movements in three separate languages: ancient Aramaic, colloquial Yiddish, and sacred Hebrew. Timeless and hauntingly beautiful, it is such a striking composition that Todd Palmer, the clarinetist, has declared it the successor to Mozart and Brahms's great clarinet quintets. The title work (1992), a quartet, is no less interwoven with Jewish culture, but it is by far the more concentrated and forceful, beginning with a remembrance of children interned in a Nazi concentration camp. Other movements celebrate Isaac Bashevis Singer and Leonard Bernstein. Lullaby and Doina (2001) began life as music for the film The Man Who Cried, yet it stands on its own quite well, sweetly melodic and evocative of eastern European folk styles. In contrast, the opening work, Last Round (1996), is a fanciful homage to Golijov's great countryman, Astor Piazzolla, and one can almost hear the old tango master working his bandoneon in the bracing first movement. The St. Lawrence Quartet, which has collaborated closely with Golijov since their first meeting at Tanglewood in 1992, plays his music with intense dedication and the understanding of an old friend. Palmer, too, is an apt partner and makes a surprisingly successful klezmer player. The sound quality is excellent, affording an ideal window onto this talented composer's distinctive and enthralling musical world. (EJ Johnson)
Osvaldo Golijov (1960 -)
Last Round
1) I Movido, Urgente - Macho, Cool And Dangerous [6:35]
2) II Lentissimo [6:27]
Lullaby And Doina
3) Lullaby [1:55]
4) Doina [3:14]
5) Gallop [1:48]
Yiddishbbuk
6) I Ia. D.W. (1932-1944) Ib. F.B. (1930-1944) Ic. T.K. (1934-1943) [3:40]
7) II I.B.S. (1904-1991) [5:24]
8) III L.B. (1918-1990) [4:56]
The Dreams And Prayers Of Isaac The Blind
9) Prelude: Calmo, Sospeso [3:54]
10) I Agitato - Con Fuoco - Maestoso - Senza Misura, Oscillante [9:16]
11) II Teneramente - Ruvido - Presto [11:21]
12) III Calmo, Sospeso - Allegro Pesante [8:18]
13) Postlude: Lento, Liberamente [2:39]
St Lawrence String Quartet
Todd Palmer, clarinets
Tara Hellen O'Connor, flute
Mark Dresser, double bass
Ying Quartet
2002 EMI Classics
1 CD DDD
57356-2
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Joaquín Rodrigo was born in Sagunto (Valencia) on St Cecilia's day, the patron saint of music, 22 November 1901. At the age of three he lost his sight almost completely as a result of an epidemic of diphtheria. As he himself was later to affirm, this event undoubtedly led to a vocation towards music. At the age of eight he began his first musical studies, solfa, piano and violin, and from the age of sixteen harmony and composition with teachers from the Conservatoire in Valencia: Francisco Antich, Enrique Gomá and Eduardo López Chavarri. His first compositions date from 1923: Suite for piano, Dos esbozos (‘Two Sketches’) for violin and piano, and Siciliana for cello. In 1924 his first work for orchestra, Juglares, was premiered in Valencia and Madrid, and he obtained a diploma in a national competition for the orchestral work Cinco piezas infantiles, which was later premiered in Paris by the Straram Orchestra. From the outset of his career Rodrigo wrote all his works in braille, dictating them subsequently to a copyist..
This is something quite special. Argentinean pianist Ingrid Fliter has recorded two previous discs for EMI, both of Chopin and both enthusiastically received. She now turns to Beethoven, and since we probably can’t hope for a complete cycle from her, the one disappointment about this issue is perhaps the unadventurous choice of programme. I feel sure she knows more Beethoven sonatas than these three pillars of the repertoire! At least, though, EMI have treated her as a serious artist, with a very fine recording and a substantial booklet note about the music from William Kinderman rather than multiple photographs of the pianist herself.
This is a CD transfer of Anne Sofie von Otter’s first solo recording, made in 1983 in Stockholm. The transfer includes all the items from the LP plus the Agnus Dei from Roman’s Swedish Mass, which von Otter recorded complete that year. Evidently her recital LP was never properly available in the UK, so this CD issue might be the first time that the UK has had a chance to hear this delightful record.
George Frideric HANDEL (1685–1759)
1) Where shall I fly (Hercules) [5.24]
2) Piangero (Giulio Cesare) [6.23]
Claudio MONTEVERDI (1567–1643)
3) O Rosetta, che rosetta (Scherzi Musicali) [1.48]
4) La violetta (Scherzi Musicali) [3.47]
5) Lamento (Arianna) [3.47]
Johan Helmich ROMAN (1694–1758)
6) O Herre Gud Guds Lamb (Agnus Dei) (Then Svenska Messan) [3.28]
Georg Philipp TELEMANN (1681–1767)
7) Trauer-Music eines kunsterfahrenen Canarienvogels [15.07]
George Frideric HANDEL (1685-1759)
8) Where’er you walk (Semele) [4.03]
Anne Sofie von Otter (mezzo)
Drottningholm Baroque Ensemble
1983 and 1990, Proprius Musik AB, Stockholm, Sweden
1 CD DDD
PRCD 9008
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Mendelssohn did not set out to write his first piano concerto until the age of 23, relatively late considering the composer's short lifetime. He had reservations about his ability to produce a concerto that was more than just pyrotechnic bravura. Indeed, the first concerto is filled with Mendelssohn's trademark mercurial filigree and brisk, busy passages, but he also achieves a wonderful sense of stillness and serenity in the central Andante that contrasts beautifully with the outer movements. The "Second Concerto" came about some five years later and already Mendelssohn's growth as a composer can be heard with the concerto's more serious, refined, and less showy nature. Performing these two energizing but sometimes overlooked concertos, as well as the "Op. 29 Rondo brillant," is pianist Martin Helmchen and the Royal Flemish Philharmonic under Philippe Herreweghe. Apart from Helmchen's commanding technical skills and clear musical direction, and the RFP's sensitive but authoritative accompaniment, what makes this album an especially successful one is tone of the piano itself and PentaTone's recorded sound quality. Helmchen's piano is a tiny bit bright, and even a little dry, which actually serves Mendelssohn quite well; every note comes out crystal clear, even in the busiest, most complicated passages. PentaTone's highly detailed SACD layer gives even more definition to the piano and allows the orchestra to be punchy and vivacious without obscuring Helmchen in the slightest. (Mike D. Brownell, Rovi)
The award-winning Russian soprano Julia Lezhneva was born in 1989 to a family of geophysicists in Yuzhno-Sakhalinsk. She began playing the piano and singing at the age of five. In 2004 Julia graduated with distinction from the Gretchaninov Junior Music School in Moscow. In July 2008 she received an honours degree in vocal studies and a piano diploma from the Moscow State Tchaikovsky Conservatory Academic Music College. Between September 2008 and April 2010 Julia has been studying with the tenor Dennis O’Neill at the Cardiff International Academy of Voice being supported by the British Government and the Kempinski Arts Fellowship Program. While at CIAV, she participated in masterclasses given by Richard Bonynge, Ileana Cotrubas, Carlo Rizzi and Dame Kiri Te Kanawa. She had previously attended masterclasses with Elena Obraztsova in St. Petersburg in 2007, Alberto Zedda at the Accademia Rossiniana in Pesaro in 2008, and Thomas Quasthoff during the 2009 Verbier Festival. Since October 2010, Julia has been studying at the Guildhall School of Music & Drama postgraduate vocal course under Professor Yvonne Kenny.
Giaochino Rossini (1792-1868)
1. Tanti affetti (La donna del lago, 1819)
2. Ils s’éloignent enfin (Guillaume Tell, 1829)
3. Bel raggio lusinghier (Semiramide, 1823)
4. Assisa a’ pie d’un salice (Otello, 1816)
5. Sinfonia (La Cenerentola, 1817)
6. Della fortuna istabile… Nacqui all’affanno (La Cenerentola, 1817)
7. L’ora fatal s’apressa (L’assedio di Corinto, 1826)
Julia Lezhneva, soprano
Sinfonia Varsovia
Marc Minkowski
2001 Naïve
1 CD DDD
V 5221
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Transcribing works for violin and piano might have seemed an unusual sideline for Igor Stravinsky, who famously complained about the violin's resemblance to the human voice, and who found using strings for their emotive value antithetical to his pursuit of a cool, "objective" tone. He preferred using woodwinds because their tone colors were less evocative of singing, and he generally neglected the violin until practical considerations, stemming from the composition of his "Violin Concerto," led to this new practice. Stravinsky and the violinist Samuel Dushkin had struck up a friendship through working together on the concerto, and in the interests of concert promotion and the furtherance of publications by Schott, the two men worked up a selection of pieces that they could play in recitals. This double-disc album by violinist Anthony Marwood and pianist Thomas Adès presents Stravinsky's complete works for violin and piano (though the "Suite Italienne" is represented by a precursor work, the "Suite d'après des thèmes, fragments et morceaux de Giambattista Pergolesi," which was Stravinsky's first attempt to adapt music from his ballet "Pulcinella"). Considering that Adès composed his "Violin Concerto" for Marwood, an obvious parallel can be drawn between these contemporary musicians and Stravinsky and Dushkin, so their attraction to this body of work seems natural; their freedom in interpreting these pieces hearkens back to the experimentation in which their predecessors indulged. Both Marwood and Adès play with crisp accentuation, rhythmic buoyancy, and a tone that ranges from sweetly lyrical to acerbic and biting. Most important in their interpretations is their ability to play the music with an ear to highlighting Stravinsky's eccentricities, rather than smoothing them over or making the music sound prettier than it should. The end result is a fresh and sometimes bracing take on Stravinsky as a chamber composer, and the set is quite stimulating for the performers' vitality and acute understanding of these works. Highly recommended. (Blair Sanderson, Rovi)
Igor Stravinsky (1882 -1971)
Suite d’après des thèmes, fragments et morceaux de Giambatista Pergolesi
1925, arranged from the ballet Pulcinella
1) Introductione [2'06]
2) Serenata [2'43]
3) Tarantella [2'16]
4) Gavotta con due variazioni [3'54]
5) Minuetto e finale [4'20]
6) Pastorale 1933 [2'42]
arrangement of solo vocal work
Airs du rossignol et Marche chinoise
1932, arranged from the opera The Nightingale
7) Airs du rossignol [4'19]
8) Marche chinoise [3'27]
Duo concertant 1931–2
9) Cantilene [2'43]
10) Eglogue I [2'17]
11) Eglogue II [3'05]
12) Gigue [4'21]
13) Dithyrambe [2'51]
CD 2:
1) Berceuse 1931–2 [2'48]
arranged from the ballet The Firebird
2) Prélude et Ronde des princesses [4'53]
1926, arranged from the ballet The Firebird
3) Scherzo 1932 [2'41]
arranged from the ballet The Firebird
4) Chanson russe 1937 [3'18]
arranged from the opera Mavra
Divertimento 1934
arranged from the ballet The Fairy’s Kiss
5) Sinfonia [6'10]
6) Danses suisses [4'22]
7) Scherzo [3'01]
8) Pas de deux: Adagio [2'48]
9) Variation [1'07]
10) Coda [2'05]
11) Danse russe 1932 [2'32]
arranged from the ballet Petrushka
12) Tango 1940 [3'39]
arrangement by Samuel Dushkin of solo piano piece
13) Ballade 1947 [3'08]
arranged from the ballet The Fairy’s Kiss
14) Scherzino 1932, from Suite italienne [1'30]
15) La Marseillaise solo violin [1'11]
Claude-Joseph Rouget de Lisle (1760–1836) arranged 1919
Anthony Marwood, violin
Thomas Ades, piano
2010 Hyperion
1 CD DDD
CDA67723
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Andrea Kollé plays the modern, transverse and classical flutes. Her repertoire is correspondingly broad. This musician is at home everywhere, whether as a solo flautist in symphony, opera or chamber orchestras, or in the most varied chamber music formations . She was born in Amsterdam, studied in Holland with Abbie de Quant and in Basle with Aurèle Nicolet.
On 31 May 1861 Franz Liszt received some unexpected but welcome news from France. In prose that itself almost beamed with delight, he wrote to his partner Princess Wittgenstein to say that he had been elevated to the rank of Commandeur de la Légion d’honneur by the Emperor Napoléon III—an honour granted to very few musicians. But what pleased Liszt most of all was ironically not the award itself, but the fact that the official citation had described him simply as a composer, with no mention at all of his fame as a pianist. Some caustic Parisian gossip nevertheless claimed that it was only Liszt’s touching performance of Chopin’s Funeral March to the recently bereaved Empress Eugénie that had won him this new status, and not his allegedly incomprehensible compositions; but for Liszt, the citation genuinely seemed like a long-awaited vindication.
In 1785 or '86 Haydn, a devout Catholic, received a commission from the cathedral in Cádiz. He was asked to provide descriptive orchestral interludes between the spoken parts of the service in the great Spanish Baroque church during Holy Week, presumably on Good Friday. In 1787, the year in which it was first performed, he transcribed the work for string quartet to give it wider currency, and eventually, in 1795-96, he made a choral version which was published in 1801. In the preface to that score, Haydn wrote:
Soprano Sandrine Piau writes in the program notes that there is no narrative or theme unifying the songs on this album, only the quality they share of being evocative of something beyond themselves. The late Romantic songs are indeed understated and suggestive rather than emphatic, many written in elegiac moods of hushed happiness or subdued yearning. The centerpiece is Richard Strauss' four song cycle, Mädchenblumen, written when the composer was 26, which provided Piau with the initial inspiration for this collection. It's immensely appealing, and its generous lyricism makes it a work that deserves to be widely sung and known.
Ernest Chausson (1855-1899)
1 Hébé opus 2 n° 6 1881 [2’55]
2 Le Charme opus 2 n° 2 1881 [1’30]
3 Sérénade opus 13 1887 [2’31]
4 Le Colibri opus 2 n° 7 1880 [3’15]
5 Le Temps des lilas opus 19 1886 [4’30]
Richard Strauss (1864-1942)
Mädchenblumen opus 22 1891
6 Kornblumen [2’15]
7 Mohnblumen [1’27]
8 Epheu [3’43]
9 Wasserrose [3’56]
Claude Debussy (1862-1910]
10 Nuit d’étoiles 1880 [3’04]
11 Romance “L’Âme évaporée” 1885 [1’54]
12 Fleur des blés 1881 [1’57]
13 Zéphir [1’25]
Alexander Zemlinsky (1860-1942)
14 Liebe und Frühling 1889-1890 [1’41]
15 Das Rosenband 1890 [1’39]
16 Frühlingslied 1892 [1’38]
17 Wandl’ich im Wald des Abends 1892 [2’17]
18 Entführung 1892 [1’17]
19 Sommer opus 27 1937 [1’24]
Charles Koechlin (1867-1950)
Sept Chansons pour Gladys opus 151 1935
20 I. M’a dit Amour [1’15]
21 II. Tu croyais le tenir [0’42]
22 III. Prise au piège [1’12]
23 IV. La Naïade [1’31]
24 V. Le Cyclone [1’39]
25 VI. La Colombe [2’02]
26 VII. Fatum [1’24]
Arnold Schoenberg (1874-1951)
Vier Lieder opus 2 1899
27 I. Erwartung [3’45]
28 II. Schenk mir deinen goldenen Kamm [3’45]
29 III. Erhebung [1’13]
30 IV.Waldsonne [3’17]
Sandrine Piau, Soprano
Susan Manoff, Piano
2007 naïve
1 CD DDD
V 5063
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Dvorák's Violin Concerto has been undergoing a renaissance of sorts on disc, one that it entirely deserves. Its critics (starting with Joachim and Brahms) dismissed it for not adopting the usual sonata-form first movement structure, instead welding the truncated opening to the gorgeous slow movement. But really, how many violin concertos are there where you can really say that the best, most characterful and highly developed movement is the finale? And what could possibly be bad about that? Clearly Fischer and Suwanai understand where the music's going: the performance gathers steam as it proceeds, and really cuts loose in that marvelous last movement. Suwani displays a characteristically polished technique and fine intonational ear (lending a lovely purity of utterance to the slow movement), but she's not afraid to indulge in some "down and dirty" gypsy fiddling in the finale, or in the two Sarasate items that open the program. Okay, she may not be Josef Suk, Fischer is no Ancerl, and the Budapest Festival Orchestra is certainly no Czech Philharmonic; but this program--very well played, nicely recorded, and unified by its Slavic/gypsy theme--adds up to much more than the sum of its parts. Like the Dvorák itself, it builds to a rousing conclusion and makes for a very satisfying conceptual whole. You'll return to it many times, always with pleasure. (David Hurwitz)
This six-disc collection from the German label Deutsche Grammophon (now part of the Universal conglomerate) is intended for newcomers to classical music. As such, it raises a number of objections. The buyer is given only a narrow slice of the repertory -- for the most part, the program consists of Romantic favorites of the nineeenth century or what might be called honorary Romantic music ("Messiah," "Carmina Burana"). Much of the music is for full symphony orchestra, although there is one disc of piano music ("Nocturne") and one of opera ("Grand Opera"). The buyer who enjoys a particular selection will not find much help in pursuing similar music -- there is no booklet, and the track list identifies performers in only an abbreviated way (conductor Rafael Kubelik, for instance, is listed only as Kubelik). All this said, the conception of the set is original. Most sets of this size divide up the repertory by chronology or medium, but The Premium Collection offers six themes: "Meditation," "Orchestral Fireworks," "Invitation to the Dance," "Nocturne," "Pomp & Circumstance," and "Grand Opera." What's appealing about these is that they are not forced onto the music, as in the various classical lifestyle discs that infest discount-store bins, but are durable concepts within the classical tradition itself; the set offers music to have on hand for a variety of uses without doing violence to the music involved. There are many other ways of approaching the question of how to build a classical collection, but for someone who has attended a big symphonic performance at the local orchestra hall and found it enjoyable, this may be a good place to start. (James Manheim, Rovi)
Even before iTunes, there was fun to be had putting together the song recital of one's dreams. There would be old favourites as well as surprises. Perhaps the chosen few would range through the centuries, as well as pitting lied against melodie and art song. The curatorially inclined might even devise an underlying theme.1) Waitin [1:32]
2) Jemand Op.25 [1:35]
3) Die Kleine "Zwischen Bergen, liebe Mutter" 1:43
4) Es muss ein Wunderbares sein [1:40]
5) Apparition [3:46]
6) O war dein Haus [1:26]
7) Erstes liebeslied eines madchens [1:17]
8) Gretchen am Spinnrade D118 [3:28]
9) Rastlose Liebe Op.5 No.1 [1:21]
10) Pour un Baiser [2:14]
11) Tchut Tchut from Chants d'Auvergne [2:02]
12) Love went a riding [1:48]
13) Pastorale [2:32]
14) Ah, Love but a day! Op.44 No.2 [2:48]
15) Leid ber Braut I [2:18]
16) Leid der Braut II [1:29]
17) Chanson de la mariee [1:22]
18) Donc ce sera par un clair jour d'été [2:32]
19) Hochzeitlich Lied [3:52]
20) Extase [3:07]
21) Am Sonntag morgen [1:14]
22) Die Männer sind méchant [2:39]
23) Du Liebst mich Nicht [3:35]
24) O waly Waly [3:34]
25) Verschling der Abgrund [1:12]
26) Heart we will forget him [2:09]
27) Danny Boy [3:13]
28) I will walk with my love [1:41]
29) Waitin [1:50]
Kate Royal
Malcom Martineau
2011 EMI Classics
1 CD DDD
4853629
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The Donne Barocche, or Baroque Women, featured here are not singers or operatic characters, but composers, and the album, originally released on the Opus 111 label in 2001 and rescued for reissue by Naïve broke new ground when it first appeared. All of the music comes from the last third of the 17th century and the first decade of the 18th. The names of composer/singer Barbara Strozzi and French keyboardist Elisabeth Jacquet de la Guerre were known to enthusiasts of the history of women's music and were beginning to receive mainstream performances, but the other four composers represented were new to all but scholars, and the big news was a program of music as varied in concept and affect as any by the male composers of the period. The "Sonata duodecima in D minor for violin and continuo" of Isabella Leonarda, an Ursuline nun from Novara, is a wild rush of chromaticism and ornament with affinities to the German fantastic style, and the "Lamento della Vergine" of Antonia Bembo, also a member of a women's religious community, is a fine example of the dramatic pious style that was one of the forerunners of Bach's cantata idiom. Everything benefits from passionate singing by soprano Roberta Invernizzi and from lively accompaniment by Bizzarrie Armoniche, an offshoot of the pioneering Italian group Il Giardino Armonico. There's not a conventional phrase on the disc, from either the composers or the performers. An essential for a Baroque shelf, and even a good place to start with music by women in general. (James Manheim, Rovi)
A young musician and composer causing a stir, not only on the club scene, but also in classical concert venues is probably a world-first. It may also be the first time that purists from the classical and techno camps actually agree on something – That they don’t know quite what to make of this young musician who refuses to stick to the rules. For Francesco Tristano this kind of reaction is nothing new. When he and his trio, Aufgang, begin to play techno from sheets, his puzzled audience shuffle in their seats. Experienced concert audiences and classical music lovers may feel equally baffled when they hear a pianist blend and mix his own composition – just like a DJ – into a piece by Frescobaldi.Francesco Tristano (1981 -)
1. Introit
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
Partita for Keyboard no 1 in B flat major, BWV 825
2) Praeludium
3) Allemande
4) Courante
5) Sarabande
6) Menuet I
7) Menuet I - Menuet II, da capo
8) Gigue
John Cage (1912 - 1992)
9) In a Landscape
The Seasons
10) Prelude I
11) Winter
12) Prelude II
13) Spring
14) Prelude III
15) Summer
16) Prelude IV
17) Fall
18) Finale (Prelude I)
Johann Sebastian Bach
19) Duet for Organ in E minor, BWV 802
20) Duet for Organ in F major, BWV 803
21) Duet for Organ in G major, BWV 804
22) Duet for Organ in A minor, BWV 805
John Cage
Etudes australes
23) Etude No. 8 Book 1
Francesco Tristano
24) Interludes
Johann Sebastian Bach
French Suite no 1 in D minor, BWV 812
25) Menuet II
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2010 saw the centenary of both Schumann’s and Chopin’s birth. In 2011 we pay tribute to their great co-Romantic Franz Liszt. Liszt’s reputation has fluctuated wildly (unlike that of his two contemporaries), and it is only in relatively recent times that his true stature has been fully realised. Though he was possibly the greatest, and certainly the most charismatic of pianists, his compositions embraced many areas of music. But if his symphonic poems, Masses, oratorios and songs are often musically revolutionary, his piano music takes precedence both for its quantity and its quality. This ranges from music once considered unplayable – time was when audiences came to see whether Liszt had more than ten fingers – to works of a dark-hued austerity. One has only to compare “La campanella” (from the Paganini Études) with the “Angelus” (from the third book of the Années de pèlerinage) to become aware of the extent of the composer’s journey. Both pieces evoke bells, but there the similarity ends. True, Liszt’s prodigious gifts and his early flaunting of his Bird of Paradise feathers caused unease and contempt in many quarters. For Clara Schumann he showed “too much of the tinsel and the drum”, while Mendelssohn was enraged by Liszt’s easy familiarity with his music, to which he added sundry ornaments and elaborations of his own. Chopin, too, although he never lived to hear Liszt’s truest masterpieces, saw him as an outsized charlatan (“I still say that he is a clever craftsman without a vestige of talent”).
The Muses have been revered as a source of divine inspiration since the time of classical antiquity and are said to encourage artists to give of their exceptional best. From this point of view, the Hamburg soprano Mojca Erdmann seems like a figure from the distant past. Although she is still at the beginning of what promises to be a major international career, she has already inspired a number of contemporary composers, including Aribert Reimann and Wolfgang Rihm. Indeed, Rihm even wrote the main role in his operatic fantasy Dionysos with the young soprano in mind. Her performances in the world premiere at the 2010 Salzburg Festival proved a tremendous personal success.
When Edgard Varèse arrived in New York in 1915, he paid an homage of sorts to his new home with his first published composition, Amériques, an abstract work that the composer deemed "symbolic of discoveries -- new worlds on earth, in the sky, or in the minds of men." Indeed, listening to the enormous orchestra thrash and convulse its way through it, you get a striking sense of a composer breaking away from his influences -- Stravinsky, Debussy, a touch of Schoenberg -- and leaping into a brave new world where music obeys no prior rules. Perhaps because of this freedom, Varèse's work still has the power to astonish in a way that the music of his modernist contemporaries no longer does. Pierre Boulez has long placed Varèse among the 20th century's most important musical revolutionaries, and this recording of four of the composer's key works is a sonic marvel; the Chicago Symphony's brass and percussion, in particular, show their mettle in splendidly clangorous performances. In addition to Amériques, Boulez conducts Arcana, which despite its title is actually one of Varèse's most approachable pieces -- rising from strident marches and other propulsive figures to a quietly mysterious close. Ionisation, for 13 percussionists, is equal parts intricate rhythmic interplay and brute force. Déserts, which followed the other works by two decades, is performed here in its alternate version without the experimental electronic interludes the composer prepared. What remains, for winds and percussion, is starker and less aggressive than the earlier pieces, but there is no question of Varèse mellowing with age -- especially with Boulez's close attention to sonority and balance. It is as evocative and enigmatic as anything the maverick modernist ever composed. (Scott Paulin)
Kaija Saariaho is not only among the most important Finnish composers of her time, but must be ranked as one of the leading composers of the late twentieth and early twenty first centuries. Born Kaija Anneli Laakkonen, she began studying visual arts at the University of Art and Design (then known as the University of Industrial Art). She married Markku Veikko Ilmari Saariaho in 1972, but the marriage was short lived, ending the following year. The composer, however, retained her married name.Kaija Saariaho (1952 - )
Graal Théâtre
1) I. Delicato [16:56]
2) II. Impetuoso [10:32]
Gidon Kremer (Violin)
Esa-Pekka Salonen
BBC Symphony Orchestra
Château de l'âme
3) La liane [5:57]
4) A la terre [5:14]
5) La liane [3:01]
6) Pour repousser l'espirit [2:08]
7)Les formules [7:53]
Dawn Upshaw (Soprano)
Esa-Pekka Salonen
Finnish Radio Symphony Orchestra
Finnish Radio Chamber Choir members
Amers
8) Part 1: Libero, dolce, misterioso [8:48]
9) Part 2: Sempre molto energico, ma espressivo [10:59]
Anssi Karttunen (Cello)
Esa-Pekka Salonen
Avanti Chamber Orchestra
2001 Sony Music
1 CD DDD
SK 60817
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“It’s one of the greatest adventures in music that we play the same pieces again and again – and that, despite their constant repetition, they sound different every time.” For Daniel Barenboim, the essence of classical music lies in the art of interpretation at different points in time. “Repetition and uniqueness – this is the dialectic secret of our art.”
Malena Ernman was recently called ” without a doubt one of the worlds greatest singers” in Swedens leading newspaper Dagens Nyheter.Her musical background is firmly anchored in the Swedish choir tradition. From the age of 6 she was a member of the the Coromanterna Choir in her native Sandviken; a small industrial town some 200km north of Stockholm. And until her exam from the National Opera School she sang the first alto part in the Swedish Radio Choir under the supervision of Tönu Kaljuste, Gustav Sjökvist and Eric Ericsson.Disc 1
1) Casta Diva
2) Habanera
3) Seguidilla
4) Flowers duet (with Anne Sofie von Otter)
5) Oh mattutino albori
6) Deh vieni non tardar, Susannas Rosenaria
7) La ci darem la mano (with Christopher Maltman)
8) Non piu di Fiori
9) Der hölle rache
10) Vois sous L’archet frémissant
11) Barcarolle (with Anne Sofie von Otter)
12) Olympia’s aria
13) Summertime
14) Ack Värmeland
15) Om sommaren sköna
Bonus Disc
1) I det fria
2011 Roxy Recordi
2 Compact Discs DDD
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With this album, Rebecca Saunders may well have solved two of the major dilemmas of modern composition. Namely: How to stay emotive without falling back on tradition. And: How to focus on timbre while holding on to a narrative. For decades, composers have been searching for a language capable expressing something new, while trying to arouse the listener in the same way as romantic harmonic schemes. It has sometimes seemed like an impossible task and often, a somewhat brutish approach has consisted of playing everything at ear-deafening volume: It might not have been pretty, but it sure left an impression.
Philip Glass was born in pre-WWII Baltimore Maryland in 1937. The composer frequently tells the story of how his father Ben Glass, who had an auto-mechanic shop in the 1930s, frequently worked on people’s cars, which led to fixing the car radios, then Ben got rid of the cars in favor of a store that sold and repaired radios. As a sideline to the radio business Ben Glass would sell some records as a small part of the business. It grew to be a big part of the business finally becoming a proper record store.
Violinist Maria Bachmann and pianist Jon Klibonoff have assembled a collection of works to surround their premiere performance of Philip Glass’s First Violin Sonata, which leads off their program. Bachmann explains in Lucy Miller Murray’s notes that she chose the other works for various connections they bear to Glass’s sonata. Her remarks and choices seem perceptive and convincing.
Helena Tulve, part of a new generation of young Estonian composers, has the honorable distinction of being the only pupil of Erkki Sven-Tüür. Like her mentor, Tulve breaks down her music into bite-sized morsels, so that even her large-scale works feel like congregations of chamber ensembles. In this representative selection of pieces, we get a taste of the latter. Encountering these works for the first time, I heard them as a single story, which is as follows:
Blogger Musical (basic library)
The singing is no less distinguished. Suzie LeBlanc’s reading of such an old favourite as ‘Lascia ch’io pianga’ brings it freshly to life, with her unaffected expression, her shapely phrasing and beauty of tone. In the Rodelinda aria her moulding of the music again adds to the poignancy of the climactic top notes, while the semiquavers are bright, precise and duly jubilant in Cleopatra’s triumphal final aria from Giulio Cesare.
Quatrain II (1977), composed as a kind of pendant to Messiaen's Quatuor pour la fin du temps, totally avoids the more hectic and flamboyant aspects of Messiaen's musical character. Yet the textural refinement and expressive reticence personal to Takemitsu are allied to material of considerable substance and consequence, the tendency to dwell on sweeter sonorities offset by more steely gestures. In Waves (also 1977) this steeliness is even more apparent, for although the music is persistently slow, the use of horn, trombones and bass drum brings darker colours and a more dramatic atmosphere into play. This is a Takemitsu thoroughly in tune with the Western avant-garde of the day, but speaking with his own accent.
Ashkenazy says: “The disc offers a rare glimpse into a relatively unknown side of one of the great musicians of the 20th century. Chamber music was not Rachmaninoff’s main preoccupation and most of the pieces on this disc are early works, but they are informative and illuminating. “His talent was great and he expressed something that no other composer did. This recording is part of a tribute: my goal to record everything by Rachmaninoff that’s possible to record in one’s lifetime. I have a great respect and tremendous affection for Rachmaninoff’s music and with these recordings I hope to add as full a picture as possible to his legacy.”
The story of Vassily Sergeyevich Kalinnikov (1866–1901) is a sad one. Like Mozart and Mendelssohn he died in his 30s, his musical promise unfulfilled. His childhood musical interests were encouraged by his father who played guitar and sang in a choir. As a teenager he entered the Moscow Conservatory, but was forced to withdraw due to financial hardship. He soon won a scholarship to the Moscow Philharmonic Society Music School where he studied bassoon and played violin, bassoon, and timpani in a theater orchestra. Kalinnikov’s financial position was insecure, but his devoted friend and teacher, Semyon Kruglikov, provided assistance and would also come to his aid later in the composer’s brief life. Tchaikovsky thought highly of Kalinnikov and recommended him for the post of conductor at the Maly Theater in 1892. The following year Kalinnikov was appointed assistant conductor at the Italian Theater. He was forced to supplement his relatively modest income by giving private lessons in music theory.
Frans Brüggen, Frans Vester, Gustav Leonhardt, Paul Doctor
'The immediacy and brilliance of Hyperion's recording of music by Jean Françaix brings to the three works a wonderful panoply of colour' --Essex Chronicle
'Although fine alternative versions of all three works are currently available, none to my mind matches the qualities of the present disc. Without doubt, Matthias Bamert's powerfully delineated conducting and the brilliantly incisive playing of the BBC Philharmonic make all the difference, providing the ideal backcloth for the excellent team of soloists..' --BBC Music Magazine
The three works gathered here all resulted from the friendship between the composer and the Spanish violinist Pablo de Sarasate. The melodious and charming violin concerto held a great significance for Lalo who regarded it as his first work truly worthy of the name. The première of Symphonie espagnole in 1875 was followed by performances all over Europe in the expert hands of Sarasate.
“Stutzmann is particularly delightful in the da capo [of 'Lascia almen che ti consequi'], in which she reduces her tone to such an intimate level that one feels she should be singing it in private. She eases her voice in long, smooth phrases through the tranquil 'Sovvente il sole' from the serenata Andromeda liberata, an illustration of her control...The recording of both voice and orchestra is first-rate, contributing greatly to a rewarding selection of music.” --International Record Review, July/August 2011
'Let me not turn tedious with a list of Gerhardt's superior skills, his seamless legato, his command of bowing skills, his generous tone even at the top of the A string, his glowing burnished double stops in the Popper/Chopin Nocturne … It goes without saying, though I better say it, that the playing is immaculate from both players, the sequence of pieces on the CD is nicely contrasted' --International Record Review
“Petrenko and the RLPO bring freshness to all three [works], responding sensitively and shrewdly to the romantic and dark-hued undertows of the earlier works and to the piquancy of the later one. Petrenko instinctively conveys the essential quality of soul that the interpretation of Rachmaninoff requires.” The Telegraph, 18th February 2010 *****
'This collection of virtuoso encores by mostly forgotten pianist-composers is simply sensational' --The Sunday Times
Here's another chance to obtain André Previn's fine recording of Mendelssohn's complete A Midsummer Night's Dream incidental music. This atmospheric performance, taped at London's Kingsway Hall in October 1976, manages to bring the narrative elements of the score into clear relief thanks to Previn's sensitive handling. Although this rendition doesn't completely avoid the slightly disjoined feeling you get with most accounts, it's a highly satisfying re-enactment of those parts of the Shakespeare comedy Mendelssohn chose to set.
Anyone who cares about Biber's extraordinary instrumental music (and to hear it is to love it) probably owns this set already. It has received raves from practically everyone, garnered prestigious international awards, and it established Andrew Manze as perhaps the most exciting Baroque violin virtuoso out there today. Its reissue, with a slightly different version of the original "road kill" cover, offers anyone who missed it the first time around an opportunity to enjoy a remarkable musical experience.
There's enough colour for a sense of duetting between instruments, and that's quite apart from the Dowland piece for two players on one lute, in which Göran Söllscher takes both parts. Four separate sets of Dowland include some of his perkiest pieces and two of his most searching: "Semper Dowland semper dolens", and the doom-laden descents and fierce resolution of "Forlorn Hope Fance". Between times it's a tour of Europe's finest. 
“A collectable selection of Soviet Russian music for violin or viola and piano”
The recorded sound is wonderful, and Finnish conductor Susanna Mälkki coaxes a sound of golden warmth from her Swedish orchestra. Swedish mezzo-soprano Katarina Karnéus makes a sound as rich and glossy as a thoroughbred’s coat. --The Telegraph, 14th July 2011 ***
“Agile, clean, bright: Mojca Erdmann’s soprano voice was made for Mozart...it’s easy to enjoy her natural ease and golden glow, backed by high-class playing from Andrea Marcon and the Basel period orchestra, La Cetra. The booklet has plenty of starstruck pictures.” The Times, 30th April 2011 ****
Total timings for each sonata are uniformly shorter in these violin/piano versions, with markedly quicker tempos for all of the fast movements. As Kapp thoroughly explains in the liner notes, this has to do with specific characteristics of key action and the considerable differences in articulation, decay of sound, and relative expressive limitations of the two keyboard instruments. 
'Hyperion's engineering is excellent throughout, and the Nash Ensemble, who play with great sensitivity and exhibit a meticulous concern for focus, draw each distinct element into the most entertaining of music, and delightfully project an illustrious style in composition that you will want to hear time and time again' --HiFi+
'Easily the most important clarinet disc of the year' --Clarinet & Saxophone Journal
'Martin Roscoe and the Guildhall Strings approach these light-as-a-feather gems with sincerity and assurance. Their playing is impeccable and agile … Those of you who have developed a taste for the ongoing light music series on Hyperion … will find this release a required purchase' --Fanfare, USA
. . . for sheer pianistic accomplishment and musical finesse, Freire's Liszt recital is unlikely to be bettered during this anniversary year . . . a wonderful corrective to those who think of this composer's piano music as all flamboyant gestures and rhetoric. The overwhelming impact of this disc stems from the sheer beauty and elegance of Freire's playing, his crystalline tone and infinitely subtle range of touch and colour, which are combined with all the technique needed to cope with whatever challenges these pieces present him. 
“[Gluzman] offers a hearty, full-blooded romantic tone of exceptional beauty, but is also wonderfully sensitive to colour and shadow...Järvi and the Residentie Orchestra are sympathetic companions and deliver sweeping idioms with panache.” Classic FM Magazine, November 2010 ****
"On the level of sheer vocal beauty and virtuosity, this is a staggering disc. Throughout, the gorgeous Kermes voice glints like the finest gold picked out by a shaft of sunlight, unfailingly on the note, and negotiating every run and ornament incorporated in Vivaldi’s virtuoso writing with a consummate ease that at first takes the breath away, but then comes to seem almost routine. 
'The Fifth Symphony … carries a weightier burden of grief in the wake of some personal losses … especially in the Larghetto, a dark movement beautifully scored with low strings and sombre brass … Howard Shelley and his orchestra give it a fresh and vivid performance' --International Record Review
All the major works: Finlandia, Luonnotar, Karelia Suite, Oceanides, King Christian, The Swan of Tuonela, 4 Legends from Kalavala, Phjola's Daughter, Night Ride and Sunrise, En Saga, Spring Song, 4 excerpts from Kuolema, The Bard, Tapiola
"The Goldberg Variations are a pinnacle of Bach’s art. Conceived for harpsichord, the work has been transcribed for quite different instruments. . . Richard Boothby’s version for his own consort of viols, Fretwork, is arguably the most unusual, in that it opts for a soundworld that looks even further back in time. Part of the justification for such a setting must be Bach’s own liking for viola da gamba, already then old-fashioned.... Boothby’s setting is dexterously divided between various combinations of the treble, tenor and bass viols, and he achieved some magical effects, notably (...) in variations of gossamer passagework." The Guardian (concert review)
His playing in the Sonata violono solo representativa is just as impressive as the exceptional readings by Reinhard Goebel and Romanesca’s Andrew Manze. Though less freewheeling than either, Onofri’s account is just as acutely characterized: the Cuckoo is positively charming, the Frog leaps in a spontaneous counterpoint of improvised special effects and the Hen and the Cock fly by the seats of their pants with a stirring full-throttled sound and thrilling technical precision.
2009 marks the 300th anniversary of the birth of Charles Avison, and The Avison Ensemble plan to record and release all of the remaining orchestral works of Charles Avison, and those of some of his associates and contemporaries, such as John Garth, whose disc of Cello Concertos is our biggest selling title on catalogue (DDA25059).
Also included are the musical masterpieces he wrote for British films, The Legend of the Glass Mountain and Obsession. Rota had a special fondness for these, and it was largely through them that he achieved international star status in the forties, well before his outstandingly successful collaboration with Fellini. Such was the success of the score for The Glass Mountain that it was broadcast in its entirety at scheduled times, with the famous love scene as recorded here played on the piano by Nino Rota himself. To Rota it was the theme that was dearest to him of all.
Accademia Bizantina are now firmly established among the best period performance ensembles of our time, with their director, Ottavio Dantone, in demand in the opera house and concert hall alike.
For what will hopefully be the first of several, Simon Standage has chosen to mix seven of the concertos from the composer’s Op. 8 set with a concerto and two Sinfonias involving trumpets. The printed set includes concertos for one and two violins with continuo, and Standage is well partnered by Catherine Weiss in the latter. The recording, as we expect from Chandos is exemplary allowing clear representations of both the players and the acoustic they are enjoying. I look forward very much to the next instalment! --Early Music Review
“This is far from being just another recording of the Kreutzer Sonata. Patricia Kopatchinskaja and Fazil Say share a radical approach, performing each musical gesture in the most vivid way, with smoothness and tonal beauty a secondary consideration. It's undeniably exciting, especially the first movement which, after all, is quite a wild piece, but the exaggerated shortness of many staccato notes can be quite disturbing. And in the finale, which, though it shares something of the first Presto's manic quality, has a joyful aspect, Kopatchinskaja's ultra-short, rather splashy bowing of both main themes fails to project their full melodic élan.
'Howard Shelley and his admirable Italian players have reached a curious landmark in their continuing exploration of Louis Spohr's symphonies for Hyperion: the 'historical' sixth … It reflects Spohr's Mendelssohnian fascination with earlier music and his complete mastery of form' --The Observer
'The Grand Concert Overture (1819) here receives its first recording. It is sonorous, spirited and beguiling … an enjoyable entrée into the symphonies recorded here as well as signalling the fine performances and sound to be found on this Hyperion release. These works show both ‘muscle’ and lyricism … Spohr’s construction and scoring is of a high order; the music trips lightly and curvaceously. The Second Symphony (1820) begins in dramatic fashion, the ‘introduction’ proving to be integral to the movement as a whole, its unhurried demeanour embracing dignity and lightness.
Schumann claimed that it was hearing Paganini play that jolted him out of his chosen career as a man of letters to become a composer. Paganini encouraged the stories that he had sold his soul to the devil in order to play so fantastically - such spin and hype was good for the box office. It did however result in the church refusing him burial in consecrated ground. Franz Liszt wrote an intensely personal and moving obituary when Paganini died in 1840.
This 2-CD set focuses on the last 4 concertos with the addition of No.16 (K451) and provides an excellent selection of concertos drawn from the complete cycle.
'C'est ici la quintessence de la magie baxienne' --Diapason, France
French harpsichordist Olivier Baumont has distinguished himself as a performer and scholar, specializing in French Baroque repertoire. He took up the harpsichord without learning piano first, sharing his family's love for French history of the seventeenth and eighteenth centuries. He studied with Kenneth Gilbert and Huguette Dreyfus and worked with Gustav Leonhardt in his master classes in Cologne. He was awarded first prize in harpsichord (1981) and in chamber music (1982) at the Paris Conservatory and won the Concours de Solistes de Radio France in 1982. 
Gerard Schwarz and his Seattle forces turn in an absolutely terrific Sheherazade: voluptuous, exotic, with a nice flexibility of pulse, but also very exciting. You can tell this will be a fine performance from the very first bar: firm and strong, with the brass giving the theme a menacing growl, followed by Maria Larionoff’s bewitching solo violin representing the protagonist herself. Only the finale, while admirably fleet and precise, lacks a touch of cinematic sparkle, but when everything else goes so well this is a minor point. The two inner movements in particular have a crispness and flow that are very welcome, and (these days) somewhat unusual.
'Fresh from the extraordinary success of his Saint-Saëns concertos, Philippe Graffin proves even more alluring in the French master's chamber music. This spellbinding performance had me lost in rapt concentration. The rarities that make up the rest of the disc are also sheer delight. A wonderful recording in every way.' --Classic CD
Garcia has always been a characterful guitarist; his musical intelligence and perception are to be treasured in an age where bland fluency seems to carry off the major prizes.' - Classical Guitar
The piano remained the main instrument of Beethoven throughout his life, and this download represents his entire and sizeable output for piano and orchestra, starting with the early Piano Concerto in E flat, WoO 4 – a work of tremendous energy and great technical demands, which Beethoven wrote when he was just twelve years old – and ending with Piano Concerto No. 5, the only one that, due to his developing deafness, Beethoven never performed himself in concert.
Works by Andersson/Ulvaeus · Bizet · Brahms · Chaminade · Costello · Downland · Grieg · Haas · Handel · Mahler · Monteverdi · Mozart · Offenbach · Purcell · Schubert · Schumann · R. Strauss · Weill
“ In tune with Claudio Abbado’s bracing “new-old” approach to Mozart — sparing use of string vibrato, astringent, wind-dominated textures — Allegrini’s slightly rougher-edged way with this famous music could hardly be less like Brain’s suave cantabile. Especially in the “hunting call” allegro finales, the two Italians bring a rude, rollicking alfresco quality” Sunday Times, 21st August 2011 ****
...Naturally, Chopin’s Concerto can’t possibly have the same degree of power in its chamber version, but offsetting benefits of intimacy and insight into the human condition are abundant as are the work’s rapture, urgency, and tension. This is an outstanding performance that surpasses the fine recording of the work by the Yggdrasil Quartet on BIS with Fumiko Shiraga on piano. --Don Satz, MusicWeb International
Farinelli was not only a star among the castratos of the 18th century, but also a composer. Singers of the 18th century were taught composition and improvisation, and Carlo Broschi, alias Farinelli, received an excellent education in the Neapolitan school “Nicolo Porporas”. This album brings together a fascinating selection of his vocal pieces including several arias and recitatives.
The young American violinist, Jennifer Koh, is the excellent soloist. The first movement with its sequence of flowing melodies could easily seem to meander, but Koh and Hickox give it a clear shape, with each new idea emerging seductively. The slow movement, played with hushed dedication, has a tender poignancy here; an intrusive brass motif leads to the central cadenza, technically demanding but not showy. The vigorous finale features a jaunty main theme and ends with virtuoso fireworks, rounding off a piece that deserves resurrecting in the concert-hall too.
“Stokowski's orchestrations, as flamboyant and full of flair as his interpretations as a conductor, have increasingly been accepted and welcomed on disc, a good sign that rigidly purist attitudes have nowadays softened. This Naxos collection of Stokowski's arrangements offers outstanding performances by the Bournemouth Symphony Orchestra, brilliantly recorded.
“she tackles roles usually assigned to mezzo-sopranos, such as Fidès in Meyerbeer’s Le Prophète, Didon in Berlioz’s Les Troyens and Massenet’s Hérodiade, but her shining soprano is especially gorgeous in the rarities...Rousset’s period band supplies luxury support.” --The Sunday Times
This fascinating collection is completed by a superb rendition by Lydia Mordkovitch of the Three Dances, Op. 7, and a rapt Yvonne Kenny in the song-cycle ‘In Green Ways. Beautifully rich Chandos sound as always. --Gramophone
“Chandler has put together a fascinating programme among which are some rarities including two 'world premiere recordings'...Katy Bircher and Chandler himself are the respective soloists [in RV431a] and their warm-sounding, eloquently stylish playing is a constant delight.” --BBC Music Magazine *****
Where Volume 1 of Timpani’s Pierné chamber works intégral presented him largely as a purveyor of superior salon fare and “master of charms” second only to Fauré, this second and final volume provides the shadow of so much gaiety, allure, and fluff in the extensive Cello Sonata and, above all, the Piano Trio, which, taken with the Piano Quintet heard in Volume 1, comprise a musical anatomy of melancholy—chronic (the single movement Cello Sonata playing for over 20 minutes, the Trio’s first movement for 19), depressive (major key turnarounds laced with wry wistfulness), and obsessive (the Quintet’s final zortziko movement, the Trio’s 3+3+2 rhythmic ostinato Scherzando). There is no Beethovenian fist-shaking, nor other histrionics, but darkness conveyed with a deft, light touch and astonishing invention that keep one’s attention—once you’ve put aside expectations of the usual crisis and overcoming program—consistently on the stretch. 
If ever you’ve been in the grip of depression, these scarcely known works will seem oddly familiar, a traversal of that peculiar country of the soul. And the bonbons are more substantial—and more extensive—than those in Volume 1. Beside the brief Caprice and Expansion, both for cello and piano, or the winning Impromptu-Caprice for harp, the Variations libres et final, for flute, harp, and strings, the Introduction et variations sur un thème populaire for saxophone quartet, or the pithy Trois Pièces en trio, afford equal measures of substance and delight. And with the Voyage au pays de Tendre—all episodic charm, wholly delectable—we meet the graciously urbane Pierné one last time.
Many of the most popular arias from Handel’s operas had been published in transcriptions for recorder and keyboard – the ancestors of the operatic paraphrases by Liszt and Henselt in the 19th century. Although they can be considered as domestic music, the keyboard parts are quite virtuosic (Handel was an excellent harpsichordist), and the composer’s markings are detailed lending credence to the view that these works were also used as exercises. Handel enthusiasts will find much that is familiar in these works, sprightly fast movements and operatic larghettos, the latter no doubt influenced by the operatic workload Handel faced at the time.
The two works originally written for two pianos are Rachmaninov's poetic Suite no 1, Op. 5 "Fantaisie Tableaux" (which the young composer dedicated to another giant of Russian music - Piotr Tchaikovsky) and the Fantasy in A minor by Rachmaninov's contemporary at the Moscow Conservatoire, Mikhail Scriabin.
Schumann never heard his own cello concert - cello virtuosos were a much rarer breed in his time than now - so his arrangement for violin may have been something of a desperate remedy. Most of it works well enough, especially if you don't know the original, and there are one or two gains. The violin-cello dialogues in the slow movement take on a feminine-masculine quality where the cello version sounded entirely male.
Two star countertenors, Philippe Jaroussky and Max Emanuel Cencic, join William Christie and Les Arts Florissants, for a programme of chamber-scale duets and arias by Italian composers of the early 18th century. As Jaroussky says, these are “duets of great beauty, where the two voices entwine in a way that is sometimes very sophisticated, but also very sensual.”
'Stone's playing is agile and confident, his sound round and full. These characteristics are essential to project the instrument's small voice in a concerto. The players of Tempesta di Mare supply a lovely, understated accompaniment that is historically informed but without any ornamental gimmickry.' --American Record Review
'[Richard] Stone has lots of technique and shines in the soloist's role. Even greater, arguably, is his successful realisation of the orchestral parts. It may sound a highly dubious idea, but in fact it is not at all in principle out of order to reconstruct an orchestral score from a soloist's part, because many of the ideas will be transferable, and the basic harmonic and structural design is already present. To these ears, the orchestral writing is entirely convincing and the players tuck into it with gusto and panache, the buzzy string sound and the woody tone of the baroque flute recorded in a spacious and expressive acoustic.' --Classical Guitar Magazine
Popular selections from their six recordings have been specially programmed for this album, a truly wonderful musical survey of the trio's work on record.
“…Ehnes has returned to these coruscating 'finger-breakers' (as Ricci once described them), playing with the same glowing tonal finesse as before, but with a new lyrical intensity… Beguilingly played and expertly engineered, this deserves a place on anyone's shortlist of the Caprices.” --BBC Music Magazine
Listening to this double-disc package of Pierné's compositions for various combinations of instruments, whether in sonata form or as single-movement character pieces, one is struck by his graceful melodies, effervescent timbres, and lively rhythms, rather than by any formal matters or developmental procedures; and his music is often infused with the charming languor that is most associated with the fin de siècle. This poignant, perfumed style dominates Disc 1, especially in the Sonata for violin and piano (1900), but it is contrasted by the darker hues and brooding intensity of the Piano Quintet (1916-1917), which points to a more impressionistic phase. Disc 2 is filled with several delightful preludes and short pieces for woodwinds, but the major pieces are the Sonata da camera for flute, cello and piano (1926), and the ballet Giration (1933), which, while equally appealing in color and melody, have more substantial and satisfying forms. 
“Conducting J. S. Bach isn’t Abbado’s usual activity. But he buckles to it with joy, humanity and an Italianate slant that turns these cornerstone suites into outpourings of instrumental song. The players are the all-star Orchestra Mozart, with Giuliano Carmignola the demon lead fiddler, caught live in 2007.” The Times, 12th March 2011 ****
“Peter Serkin brings special qualities to the Brahms group… while his delicacy in Debussy's Trois Chansons de Bilitis is magical. Lorraine Hunt Lieberson equals him in her musical insight and in her complete security of approach to her own instrument. Her huge potential range of dynamics allows her to shape each song individually, while her poised understating of Pierre Louÿ's Debussyan texts makes them infinitely suggestive.” --BBC Music Magazine
Schoenberg and Bernstein are not usually thought of as compositional bedfellows, but they had several things in common: a strong Jewish spirit appears intermittently in their œuvres, and some of their loveliest music is among the least known. Both thoughts come into play here. Kol nidre is the Jewish prayer of atonement for Yom Kippur; Schoenberg set it in 1938 for a Los Angeles synagogue. A tonal work (in G Minor) with lush, golden post-Romantic scoring in the Korngold-Zemlinsky mold, it contains some of Schoenberg’s most beautiful music. Following an extended orchestral introduction, the “rabbi-narrator”—speaking in English, with no specified pitches—explains the prayer, as the orchestra illustrates it; then the chorus joins in responses. Kol nidre has been recorded by the usual suspects: Boulez, Gielen, and Craft. All are excellent, but none can match the sheer beauty of this performance and its recorded sound. The orchestra is superb, and Sala São Paolo has a warm, thrilling ambience reminiscent of the Troy Savings Bank Music Hall, which BIS has captured gloriously. Even if you fear the name Schoenberg, you must hear—and wallow in—this audiophile triumph.
This is a very fine disc. Carl Nielsen's ferociously difficult Clarinet Concerto presents no serious technical challenges to Sabine Meyer, who plays it with beautiful tone and a remarkable lightness of touch. Indeed, in the work's angrier moments, where a touch of stridency wouldn't be amiss, she sometimes sounds perhaps too light; but just how raucous you want the soloist to sound in this work will be very much a matter of personal taste. I had the same reservations regarding Martin Fröst's undeniably excellent recent BIS recording, and for this reason Olle Schill (also BIS) remains my version of reference. One thing is certain: Simon Rattle and the Berlin Philharmonic accompany magnificently, and the equally soloistic snare drum part never has been so subtly or accurately played.
But the Two Choruses, Op. 124, Shostakovich’s contribution to a collaborative cantata celebrating the 10th anniversary of the Revolution, are portents of greater choral outpourings to come in the 13th Symphony and the Execution of Stepan Razin. And the brief, 9-minute suite of music from the 1940 film The Adventures of Korzinkina, the composer’s Op. 59, leaves one wanting more. Perhaps when he’s done with the symphonies, Polyansky can bring us more of that under-explored corner of Shostakovich’s output. --American Record Guide
This is an outstanding disc which makes Jenkins shine and sheds light on the unique talent of this English master of the 17th century.
As to the Overture to Creole Faust and the Estancia Dances, many listeners doubtless will enjoy conductor Josep Pons' lively tempos and snappy rhythms. Indeed, the final Malambo from Estancia seldom has sounded so secure in its play with compound meter. Still, there's no denying the fact that the music isn't as pulse-pounding as it can be. For example, the recent Bridge recording of these two works from Odense remains unequalled for barbaric splendor and coloristic detail, albeit at a slightly slower pace.
'Brilliantly colourful performances - no better way of winning converts to Pizzetti' --Gramophone
Even without the enticement of two of the world’s most perceptive Lieder singers and the razor-sharp support of Abbado, there would be one very compelling reason for choosing this collection of songs from Des Knaben Wunderhorn (The Youth’s Magic Horn) even above the intriguingly matched team of Norman, Shirley-Quirk and Haitink. Mahler selected texts from the polished-up folk anthology which mostly deal with the here-and-now tragicomedies of soldiers and country girls, reserving the collection’s rare moments of religious balm to light the way in the Second, Third and Fourth Symphonies. By ending with ‘Urlicht’ out of the context of the Resurrection Symphony, Abbado’s sequence suggests that something lies beyond the temporary consolations of soldier-spectres and the terror of death. And this is, after all, Anne Sofie von Otter at her most hallowed, following Quasthoff in burnished tragic-heroic mode, sounding for all the world like a young Norman Bailey in the focused despair he shares so well with Abbado.
'In his compositions the intention of pleasing the ear and of satisfying the intellect is evident, leaving to the vain and the pedantic everything that strikes, stupifies and puzzles.' This was the comment of Charles Burney about Johann Adolf Hasse after they had met in September 1773 in Vienna. Hasse was a prolific composer whose music dominated the European stages for almost half a century, before being challenged by the followers of the new style brought in by Gluck and Calzabigi.
“[In 'Come, o sleep, and let my cares'] the gentle, courtly tone so effortlessly sustained by Rial is elevated by the use of two flutes amid a glowing orchestral arrangement. The delightful feathery fluting of concertante recorder likewise helps animate the emotional quandary of "Hope gives me comfort"” --The Daily Telegraph
Lucy van Dael, one of the most highly regarded Barqoue violinists in the world, and her prominent continuo players present an exciting part of the history of the violin sonata: The sonatas for violin by the 17th-century vituoso Marco Uccellini, who was active in Modena and Parma.
This collection just might have the most off-putting title of all time. It’s also inappropriate, as one of the five selections, the Invitation to the Dance,Paul Paray and the Detroit Symphony play 'Dances of Death' (yech!) is all carefree froth and has nothing whatever to do with the grim reaper; in the contrary, 
This generation also takes advantage of the fact that practically the whole repertoire of all music ever recorded is available on the Internet. The most diverse kinds of music stand alongside each other, taken out of their typical context and available in some would say, a more democratic form. Tristano makes use of this, stamping his mark on the world of music and providing a fresh and unique sound, unlike anything that has been heard before.
“The countertenor Philippe Jaroussky soars as effortlessly as a bird, with no sense of strain: perhaps – for we can never know for certain – this is how the great castrati of the 18th century sounded. He was certainly convincing in the soprano role of Nero in the Euroarts DVD of Handel's Agrippina.
Ernst’s violin music is virtuosically written, as might be expected from a famous violinist. It does not have the individual profile the music by Wieniawski and Vieuxtemps (similar 19th-century virtuosos) has, but it is far from unpleasant listening, especially when as well played as it is by Ilya Grubert, with Dmitry Yablonsky leading the Russian Philharmonic. Major works are the Concerto in F-sharp minor, the even longer Concertino in D. --Paul Turok, Turok’s Choice, June 2007
“…the centre of gravity of this recital is a magnificently eloquent and understanding performance of Shostakovich's Violin Sonata, which as the years pass comes to seem one of the greatest of his late works. …Gluzman and Yoffe infuse the music with an expressive glow that transcends its innate austerity.” --BBC Music Magazine *****
Sonido Clásico
Performer: Gerald Finley, Collegium Vocale
Un aporte de Diego Martinez, ¡muchas gracias por compartirlo!
Britten, compositor británico famoso por sus operas, ya con menos importancia pero no calidad destacan sus sinfonías y conciertos, en este caso para violín (1931). En wikipedia pueden leer, en inglés, un análisis sencillo y claro.
Existe una cierta emoción que tocar las Sonatas de Carl Philipp Emanuel despierta en un violagambista - una emoción por el significado que estas sonatas tienen respecto al repertorio para la viola da gamba.Paolo Pandolfo
Alrededor de los mediados del siglo XVIII este instrumento, que había estado entre los protagonistas de la historia musical desde el renacimiento, entró en un declive: ya al final del siglo XVII, cuando la viola da gamba estaba gozando su máximo esplendor en Francia, en Italia estaba siendo remplazada por el violonchelo, cuyo sonido más redondo que se fundía mejor con el del violín, lo convertía en la estrella musical que se alzaba en el momento. En el siglo dieciocho, se presenció un abandono gradual de la viola da gamba, un proceso acompañado por fuertes disputas alrededor de Europa.
Por tanto, estos trabajos se encuentran entre los finales del repertorio para gamba y representan sus última frontera: una intrusión de los más nobles instrumentos barrocos en ese periodo de transición que determinaría la evolución del estilo clásico.
Se dice, casi con completa certeza, que Carl Philipp escribió estas sonatas para Ludwig Christian Hesse, un violagambista que, como él mismo, estaba al cervicio de Frederick El Grande en Berlin. Hesse era en cierto modo el "nieto" de dos grades maestros de la viola, Marin Marais y Antoine Foqueray, al haber tenido un gran maestro como fue su padre, Ernst Christian, quien fue un estudiante en Paris de los dos ilustres músicos.
Las dos sonatas a solo con bajo continuo (en C mayor y D mayor) son de 1745, mientras que la sonata a trío con clavecín obbligato es de 1756. De este último trabajo existe una segunda versión con un mínimo de variantes escritas para la viola da braccio (viola de brazo) - evidencia por un lado del leve ángulo forzado que pide la viola da gamba, y por el otro, de un intento tal vez por "mejorar" el resultado final mediante el uso de más medios expresivos claros disponibles para un instrumento tocado "da braccio".
De todos los hijos de Bach, Carl Philipp fue probablemente el que sintió mayormente la necesidad de renovar el lenguaje musical del barroco (que su padre le había transmitido de manera muy íntegra) y se proyectó a un futuro qué portaría la marca de Haydn, Mozart y Beethoven. Para entender su música, uno debe primero considerar su naturaleza doble como artista e intelectual: primero en Berlin y más tarde en Hamburgo, estubo rodeado de variedad de artistas, figuras literarias y de la filosofía, desde Marpurg hasta Quantz, de Sulzer a Gerstenberg, de Lessing a Klopstock.
Estos fueron tiempos de grandes cambios en Europa: en Francia los enciclopedistas preparaban el terreno para la revolución (Carl Philipp estaba en contacto con Diderot), mientras que en Alemania se atestigua el nacimiento del movimiento artístico pre-romántico que toma el nombre de "Empfindsamkeit", del neologismo acuñado por Lessing de la traducción de "The sentimental journey" por Sterne.
"Sensibilité", "Sentiment", "Empfindsamkeit": sensibilidad, una atención casi descabellada a las pasiones del alma y a su expresión. En estos terrenos, la música es considerada como el más perfecto de los artes porque es el "lenguaje de las emociones", die "Sprache der Empfindungen".
El propósito primario de la música es comunicar, transmitir y provocar sentimientos y emociones" ...si el compositor desea mover a los demás, debe, mediante sonidos simples y su combinación, ser capaz de expresar todas las inclinaciones del corazón, como si fuera un discurso..." (Mattheson 1737).
La teoria racionalista del arte como imitación de la naturaleza de nuevo es retomada, expandida y adaptada a la música:" ... el verdadero arte en la música existe sólamente en la imitación de la naturaleza..." (Scheibe 1745).
Los teóricos del arte traen a voluntad una interminable lista de sensaciones para ser transmitidas mediante la música (Krause). El intento es hecho, para entender la correcta combinación de esas sensaciones, y de ahí descubrir la fórmula de la creación artística:
"... la expresión de las pasiones continúa siendo un trabajo de genios; ... debemos escucharlos cada vez másy compararlos para así saber lo que tienen en comun, y llegar al secreto de la expresión..." (Lessing 1767).
Una cosa es segura: el artista estos años está total e intelectualmente conciente del propósito de su trabajo; no es un creador sólamente, sino también un teórico de la creación.
Carl Philipp, es su tratado "Versuch über die wahre Art das Klavier zu spielen", está entre esos artistas que entran más directamente en discusiones teóricas, definiendo claramente muchas de los principios de inspiración detrás del Empfindsamkeit musical: "Un música conmueve a otros sólo si él mismo se ha conmovido: es esencial que él experimente todos los humores que quiere despertar en sus escuchas, porque en cierto modo los hará entender sus sentimientos y participar en dicha emoción..."
Este tratado, profundamente enraizados en el pasado, mira hacia el futuro, y esta tensión, grandiosa por ser fruto de una mente conciente, está presente en todos sus trabajos.
Las sonatas para viola da gamba son tal vez particularmente representativos de la tensión hacia lo desconocido, de su relación entre el pasado y el futuro, en la cual el primero está representado por la elección del instrumento, y el segudo por la innovadora fuerza de la música en si. Como ejecutante, estoy fascinado por esta contradicción: un instrumento en camino a la extinción hablando con un lenguaje musical de renovación.
En lo que compete a los tratados barrocos de composición, el interés se perfila cada vez menos en el "conocimiento musical", "aprender compocisión", y se va hacia la comunicación de las pasiones del alma practicamente como un fin en si. No es una coincidencia que algunos (Schering por ejemplo) vean a la música alemana de su tiempo como desde un punto de vista psicoanalítico: el "lenguaje de los sonidos" está conciente de que también es el "lenguaje de las emociones", y las largas listas de Krause no son más que un conjunto de eventos psicológicos, codificados y hechos inteligibles a través de la música.
La técnica de compocisión es concientemente dirijida hacia el total de expresiones de las pasiones del alma, y está dirigida a "escoger de entre todas las posibles notas y series de estas, siempre aquellas que expresarán más claramente las emociones..." (Lessing)
Como Suzzer escribió en 1774 (Después de que Carl Philipp ya llevaba en Hamburgo 6 años):
"...parece que escuchar una sonata de nuestro Bach de Hamburgo, es como si uno escuchara no un conjunto de simples notas, sino un verdadero y claro lenguaje que mueve y entretiene nuestras emociones..."
El denso estilo de Carl Philipp se funde en estas sonatas, el produndo entendimiento de la viola da gamba francesa (de la cual la dedicatoria a Hess, fue herada, pero indirectamente) junto con una conducción medlodica y virtuosismo típico, por otro lado, de los italianos.
En el primer movimiento de la Sonata en D, Bach explora a los extremos el material lírico emocional hacia el Allegro que sigue. El 3er movimiento, Arioso, es, como las "reglas" de Scheibe dictan, una clase de danza evocando un minueto, donde la tensión entre el fácil ritmo ternario y la línea melódica discontinua y tormentosa pocisiona a esta pieza como una pequeña obra maestra.
Mientras que la sonata en D se entiende en palabras de intenso carácter lírico y drama, la que está en C parece haber salido de otra fuente de inspiración, de nuevo de gran significado para este mitad del siglo XVIII. Aquí Carl Philipp se dista de la complejidad emocional en busca de una atmósfera más ligera y menos problemática, casi galante.
Dinamismo e ironía acompañan la sonata en los tres movimientos, incluso cuando el desenvolvimiento expresivo y virtuoso es mayor.
La Sonata a trío en G menor, escrita más de 10 años despues, está compuesta en la forma estricta de un trío basada en una estructura imitativa, que evoca a su padre. Carl Philipp llegó a ser considreado un modelo ejemplar de compositor de sonatas a trío rico en expresión. Hablando en general de sus tríos, Sulzer escribió: "...esconde su técnica composicional detrás de la expresión..."
Gracias a estas sonastas, es posible explorar, a través de la viola da gamba, todos esos elementos que proveerían el material para el desarrollo del estilo clásico.
Mozart, en una carta dirigida a J.F. Rochlitz, escribió lo siguiente de Carl Philipp: "Él es el padre, nosotros los hijos. Aquellos que hacemos algo de valor lo aprendimos de él..."
"En la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad."- Arthur Schopenhauer
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Y este es el inicio de una futura lluvia de aportes de guitarra clásica, y pues nada mejor que empezar con música de españa, este disco contiene música de Isaac Albeniz, Francisco Tárrega, Enrique Granados y Federico Moreno Torroba.Entre los tracks del disco, las mas famosas, podríamos decir que son: Asturias (que fue escrita originalmente para piano, pero que Francisco Tarrega transcribió para guitarra), Sevilla, Capricho Arabe, Recuerdos de la Alhambra, Danza n. 5, pero realmente todos los tracks son muy bellos....El guitarrista es Edoardo Catemario, napolitano quien inició sus estudios musicales a la temprana edad de 5 años.
Tchaikovski, músico y compositor Ruso, inició sus estudios musicales a los 5 años, empezando sus primeras lecciones de piano, y se dice que a los 3 años ya podía leer música tan bien como lo hacía su profesor, luego fue a estudiar a la escuela imperial de jurisprudencia de San Petersburgo, donde la música no era el interes principal, por lo que Tchaikosvki estuvo alejado de su familia 9 años, ya que dos años estuvo en la escuela preparatoria y los 7 años restantes en la escuela de jurisprudencia.Se dice que quizás alli en esa escuela empezaron las tendencias homosexuales de las que algunos señalan al gran compositor, pero a pesar de eso, en 1868 contrajo matrimonio con una soprano, quien luego se casó con un baritono sin avisarle nada a Tchaikovski.El disco contiene el concierto para piano y orquesta No. 1, del cual muchos afirman que tiene codificado el nombre de la soprano anteriormente mencionada, quien era Desire Artot, pero todo esto aún es una suposición. Tiene la clasica forma de un concierto para piano y orquesta romántico, 3 movimientos, el primero, un allegro non troppo e molto maestoso-Allegro con spirito, que es muy famoso, el segundo, Andantino semplice y el ultimo y brillante tercer movimiento, un allegro con fuoco.Luego viene el bello concierto para violín en re mayor, el cual también tiene 3 movimientos, el primero y mas largo, el Allegro moderato, luego, el segundo, Canzonetta: andante-attaca, y el ultimo, Finale: Allegro vivacissimo, es un verdadero reto para todo violinista, es una obra que requiere virtuosismo, el primer movimiento contiene una cadenza la cual podríamos comparar con pasajes de música de paganini.El primer concierto, lo ejecuta la gran pianista Martha Argerich, con la Royal Philharmonic Orchestra, dirijida por Charles Dutoit, y el concierto de violín lo toca Nathan Milstein, Con la Orchestre Philharmonique de Vienne, dirigida por el conocido Claudio Abbado.
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Subido para todos los amantes de la música barroca, este disco contiene una selección de piezas para violin, unas muy conocidas, otras no tanto pero igualmente bellas, la mayoría de piezas son para piano-violín, excepto los tracks 5 y 6 que son 2 piezas pertenecientes a la partita para violin solo en mi mayor bwv 1006 del gran compositor J. S. Bach.El track 2 es la famosa sonata "trino del diablo" de tartini, que según se cuenta, éste recibió la inspiración en un sueño, en donde vió al diablo tocar una pieza tan bella que solamente despertó y quiso escribirla, y según él mismo la pieza que escribió no le llegaba a la belleza de lo que escuchó en el sueño, sea o no cierto, esta pieza es muy hermosa y a la vez virtuosa.También el track 3 es la Folia de Arcangelo Corelli, de la cual varios compositores se inspiraron (Fernando Sor, Liszt-de quien pronto subire material-).La interprete, Bin Huang, es una joven violinista venida de china, ha ganado varias competiciones, entre las que destacan 2 competiciones internacionales de paganini (1994 y 1999).
Uno de los más reconocidos intérpretes de música antigua en el mundo, ejecutando en este trabajo algunas piezas del renacimiento y el barroco en instrumentos como el laúd, tiorba y guitarra barroca.
A petición de un lector, les dejo este gran album, nuevamente por parte del Glenn Gould, pero esta vez interpretando piezas de Beethoven, de principio a fin un atrapante despliegue de virtuosismo y sentimiento a la hora de tocar el piano.
El segundo aporte para los adeptos del piano: una grabación de las manos del mismo Rachmaninoff.
La denominación Suites inglesas, BWV 806–811, se refiere a un grupo de seis suites compuestas por el compositor alemán Johann Sebastian Bach para clave y que son generalmente consideradas como las primeras de las dieciocho suites que Bach compuso para teclado, siendo las otras doce, las seis Suites francesas, BWV 812-817 y las seis Partitas, BWV 825-830.[Leer el artículo completo]
Aquí les dejo un buen disco de canto gregoriano, también conocido como "llano". Vale la pena señalar que esta es música meramente vocal, correspondiente a la que se canta en las liturgias cristianas desde hace cientos de años. Lo cantado corresponde a textos de la misa: evangelios, oraciones, salmos, etc. Dichos textos están escritos en latín, el idioma oficial del Imperio Romano, salvo algunas excepciones: Kyrie eleison (Señor, ten piedad), Agios ó Theós (Santo Dios), entre otras.
